SSL duality. La reina desglosada

SSL Duality es la mesa analógica insignia de formato grande de Solid State desde su presentación en la 121a Exposición AES 2006. Esta SSL no solo combina el legado clásico analógico Legacy E, G y K con componentes claves de la serie AWS, sino que también interactúa directamente con un sistema DAW conectado. Se podría decir que la SSL Duality es 2 en 1 (controlador DAW y mesa Analógica multifunción). Como controladora DAW, funciona con todos los DAW utilizando el protocolo de emulación HUI y Mackie Control Universal (MCU).

Estudio FJR

Por años ha sido y es el estándar de los estudios de grabación modernos de los últimos 15 años. Infinitamente flexible para cualquier metodología de trabajo actual. Puedes grabar utilizando el sistema DAW como controlador y cambiar a la suma analógica en cualquier momento. Procesamiento analógico, automatización y Total Recall ™. ¿Que mas pedir por los entornos híbridos de hoy en día?

Hablemos de la SSL Duality

La SSL duality la podemos encontrar en cuatro tipos de formatos posibles. 24, 48, 72 y 96 canales.  El lado puramente analógico de su diseño tiene el afamado SuperAnalogue de las anteriores exitosas mesas de la serie XL 9000K.

La sección de preamplificador de micrófono se compone con la unidad armónica (VHD). Para el quien no lo conozca, el VHD emula la distorsión de segundo orden armónico (válvulas) o del tercer orden armónico (transistor). Puedes combinar la cantidad necesaria utilizando los controles de entrada tanto en canal de micro como en canal de linea. En su parte digital dispone de pantallas de tipo TFT por cada módulo de 8 fader ya encontrada en las características de la serie AWS 900+ SE

SSL Duality

Esta es una mesa de tipo «plug-and-play». El modelo de 48 canales consume menos de 15 amperios en un solo circuito de 110 VCA. Eso es aproximadamente el 35% de potencia total que requería las mesas clásicas del pasado haciéndola muchísimo mas eficiente en costes por gasto de electricidad.

Los conectores en la parte trasera de la SSL duality son de tipo XLR. Se utilizan para entradas de micrófono / línea, salidas del sistema monitor / cue, estéreo externo y fuentes de monitorización 5.1. Las salidas de buses se hace a través de conectores de tipo DB-25. Incluye 16 puertos MIDI que proporciona interfaz de controlador de tipo HUI o Mackie además de rutas MTC / MMC. También te encontrarás un conector RJ45 con conectividad Ethernet 100baseT y su propia dirección IP para acceso a la red.

Sección central de la Duality

La sección central cuenta con un panel de medidores para 3 sub-master estéreo llamados A, B y C, 24 buses de linea y 4 envíos de efectos. También hay tres grandes medidores de VU para los niveles L / R y correlación de fase.

La sección Audio Master Control incluye 24 submasters de bus con solo AFL, canales de retorno de efectos estéreo, controles maestros de envío de cue y efecto, tono de pizarra e inyección de talkback, pliegue y controles de salida de auriculares.

Interface Editor

La interfaz del Editor utiliza una pantalla TFT más pequeña insertada y tiene una función similar a la de la mesa AWS 900+. También esta pantalla funciona como interfaz visual para el Total Recall y automatización de fader / mute. Tanto Total Recall como Automation funcionan igual que en la serie AWS. La única diferencia es contar con las diferentes pantalla TFT que facilita el trabajo haciendo que los recall sean más rápidos.

Fader Master

El Master Fader es una unidad motorizada de 100 mm de tacto muy suave. El fader maestro utiliza tres convertidores digitales / analógicos multiplicadores (MDAC) de 12 bits (resolución total de 36 bits) para controlar los tres buses sub-master estéreo. Los MDAC se utilizan en Duality para controlar el audio analógico. Un MDAC contiene resistencias lineales conmutadas (atenuadores pasivos) que no presentan ninguno artefacto negativo sonoro encontrados comúnmente en los VCA de mesas clásicas.

Los ocho faders de grupo funcionan como maestro / esclavo como en modo Fader Link donde la actividad del fader sigue con los otros faders vinculados. Por último incluye una bola de tipo mouse para manejarte en el DAW que funciona muy bien.

El panel de enrutamiento central controla y configura todos los canales disponibles . Puede permanecer en el «punto óptimo de escucha y evaluar posibles cambios críticos en el procesamiento de tu mezcla. El enrutamiento central también establece los buses 1 a 24 o las salidas directas.

Salida principal

La función de salida principal controla los tres buses estéreo que también funcionan como un solo bus surround 5.1. La mezcla A, B y C que hablábamos antes, se representan en una misma matriz. Cada par de bus estéreo tiene su punto de inserción donde puedes elegir que sea antes o después del fader maestro. También puedes elegir qué par estéreo se van a comprimir y / o sumar en la salida maestra. Todas estas capacidades te dan libertad absoluta para ser realmente creativo en todo tipos de procesamientos en diferentes buses según las necesidades que puedas encontrar en una mezcla.

Bus Compressor

El compresor Main Bus usa el único VCA en Duality porque es el mismo diseño que se encuentra en la mesa clásica SSL4000. Puedes elegir usarlo en todos los buses estéreo que quieras. También existe la opción de puedas incluir cadena lateral ( side-chain).

Monitoreo

La perilla grande del monitor tiene una lectura digital para calibrarla usando un generador de ruido rosa / blanco incorporado. Hay tres modos de tipo de monitoreo en la mesa: mono, estéreo y 5.1 con hasta dos opciones de monitor estéreo y dos de altavoces 5.1. 

Las opciones de monitoreo incluyen Dim y Cut, dos insertos separados y la capacidad de monitorear altavoces alternativos tanto para el LCR principal como para las unidades envolventes mientras se mantienen los monitores envolventes existentes. Puedes gestionar completamente los graves que incluye en tu sistema de altavoces. Puedes modificar la frecuencias cruzadas LFE seleccionable y forma de filtro si tienes un subgraves alternativo.

CHANNEL STRIP

En una SSL Duality de 48 canales te encuentras con ocho pantallas TFT, cada una de ellas muestran la configuración de un grupo de seis canales de la mesa. Cuando se selecciona un Channel Strip en Central Routing, la sección de ese canal en el TFT se resalta. La asignación de bus estéreo y multipista, el nivel de VU, el nivel de fader de automatización y el estado de pista DAW asociado (Seleccionado, Grabar o Editar) siempre están visibles en la pantalla.

Los medidores LED utilizados en las secciones dinámicas de las series K, G y E se reemplazan por versiones más grandes y de mayor resolución en el TFT. Las pantallas también nos muestran el orden de enrutamiento de la cadena de señal y cualquier procesamiento activo en ambas rutas. Contamos con la función Eyeconix que ofrece una biblioteca de imágenes para sustituir los nombres de las pistas si queremos con lo que facilitaría la visualización. 

EL VHD ™

En la parte superior de cada canal está la sección de entrada y VHD (Variación Harmony Drive) Esto es un preamplificador de micrófono inteligente además del preamplificador de micrófono SuperAnalogue ™. El VHD emula la distorsión del 2º armónico (válvula) o del 3º armónico (transistor). Esto es un plus para calentar señales frías al gusto. 

Dinámicas y EQ

La sección Dynamics es idéntica a la serie 9000K y también se encuentra en la gama XLogic de procesadores externos de SSL. El Gate / Expander utiliza un diseño de tres controles con opción de puerta empinada o pendiente de expansión suave y ataque rápido opcional. La función Hold cambia el tiempo de liberación variable a fijo pero con retención variable.

A continuación se encuentran los filtros de paso bajo de 18dB / oct de tercer orden y los filtros de paso bajo de 12dB / oct de segundo orden seguidos del ecualizador paramétrico de cuatro bandas basado en el ecualizador Black Knob SL4000E. Existe el botón G que cambia el EQ de la serie E a el EQ de la serie G. Esta última es conocida especialment por sus curvas más pronunciadas y su sección Q proporcional de rango medio. Hay ciertos ingeniero que le gustan mas la serie G cuando quieren que algo corte en la mezcla. Lo usan digamos en frecuencias de 5 khz para arriba y de 300 hz hacia abajo.

Paronama

La panoramización de canales en Duality se logra usando los mandos L / R, Focus y LFE. La perilla de enfoque varía continuamente el desplazamiento panorámico entre imágenes fantasma L / R y el desplazamiento panorámico LCR duro. 

En la parte inferior del canal está el controlador rotativo D-Pot y un fader de motor de canal de 100 mm. Normalmente, el D-Pot y sus botones Cut y Solo son para reproducción DAW cuando desea utilizar el fader de 100 mm para montar niveles de grabación de micrófono en el DAW. Los D-Pots también se pueden usar para el nivel de grabación de canales analógicos si desea usar el fader para la reproducción DAW. 

EXPERIENCIAS RECOGIDAs DE UN USUARIO HABITUAL DE LA SSL DUALITY

Con una curva de aprendizaje mínima, mezclar Duality es muy sencillo; Al igual que un 9000K, todo sucede de la mejor manera sonora. El EQ E Series predeterminado funciona igual que siempre: excelente el 99 por ciento del tiempo. Ese EQ es el sonido de SSL que siempre me ha gustado: puede ser agresivo o suave. El modo G EQ aplicado a una pista de tom-tom hizo que sobresaliera de la mezcla de batería a la que había asignado cuatro canales analógicos.

En los canales kick y snare, la compuerta y el compresor funcionaron mejor que un 9000K porque pude leer los medidores con mayor precisión en los TFT. El «traqueteo» de la puerta, es decir, cuando la puerta salta rápidamente entre estar abierto y cerrado, es una de mis manías. Por lo general, entro en la página de edición de Pro Tool y corto / fundido cruzado las pistas de tom-tom si tengo un derrame excesivo de platillos en ellas. El nuevo esquema de umbral asimétrico de la puerta es un ganador para mí para toms y ruidosas pistas de amplificador de guitarra: es como un agente inteligente trabajando para usted, manteniendo la puerta funcionando sin problemas. Me gusta especialmente toda la medición visible. Los 24 niveles de salida DAW analógicos que se muestran en el lado izquierdo y los 24 niveles de pista DAW en el lado del controlador son mucho mejores que intentar seleccionarlos en la ventana del Mezclador Pro Tools. 

El VHD en práctica

Usando VHD, seleccioné Drive In y terminé la ganancia del preamplificador de micrófono para poner ese canal en una fuerte sobrecarga. Después de retroceder la perilla del canal para poder A / B a niveles comparables, me vendieron. El VHD suena especialmente bien en el bajo y las guitarras eléctricas para agregar más «cabello». Usé VHD en guitarras DI: eliminé los complementos del simulador de amplificador de guitarra que tenía en Pro Tools ya que VHD sonaba mejor en este caso.

El protocolo HUI proporciona acceso a bancos de hasta 32 canales, y tuve acceso a todos los canales de Pro Tools (65 en total) y devoluciones de efectos simplemente cambiando los bancos de esos 24 canales de controlador usando el botón de flecha izquierda / derecha en el panel de control maestro.

También me gustó que todos los botones Solo sigan su propósito exacto. Solo en el lado del controlador solo en Pro Tools mientras que solo en el lado analógico solo en la consola – ¡dulce! Ser inmediatamente capaz de escuchar la diferencia entre las pistas panorámicas LCR o phantom L / R es algo sin lo que no debería faltar el mezclador / productor de sonido envolvente. También me gustó el control LFE Blend. Puede mirar el medidor LFE VU y agregar una pista al bus LFE y ver si esa pista tiene alguna información (por debajo de 80 Hz) para contribuir. Si no, no usaría la mezcla LFE para esa pista.

POR ULTIMO

La SSL Duality abastece a la generación actual DAW de creadores de música con su capa de controlador inteligente junto con todo un procesamiento de suma analógico clásico. Incorpora lo mejor de la serie C de SSL, AWS y las venerables mesa de las distintas series E, G y K.  Estamos ante una consola analógica moderna con todo lo bueno del pasado y de primer nivel. 

¡ Ojalá algún día pueda tener una ! =)

Fuente – Solid State logic y Revista Mix

Mitos de Mezcla ¿Lo desenmascaramos?

He sido un apasionado del audio desde hace muchos años, eso me ha echo que siempre estar pendiente de muchos foros de audio desde siempre. Hoy tenemos la gran fortuna de tener internet y con ello una cantidad basta de información nuestro alcance. El problema viene cuando a veces, sobre un tema en concreto, según el portal, puedes encontrar contradicciones.  ¿Como voy a saber cual es la información correcta entonces? ¿Cómo voy a saber lo que son o no son Mitos de Mezcla?

La experiencia, al final es la que se encarga de filtrar.  De mostrarte lo que es realmente válido o lo que simplemente son solos mitos de mezcla. Hoy te comparto algunas de mis  experiencias que he tenido ¿Los desenmascaramos?

Api Legacy AXS
¿Necesitamos monitores grandes para mezclar bajas frecuencias?

Cuanto mas grande sea el tamaño del woofer de un monitor, por lo general podrá reproducir mas bajas frecuencias. Yo te puedo decir que con monitores de 6.5 pulgadas pueden ser más que suficientes para un entorno de mediano a pequeño formato.

Todo esto tiene que ver mucho más con el espacio de tu sala. Esa es la clave para mí. Encontrar el punto medio entre sala y tamaño de monitor.  A veces pensamos, que debemos comprar los monitores mas grandes que estén al alcance. Esto no sería correcto si no nos pararnos a pensar si nuestra sala está preparada para la reproducción fiel de esas frecuencias bajas.

Si no tenemos un estudio tratado acústicamente, siempre es mejor tener unos monitores de campo cercano que sean mas pequeños. Con uno de 5 pulgadas en la mayoría de casos son  suficientes. También una cosa que debes valorar, es el tipo de género musical en el que trabajas normalmente. No será lo mismo géneros donde exista un BEAT con bastante bajas frecuencias o sonidos de tipo 808. ¿Quizás solo haces música orquestal?  

Estoy seguro que esto te ha echo pensar. No siempre los mejores monitores son los mas grandes. Siempre debes buscar un equilibrio entre tu sala y el tamaño de tu monitores.  

¿Debo Comprimir todas las pistas de tu mezcla?

La respuesta es un tremendo NO en mayúsculas.  La compresión es una herramienta que solo debe usarse en pistas que lo requieran. No podemos pensar que tenemos que usarlo por que es lo que siempre se hace. Estás cometiendo un grave error si piensas así.  Evalúa antes siempre si la pista lo necesita si o no. Depende del arreglo, depende de como se reproduzca en la mezcla que estás construyendo. La compresión es una herramienta imprescindible en la música de hoy pero se debe usar con mucha conocimiento. 

He visto a Mixer TOP hacer mezclas en las que de 70 pistas que tenía su proyecto,  ha usado la compresión solamente en 10 pistas. A veces, he visto también como el compresor no lo usaban para comprimir, solamente para dar color. Esto es una técnica muy común de uno de los mejores mixer del momento MICHAEL BRAUER

Los compresores los uso como cajas de tono, no como compresores en sí 

 

Mackie D8B
¿Necesito que evalúen mi trabajo en mi desarrollo?

Todos necesitamos ser evaluados por nuestro trabajo. Es más, si te fijas, el público que escucha nuestra música diariamente lo está haciendo. Tenemos que tener la mente abierta y nuestro corazón tranquilo para poder aceptar críticas por ello. Si nos cerramos a ello, por tal de que pisoteen nuestro ego,  estaremos equivocados.

He aprendido mas de las mezclas que fueron rechazadas que las que fueron grandes éxitos en mi carrera. Manny Marroquin 

 

La crítica constructiva siempre nos hará mejores profesional. Es muy raro encontrarnos una situación en que hagamos una mezcla, la enviemos al artista y no tengamos absolutamente nada que revisar. Si esto te sucede, sospecha. Siempre habrá algún comentario que hacerle porque no podemos entrar al 100% en el corazón y la cabeza de un artista a la primera. Siempre habrá un comentario sobre ello. 

Siempre debes estar abierto a recibir críticas constructivas, ten en cuenta que es la única forma realmente de avanzar. 

Los Home-studios no son aptos para hacer trabajos profesionales 

Este es uno de los mitos de mezclas que mas he escuchado hablar. Mi opinión es que los home-studios siempre presentarán retos y dificultades mayores. Una de las razones mas obvias es la acústica. No es lo mismo que hacer un estudio desde 0. Pero estas dificultades que hablo no es una excusa para no conseguir buenas tomas de grabaciones o conseguir una buena mezcla. Al fin al cabo han salido muchos discos de éxito que se hicieron con el menor número de recursos que te puedes imaginar. 

Es cierto que en la ingeniería y en la música, los detalles marcan la diferencia. Pero esto al final no es excusa. No es el equipo analógico o digital que tengas. Es la calidad y preparación del equipo humano lo más importante.

Mixer
Las buenas mezclas requieren mucho tiempo

Cuando empezamos en esto nos suele ocurrir bastante. Siempre todo depende de la magnitud de la sesión en la que estés en ese momento. Hace unos años tardaba en mezclar una canción como  3 o 4 días. Ahora quizás pueda irme a 6 a 7 horas en un mismo día. Aunque siempre, si lo necesitas,  se debería dejar un día o dos para revisar tu mezcla. Con los oídos descansados y enfoque de un nuevo día renovado. 

Mezclar rápido con conocimiento me está haciendo perder menos el enfoque de lo que busco y con ello consigo mejores resultados. CLA

¿COMENZAR MezclaNDO en mono?

Hoy en día nadie escucha una mezcla en mono. Puede ser que se dé alguna situación pero por lo general no ocurre. Una técnica que yo uso para ecualizar ciertos elementos, es precisamente escucharlas la mezcla en mono. Solo por un momento, como sería solear una pista. Esto hace que cuando vuelva la mezcla a estéreo tuviera mucho mas espacio. Trabajar en mono por momentos me hace esforzarme más obteniendo mejores resultados. 

Rack Estudio La Joya
¿equipo analógico o plugins?

Este es otro de los mitos de mezcla mas hablado en foros de audio. Es un error pensar que si equipos analógico o plugins.  Nos convertimos en mejores ingenieros de mezcla gracias a los resultados que obtenemos. ¿Que más da que herramientas he usado para lograr ese resultado?

En mi caso, a mi, si me pusieran en mis manos un coche de formula 1 no haría que me convirtiera por ende en un mejor conductor. Quizás si en un hombre muy feliz por un momento pero no en mejor conductor.

El talento, la experiencia y los resultados SIEMPRE se sobreponen al equipo con el que cuentes.

Lo arreglamos en la mezcla.  en Mastering se puede arreglar

Por favor nunca caigas en estos mitos. Es una mentira como una catedral. Quién va con estos pensamos No llegarás muy lejos como profesionales. Es cierto que los sofware de grabación DAW te permiten solucionar cientos de problemas. Nos permite un increíble y fácil manejo del audio pero es un error pensar que siempre se puede arreglar después.

Si las pistas desde el principio suenan mal, lo único que podemos hacer es una mezcla mediocre pero pulida. Si por el contrario, las pistas desde el principio están bien grabadas, a la hora de mezclar se conseguirá unos resultados mucho mas profesionales. La suma de pequeños detalles en las distintas etapas de  pre.producción,  grabación, mezcla y mastering dictan el éxito de cualquier proyecto musical. 

Para terminar 

Espero que estos pensamientos y comentarios te ayuden a mejorar las ideas que tenías en tu cabeza. Desde luego que seguramente haya muchos más mitos y opiniones. Estas son las mías y con gusto me ha agradado compartirte hoy.

¡Hasta la próxima! 

 

¿Como empezar una buena mezcla?

En muchos foros de audio, en los últimos años,  leí mucho sobre esta pregunta. ¿Como empezar una buena mezcla? y desde luego no es algo sencillo de responder. ¿ Empezar primero con la batería o mejor con el bajo? ¿Y si empiezo con la voz ya que es el elemento principal?. Desde luego las tres formas creo que serian válidas. En un portal que soy actualmente miembro ¨Puremix¨ he visto como muchos de los mejores ingenieros del mundo han comenzado sus mezclas de diferentes formas. Al final todos conseguían unas mezclas increíbles.  Así que hoy me parece un buen día para que hablemos de distintas formas de ¿Como empezar una buena mezcla?

Fab Dupont

Parte Rítmica

La manera mas usual de empezar una mezcla suele ser a través de los elementos rítmicos. Un ejemplo podría ser, la batería, el beat, percusiones, el bajo incluso para luego empezar añadir los elementos que dan soporte mas melódicos. Estos podrían ser algún solo de guitarra, alguna melodía a piano o la voz.

La ventaja que tendrías en este concepto de mezcla es que el enfoque principal seria el ritmo o el groove como se suele decir de la canción. El groove debe ser solido y consistente. Si no lo fuera ¿Como seria posible que la canción no se viniera abajo?

Quizás la parte mas problemática que podrías tener es que te quedarás sin espacio en la mezcla para introducir la voz o los elementos melódicos. Podría ser muy posible que estos elementos una vez lo añadieras estuvieran enmascarados por los que ya estaban. Trabajar bien con la ecualización el rango de frecuencias de cada elemento es fundamental para que no tengamos estos problemas y cada elemento tenga su propio espacio. No funciona con hacer movimientos drásticos, eso solo consigue que tu mezcla pierda mas que gane.

Forma Pirámide

Este concepto se basa en empezar la mezcla desde los elementos mas importantes dentro de la canción. Para esto es necesario escuchar varias veces la mezcla y analizar que es lo que sostiene la canción. Generalmente uno de los elementos principales es la voz pero para saber a ciencia cierta que elementos a parte de la voz son lo mas importantes es tan fácil como hacer una mezcla rápida solo balanceando las pistas. Ahí te darás cuenta como se sostiene la canción o que elementos son fundamentales para ello.

La virtud que tiene esta forma de mezclar es como los elementos principales jamás se pierden en la mezcla. Todo los elementos secundarios dan solo soporte. Con ello todas tus decisiones de procesamiento serán elegidas mas fácilmente debido que empezaste con la columna vertebral de la canción.

Quizás lo peor de este caso es que el proceso es un poco complicado debido a que no tienes una sensación de soporte rítmico. Tendrías que ir pensando mas en el resultado final y se vuelve confuso saber en que niveles tendrías que estar mezclando. Imagínate, pones un elementos principal muy fuerte y cuando empiezas añadir elementos secundarios empiezan a tener niveles no saludables añadiendo rápidamente distorsión. Que si es lo que buscas, perfecto. ¿ Y si no lo es ?

Michael Brauer

Rango de frecuencias de mas bajas a mas altas

Esta forma de como empezar la mezcla quizás es la menos común aunque a veces suelen dar buenos resultados. Su forma es sencilla, inicias la mezcla desde los elementos con mas peso en bajas frecuencia a altas. En este caso instrumentos como Bombo, synth 808, Bajos, toms, etc sería los primeros elementos en procesar. Después continuaríamos con elementos que son mas notables en las frecuencias medias, como por ejemplo: Guitarras acústicas, eléctricas, pianos, pads, violines, órganos, teclados o voces. Ya por ultimo lugar acabaríamos con con elementos muy agudos como percusiones de alta frecuencias, platillos, rides, campanas, etc

Lo mejor de esta forma es que tomas tus decisiones de forma mas sencilla. Esto es por que tiene mejor definición de en que rango ocupa o debe ocupar cada elementos que añadimos. Para mi lo peor seria que perdería el enfoque emocional de la canción en las diferentes secciones. Esto puede que quite vida a la canción y todo se procese de manera mas técnica. Puede ser que la pruebes y se tu manera perfecta para mezclar pero la mayoría de casos se obtiene una mezcla bien técnicamente pero demasiada lineal.

En resumen 

Te he compartido algunas maneras de como podrías empezar una mezcla pero seguramente no se sean las únicas. Yo suelo usarlas según el tema que pongan en mis manos como puntos de referencia. Quizás 7 de 10 mezclas suelo empezar de la la parte rítmica.  Aunque alguna veces en algunas canciones no rítmica me he preocupado mas de construir la mezcla de forma pirámide.  Lo mejor como siempre, probarlas todas e ir adaptándolas a tu forma de trabajo.

Que tengas un feliz inicio de semana amiga@

¿Como Conseguir Mezclas Modernas?

En los últimos años los ingenieros de mezcla hemos ido adaptándonos al boom del avance de la tecnología. Cada día, los plugins son una herramienta mas poderosa. Aunque bajo mi opinión, no son reemplazables del todo a un equipo analógico de primera. Aún…

Lo que si tengo claro es que las compañías de audio lanzan al mercado algo mas innovador cada día. Estos avances, nos hace la vida mas fácil y nos permiten hacer el trabajo técnico de una forma mucho mas rápida y eficiente. Esto al final se traduce a poder centrarnos mas en la creatividad. Precisamente eso es  lo que realmente hace que un Ingeniero de Audio se convierta en un Ingeniero TOP.

Hoy te comparto varios trucos que he ido aprendiendo de ellos. Seguro que te ayudarán a Conseguir Mezclas Modernas en todos tus trabajos. 

Manny Marroquin

Transparencia y Brillo en los Agudos

En el pasado, la época donde no existía pro tools y ningún software de grabación, solamente se podía grabar a través de cinta Analógica.  Una de las características de grabar en ella era que intensificaba un poco los graves de la mezcla. Otra característica era que restaba una cantidad importante de agudos. Por eso cuando escuchas una mezcla antigua, suena un poco oscura y no muy clara en la parte de frecuencias agudas.

Uno de los problema que tenían en esa época era el ruido de fondo. Era un ruido de piso alto y seguramente has escuchado alguna vez hablar de ello. Por ese motivo muchos ingenieros no le gustaba subir mucho los agudos por los problemas de «Hiss» que podían llegar a tener.

Ahora la cosa es diferente. El margen que tenemos es enorme, sobre todo si estamos trabajando con un DAW a 32 bits a flotante. El margen podríamos decir que es casi infinito. Aunque ¿sabes las ventajas que esto no aporta? ¿Por qué es bueno esto?

Porque las grabaciones ya no sufren del llamado Hiss y podemos trabajar con mas eficacia las frecuencias agudas.

Si te paras a escuchar los Hit del momento, los que suenan en la radio cada día, te podrás dar cuenta de la gran transparencia y claridad que tienen las frecuencias agudas. Las voces, sobre todo, suenan muy claras y tremendamente nítidas. Otros ejemplos podían ser los platillos.  Siempre suelen ser muy brillantes.

¿Quiero decir con todo esto que la mezclas del pasado de hace muchos años son malas?

Nada mas lejos de la realidad. Simplemente en aquel entonces exprimieron los medios que tenían. Había otro estilo de sonido diferente al que tenemos hoy. Por ejemplo, hoy el día por el boom de la música urbana, casi todo los géneros musicales tienen mas graves que nunca. Con lo que es muy frecuente y casi imprescindible que nos encontremos con monitores de subgraves en todos los estudios.

Resumiendo, hoy en día con el avance de la tecnología, estamos haciendo mas y mejor música que nunca pero tenemos un problema. La dificultad de poder encontrarla ante la gran música que tenemos cada viernes.

Antes se grababa 100 discos al año y ahora se graba 100.000 discos al año.

Simplemente, toma esto en cuenta. Si quieres conseguir que tu mezcla suene más actualizada y moderna, tienes que asegurarte de que tenga esos agudos transparentes y brillantes.

Efectos Comunes y No comunes

La gran cantidad de efectos que tenemos disponibles con los plugins son impresionantes para una mezcla moderna. Obviamente usamos de manera habitual efectos comunes como la reverberación, delay, chorus, etc. Esto es prácticamente una necesidad en cada mezcla para conseguir espacio y profundidad a los instrumentos dentro de la mezcla. Pero también existen efectos que son totalmente únicos y que nonos encontraremos en equipos analógicos.

Efectos cómo:,

  •  Crystallizer de SoundToys
  • Little Alter Boy de Soundtoys,
  •  Mondo Mod de Waves,
  •  Stutter de Izotope, etc…

El utilizar este tipo de efectos en conjunto con los efectos comunes pueden conseguir que tu mezcla suene muy moderna y actual.

Truphonic Recording Studio

La Automatización

Los Daw como Pro tools se pueden sincronizar perfectamente con el tempo de nuestra canción. Esto nos hace conseguir una automatización infinita en nuestra mezcla. La automatización de volumen y paneo ahora es tan fácil subir un fader o deslizar un potenciómetro. Antes la automatización era completamente manual. Habían de 3 a 4 personas pendientes de los fader  a tiempo real. Ahora con simplemente dibujarlo en el proyecto podemos hacer desde la automatización más tremenda hasta la automatización más minuciosa.

También, recuerda que ahora todos los parámetros de los plugins son automatizables! Esto es una tremenda posibilidad para conseguir más creatividad. El poder automatizar EQ’s, Efectos, Compresores, secciones de una canción enteras, hace que la mayor dificultad sea la cantidades de posibilidades que tenemos. 

Para Terminar

No te conformes con solamente balancear, ecualizar, comprimir y poner unos efectos por ahí. Despierta tu creatividad. Esa es la verdadera valía de un ingeniero de mezcla. Haz que tu  mezcla se vuelva una experiencia inolvidable para el oyente. Esa y solo esa es la función de nuestro trabajo. Eso te llevará a ser cada día un mejor ingeniero de mezcla.

¡Hasta pronto!

Superar Adversidades En Tus Mezclas

Realmente tenemos que ser sinceros con nosotros mismos. Estoy seguro que más de una vez acabastes con una mezcla que no servía para nada. Te quedaste con la sensación vacía de quizás sería mejor hacer otra cosa y esto no es lo tuyo. Yo lo he sentido también miles de veces. También creo ciegamente que hasta los Ingenieros ¨Top¨ alguna vez también se ha sentido de esa manera en sus comienzos. En este post te quiero compartir varios tips que mejorarán tu forma de mezclar. Aprenderás a como superar esas adversidades que seguro encontrarás en tus mezclas con ello así volviéndote un mejor profesional.

Como volverse un mejor ingeniero de mezcla
SSL AWS 948

 Tomar Descansos Para Tus Oídos

Creo que esto es muy común que lo encontremos en toda conversación o entrevista que leamos de los ingenieros Top. Tenemos que hacer caso de ello, realmente no sabes la de errores que podemos cometer con unos oídos fatigados. Los oídos después de estar mezclando por un buen rato se agotan. No estando al 100% nos hará tomar decisiones equivocadas y será el paso a tener unas mezclas poco definidas. ¿Cuantas veces has estado mezclando 6 horas seguidas creyendo que te estaba saliendo una mezcla increíble y al escucharla al día siguiente no te gustaba nada en absoluto?

Yo suelo cada hora que estoy mezclando tomarme un descanso de 10 a 15 minutos. Es cierto que ha veces incluso se me olvida pero intento hacer un hábito de ello porque solo así  siento que soy mas efectivo. Estar descansado hace que tome mejores decisiones a la hora de afrontar cada elemento en la mezcla y así fácilmente consigo superar los problemas que encuentro en el camino.

Identifica Los Problemas Con Enfoque

Llega a veces un punto en la mezcla que todo movimiento que hagamos sentimos que hace que la mezcle suene peor. Incapaces de superar el nivel de nuestra mezcla. Se llama circulo vicioso de procesamiento. Seguramente el problema no debe estar en toda la mezcla y solo en ciertos elementos. Es por ello que no tienes porque empezar toda la mezcla desde el principio. Aprender a identificar cual los problemas nos hará un mejor ingeniero. Una vez consigamos saber que elementos son los problemáticos volver  a modificarlo con enfoque y criterio.

Tu mezcla cambiará por completo. Una de las cosas que suelo hacer yo es ir guardando versiones cada vez que trabajo un grupo de elementos determinado. Por ejemplo en una misma mezcla puedo tener: – DRUMS V1, DRUMS Y PERC V2, GUITAR V3, VOCAL OK V4. Trabajar hoy con Daw como pro tools nos hace la vida muy fácil hoy en día para estas cosas.

Como volverse un mejor ingeniero de mezcla
Michael Brauer

Enfócate En Lo Que Funciona

Como decía antes una vez que has identificado los problemas en la mezcla y los corregiste con acierto, ahora es importante enfocarte en los elementos de la mezcla que si funcionan. Siempre me refiero con esto a los elementos que llevan el peso de la canción. La columna vertebral que sostiene esa canción. Lógicamente no podría ponerte ejemplos porque todo depende del genero en el que estés trabajando. Para hacer una idea con un género por ejemplo Pop podría ser: El Bombo, Caja, Bajo y sobre todo la Voz.  Ya sabes que este ultimo elemento es 9 de cada 10 veces el elemento principal de la canción y en el que debemos trabajar con mas precisión para obtener el mejor de los resultados.

Posiblemente a lo largo de este año compartiré trucos y incluso algún video en Facebook donde podréis ver de que forma suelo trabajarlo yo. Nunca diré que es la mejor forma aunque si es la que a mi me funciona.

Usa Referencias Externas

Quizás este truco pueda ser el que mas te va a servir a lo largo de tu carrera. Además es el mas sencillo de todos. Uno de los tips mas importantes que vas a encontrar es que tienes que conocer perfectamente tu lugar de trabajo. Tienes que saber como suena tu sala. Escuchar mucha música en tus monitores de estudio es algo fundamental para aprender a entender como deben sonar las canciones que estés mezclando a través de ellos.

Aunque también algo que es muy efectivo es que en tu proyecto insertes una pista de una canción en concordancia con el estilo que estés mezclando. La escuches de vez en cuando para cambiar la perspectiva de tus oídos. Esto te ayudará a superar una de las grandes adversidades cuando estamos mezclando que es perder el enfoque. También te ayudará a saber si tus balances son mas o menos adecuados tanto en volumen como en panorama.

Pide también opiniones externas, escucha la mezcla con alguien más. Nuestra forma de escuchar las mezclas son distintas cuando estamos solos a cuando las escuchamos con alguien.

Para terminar

Todos estos consejos al final son solo eso, consejos. Seguro que ayudaran a superar muchas adversidades que encontraras en tus mezclas. Sé que si lo tomas por hábito te van a dar muchas alegrías en el futuro. A mi desde luego y sinceramente me han ayudado mucho a ir mejorando mis resultados. Por eso ponlos a prueba y valora si tu forma de mezclar a mejorado.

Si tiene alguna consejo que te gustaría aportar siéntete libre de poder hacerlo ya que estaría ademas encantado de que lo pudieras compartir.

Claridad en tus mezclas ¿Como hago?

Quizás uno de los propósitos que todo ingeniero de audio desea lograr, es tener claridad y punch en sus mezclas. El problema está en que no basta con ser un propósito. ¡Tenemos que conseguirlo! Somos conscientes que cuando comenzamos a dar nuestros primeros pasos, esto es una tarea tremendamente difícil. Muchas veces puede ser que  en la sesión de grabación no se hizo del todo un gran trabajo. Al estar estas pistas tan mal grabadas, se vuelve un problema aún mayor para nosotros.

Recuerda siempre esto. Si queremos hacer una buena cena gourmet pero lo ingredientes no son adecuados o están en mal estado, nunca podremos hacerlo. Suponiendo que estás dando tus primeros pasos y obtengas sesiones no muy bien grabadas, aquí te comparto unas recomendaciones. Estos tips estoy seguro que te ayudará a obtener Claridad En Tus Mezclas.

claridad en tus mezclas
Pro tools

Depende De La Canción

Lógicamente siempre digo que cada canción es diferente y es por eso cada mezcla es diferente. Cada genero musical, necesita su tipo de carácter sonoro. Es algo que debemos tener siempre presente al afrontar una mezcla. Algunas canciones por su género estarían destinas a sonar  de forma mas natural. Un ejemplo sería el Jazz o la música clásica. Mientras, otros estilos necesitan mezclas y sonidos mas agresivas como el Rock o algunas canciones de Pop-Rock.

Ten en cuenta que no es lo mismo mezclar a Louis Armstrong que a Nirvana.  ¿Como harías para que los dos suenen claros dado que son totalmente  son texturas sónicas diferentes?

Arreglo y Selección De Sonido

Como Ingenieros tenemos que tomar siempre decisiones. También a veces tenemos que crear sonidos que no existían antes. Pero jamás nada remplazará con más calidad, una producción cuidada. Creada a través de buena selección de sonidos y arreglos en la etapa de la Pre.producción.

Si el productor o músico hace una buena pre-producción,  asegurándose que los instrumentos no se peleen entre sí o con el vocalista, entonces hará que todo sea mucho más fácil para toda las etapas de producción.  ¡Para tener claridad en una mezcla no podemos olvidarnos de una  pre-producción bien pensada! Los instrumentos deben vivir en buena armonía en todo el espacio del espectro de frecuencias. Un balance adecuado es la clave para dar el primer paso para conseguir un buen resultado.

El Balance De La Mezcla

El balance de una mezcla es la clave del éxito en una gran mezcla. Muchas veces, (me incluyo) no le damos la importancia necesaria y créeme que eso es un tremendo error. También lo es pensar que el balance es solo mover fader y perillas de panorama. Cada pequeña decisión que tomemos de procesamiento en nuestra mezcla alterará dicho balance.

Si logras un buen balance desde el principio y luego vas haciendo pequeños ajustes conforme vas avanzando, ten por seguro que estarás muy cerca de obtener esa claridad que estás buscando. Nunca pensemos en una mezcla estática. Siempre se mezcla dos pasos adelante, uno hacía atrás en círculos. 

claridad en tus mezclas
OXFORD

Quitar el Exceso De Sonido

Lo mas normal cuando recibes sesiones multitrack, es que las pistas te lleguen sin ser editadas. Por ejemplo, cuando el cantante no está cantando, todo esa pista contiene un sonido extra de baja frecuencia de instrumentos. Incluso a veces de clicks que se han colado en la toma por no haber seleccionado unos auriculares adecuados. Elimínalo. 

Siempre toma como regla, filtrar todo el sonido innecesario que puedas. Al final todo suma y puede ser unas de las razones por la que tu mezcla no suene todo lo clara que debería.

Otro problema común son los problema de fase que puedan haberse creado en la grabación. Ten siempre en cuenta que que los problemas de fase hacen que tu sonido suene delgado y pequeño. Especialmente cuando hacemos grabación de baterías. ¡Cuidado!  Siempre controlar la fase cambiando la polaridad donde necesites para tener claridad y punch en tus mezclas.

Filtros de Paso Alto y Paso Bajo

Este es el truco que mas importancia para mi tiene al hacer una mezcla. Solamente tienes que ser precavido porque es muy fácil caer en la trampa de utilizarlos de mas.

El uso seria sencillo. Tomas un filtro de paso alto y cortas las frecuencias bajas del sonido que no necesitas que estén ahí. Por el otro lado del espectro al revés. Puedes utilizar un filtro de paso bajo para cortar  las frecuencias altas de un sonido que no lo necesitas tampoco o quizás suenan demasiado. Un ejemplo, sonidos estridentes extremadamente agudos de algunas librerías de sonido típicas de strings.

Si el arreglo y la selección de sonido están bien hechos, realmente no necesitas utilizar muchos filtros. Aunque siempre te va a servir para limpiar tus pistas y obtener mezclas más claras.

Los filtros son también tremendamente necesarios, cuando toda la sesión se ha grabado en vivo. Puede que haya mucho ruido de bajas frecuencias en instrumentos que no son necesarias. Poner un filtro de paso alto a todas las pistas en este caso sería una buena idea. No siempre en Bombo y Bajo dependiendo que busquemos en ellos. Utiliza tus oídos y confía en ellos.

Ecualización Sustractiva

La ecualización sustractiva la utilizo bastante en mis mezclas. Al igual que el escultor pule la piedra para crear una bella escultura. Como siempre todo depende la canción y de como de buenos son los sonidos con los que estoy trabajando. ¿Donde usar y para que la EQ sustractiva?

  • Quitar resonancias Esto se nota mucho cuando una sesión fue grabada en vivo. Suena como si una frecuencia molesta estuviera sonando detrás de lo que realmente nos interesa.
  • Limpiar suciedad A veces esto puedo ser confundido con resonancia, pero no lo es. Yo lo escucho como una acumulación de frecuencias en un rango de frecuencias específico que le quita claridad al elemento. Para vocales puede ser entre 200-400 Hz y a veces frecuencias nasales entre 600-750 hz . Estas frecuencias pueden hacer que la voz suene nublada y sin claridad.
  • Hacer Espacio A veces necesitas utilizar EQ sustantiva para quitar frecuencias de un instrumento para que otro instrumento de la mezcla tenga algo espacio para ser escuchado.
SSL 9000j – PKO STUDIO

 

Ecualización Aditiva

Otra forma muy común de utilizar la ecualización es de forma aditiva. Consiste en tomar una banda de una frecuencia particular y aumentarla sumando más de esas frecuencias. Esto no solamente es usado para claridad, pero también para agregar energía a un sonido y cortar a través de la mezcla.

Con la Ecualización aditiva siempre tardamos un poco mas de tiempo en aprender a hacerlo de forma correcta. Es un aprendizaje diario porque cada ecualizador además suena diferente. Es por eso que es muy bueno poder probarlos todos los que estén a tu alcance. 

Un aumento de 3dB en la frecuencia de un EQ de un determinado tipo, sonará muy diferente a otro EQ. Esa la belleza de los Eq y de sus timbres. Por ejemplo, Instrumentos como pianos y guitarras a veces con un pequeño aumento entre el rango de 1-5KHz, puede hacer que corte claramente un una mezcla de mucha densidad.

También se usa constantemente EQ en el Mix Bus siempre de manera muy ligera. Sobre todo cuando la mezcla está terminada o mientras está apunto de terminar. Yo en muchas ocasiones también he empezado la mezcla trabajando desde el principio con un Eq insertado en el Mix bus. Siempre busco filtrar todo lo por debajo de 20 a 25 hz y dar algo de aire sobre la zona de los 18 khz. 

Un plugins fantástico que te recomiendo es el  FabFilter Pro Q3. Es un Eq muy trasparente que desde luego se ha convertido en uno de mis favoritos.  Como todo cuidado siempre. La EQ aditiva puede ser abusada y no siempre es necesaria en cada instrumento.

Procesar Tus Retornos De Efectos

Haz insertado tu reverb favorito o delay en tu Aux pero parece que está ensuciando tu mezcla en vez de hacerla más musical. Este es un buen momento para pensar en procesar tus retornos de efectos con ecualización o incluso compresión.

Un poco de compresión puede ser clave para asegurarte el delay o la reverb se mantenga “en línea” siendo más consistente y fácil de posicionar en la mezcla.

Si estás trabajando en una mezcla de mucha densidad, ecualizar tu retorno de reverb puede ser muy útil si tu reverb también es poco opaca. Aplicar filtros de paso alto o quitar un poco de las frecuencias bajas puede ayudar a hacer la reverb más delgada posicionándola de mejor manera en el contexto de toda la mezcla. 

Las posibilidades son ilimitadas. Solo utiliza tu imaginación e intenta nuevas maneras creativas para procesar tus efectos. 

Distorsión o Saturación

Muchas veces cuando escuchamos la palabra “Distorsión” pensamos en sucio y entonces nos preguntamos ¿Cómo puede esto ayudarme en una mezcla para que suene clara?

Tenemos que saber que cuando utilizamos distorsión, lo hacemos en pequeñas cantidades.  Agregamos algo al sonido que no existía antes alterando su timbre.

La Saturación o Distorsión son un excelente inicio para empezar a separar por ejemplo el bombo del bajo.

La zona del espectro de frecuencias medias, es donde nuestros oídos son más sensibles a la escucha. Entonces, si un sonido puede estar más enfocado en el rango de medias frecuencias, nuestros oídos serán capaces de escucharlo aún mejor dentro de la mezcla. Es la maravilla de la saturación en las señales.

Traer hacia adelante los medios no es la única cosa que la distorsión o saturación hace. También agregará un poco de compresión (nivelará los picos). También nos puede ayudar a que algo suene más lleno o con mas densidad.

Reemplazo con SampleS DE Bombo y Caja

Podemos hacer lo mejor posible para utilizar lo sonidos que nos han dado. Aunque en ocasiones no podemos hacer un milagro sonoro con una pista mal grabada. En este punto tenemos que trabajar con remplazo de sonidos con ayuda de samples.

Quizá necesitamos un bombo grande que empuje la batería o una caja con mas pegada. Muchas veces es mejor esta decisión, que aumentar demasiado las frecuencias bajas de un bombo malo.

Otra razón por la que se mezcla con samples, es porque el bombo y la caja no están funcionando de manera correcta en frecuencias medias. Quizá te dieron un bombo que son puras frecuencias muy bajas y jamás vas a lograr obtener un snap propio en medias.

Es muy importante asegurarte de que el bombo que utilizas del sampler esté dentro de la vibra de la canción.

También hay veces que remplazar samples es la única opción porque el sonido original no funciona con el arreglo o porque el sonido original no es de la mejor calidad. Tener un mejor sonido puede marcar la diferencia para que suene una mezcla mucho mas clara.

Para terminar

Una de las partes que tienes que sumar a los conceptos para obtener claridad en tus mezclas, es el apartado emocional. Realmente nos centramos mucho en el aspecto técnico pero no podemos olvidar que la clave de la música está en el aspecto emocional. 

Después de que tomes estos tips, estoy seguro que conseguirás una mejor claridad en tus mezclas. Son trucos sencillos que yo tomé como un hábito en mis mezclas.

¡Haz tu lo mismo y me cuentas que tal te fueron! 

 
Inspirado en un texto de Justin Smith

Cierra los Ojos y Abre tus Oidos en tus Mezclas

Cierra una semana donde he estado haciendo sobre todo mucha mezcla. El otro día tomándome un pequeño descanso para los oídos, reflexionaba que hoy en día el poder grabar en un DAW nos ha permitido un sin fin de ventajas. Con ello hemos logrado maravillas con la música. Rara vez alguien se ha quejado a no ser que haya mencionado la típica discusión del tópico que si lo analógico suena mejor que lo digital. Sinceramente pienso que las dos tienes sus post y sus contras. También pienso que son dos filosofías distintas donde pueden llegar a un mismo punto.

Uno de los problemas reales de poder trabar con nuestro MAC/PC haciendo música es la pantalla que normalmente tenemos enfrente nuestra. Tendemos a mezclar con nuestros ojos y no con nuestros oídos. Podemos ver si la mezcla parece buena viendo su curva pero dejamos de escuchar lo que realmente está pasando. Por desgracia es muy común que nuestro cerebro muchas veces se deje dominar por lo visual en vez de por lo auditivo.

Es por eso que hoy nos paramos en este post que he nombrado Cierra los Ojos y Abre Tus Oídos.

mezclar con los ojos cerrados
Mixer

Todo se ve bien en la pantalla

Realmente mi experiencia en la industria musical apenas unos cuantos años. Lo que si es que desde el minuto 0 he estado expuesto a trabajar en un ordenador ya sea con Pro tools, Logic, Cubase etc. Aun en estudios grandes donde tuve la ocasión de poder visitar, también veía como aun teniendo mesas de mezcla analógicas de alta gama también tenian una pantalla de ordenador. Ha veces a un lado de la mesa y a veces entre los monitores del estudio.

El problema viene cuando nos preguntamos ¿que tenemos que “ver” o “buscar” en una mezcla?

  • Nuestros niveles están picando en el rojo? medianamente cerca del rojo?
  • Como es la compresión? Parece que es  poca? Quizás demasiada y está matando la dinámica?
  • Como son las ondas de audio en la ventana de edición?
  • Están alineados nuestros instrumentos exactamente con el tiempo?
  • Nuestra curva de ecualización parece poca pronunciada? O es demasiado?

El problema aquí es que nos dejamos guiar por lo visual claramente. En realidad esto no te ayuda. Solamente hace que tu subconsciente te traicione y te haga escuchar cosas que tal vez no están ahí. Te propongo una solución! Mezcla con los ojos cerrados!

¿Como lo hago?

Seguramente te estarás preguntando ¿Como voy a hacer una mezclar con los ojos cerrados si para usar mi DAW necesito estar viendo la pantalla?

La respuesta es sencilla. Cuando nuestro cerebro se centra más en un sentido ( como el visual ) los otros sentidos no los usamos a nuestro máximo potencial. Te pongo un ejemplo bastante sencillo donde entenderás el concepto.

Imagínate a una persona que nació ciega. Realmente ese sentido no lo tiene desarrollado. Por lo tanto su sentido auditivo esta muchísimo más desarrollado que el de  una persona que tiene ambos sentidos disponibles. ¿Esto por que es? Es porque el cerebro tiene que hacer funcionar a los dos no centrándose en un solo sentido.

Entonces, si cerramos los ojos es como si por un momento nos volviéramos ciegos y concentráramos todo nuestro potencial en el sentido auditivo. Esa es la técnica.

Obviamente necesitamos ver la pantalla para hacer que las cosas funcionen dentro de nuestro DAW pero creo que la mezcla tiene muchos momentos donde nos tenemos que parar a a escuchar. ese preciso momento es el idóneo para cerrar los ojos y centrar toda la atención en nuestros oídos.

  1. Empieza a subir los faders y escucha. Que escuchas?
  2. Empieza a ajustar los volúmenes y los  paneo. Cierra ahora los ojos y escucha con atención. ¿Hacia donde va la mezcla?
  3. Cuando hagas ajustes en la compresión o ecualización cierra los ojos y escucha. ¿El sonido es lo que buscabas?  ¿necesitas hacer más ajustes?

 

mezclar con los ojos cerrados
Mixer

Para terminar

La meta es intentar escuchar como el publico lo escucharía, sin ninguna clave visual. Consigue lograr que tu mezcla suene con los ojos cerrados. Lo mejor de todo esto es que tu mezcla estará en la realidad. La siguiente vez que te sientes a mezclar o cierra tus ojos o apaga la pantalla mientras escuchar las mezcla. Realmente trata de enfocar tu mente escuchando las pistas con atención. Ahora decide que necesita para que la mezcla suene bien. Seguramente te verás sorprendido por la cantidad de cosas que ha escuchado que antes eras incapaz teniendo toda tu atención en la pantalla.

Para el próximo día que vengan mis clientes a escuchar sus mezclas al estudio, apagaré la pantalla del Mac y quitaré las luces. Estoy seguro que su experiencia será mucho mejor.

Feliz fin de semana =)

Obtener Buenas Mezclas en Menos Tiempo

Unos de los problemas más característicos de los aspirantes a Ingenieros de Mezcla es la gran ausencia del enfoque. Rápidamente ajustamos el compresor, la eq, la reverb, el delay, automatización, etc sin entender muchas veces el porque estamos ajustando estos parámetros. Tal vez puede ser que nos salga una buena mezcla o quizás (lo mas posible) es que no sea tan buena. Hoy nos paramos en algunos tips que nos harán obtener buenas mezclas en menos tiempo.

obtener buenas mezclas en menos tiempo
SSL Duality

Es increíble como el poder de enfoque puede cambiar la rapidez en la que hacemos las cosas. Incluso me atrevería a decir que pasa en la vida real. En mi humilde opinión pienso que la diferencia entre un amateur y un profesional es que el primero entrega buenos resultados en poco tiempo. En cambio el amateur puede tardar mucho mas tiempo además que posiblemente el resultado no sea tan bueno como el primero.

Existe una técnica simple que nos puede ayudar a aprender a enfocarnos y no perder la concentración. Un simple temporizador en tiempo regresivo. Esto créeme que te ayudará a obtener mejores resultados.

La Ley de Parkinson

La Ley de Parkinson dice que “El trabajo se expande hasta llenar todo el  tiempo disponible para que se termine.”

Esta regla te aseguro que es totalmente verdad. Piensa, ¿Cuantas veces nos han pedido algún tipo de trabajo con plazo de un 1 mes? En todo ese mes, en la mayoría de casos no hemos echo nada hasta los últimos días.  En cambio, ¿Cuantas veces nos han pedido un trabajo para el día siguiente y hemos sido capaces de terminarlo en ese mismo día?  

¿SORPRENDENTE VERDAD ?

obtener ley de parkinson

Aquí es donde aplica la Ley de Parkinson. Lo que cambia dio apertura a que tuviéramos mucho mas enfoque a lo que estábamos haciendo sin perder el tiempo.

Cuando trabajamos con la presión del reloj entra en acción este momento!  El momento en que sabes que ese tiempo se esta agotando y sabemos que tenemos que terminar como sea el trabajo que nos han pedido para su posterior entrega. Además ten en cuenta que  no hay nada mas profesional que entregar siempre los trabajos dentro de los plazos de entrega estimado cuando nos contrataron.

Mezclando a gran escala

En el momento en que tomamos la decisión de ponernos un tiempo para hacer una mezcla, trabajamos mas eficientemente. En lo que a mezclar se refiere, quizás ya no tardaremos media hora ajustando el balance de los canales. Tenemos que tener en cuenta que posiblemente después de usar la ecualización y compresión vamos a ajustar nuevamente los balances.

De repente todo esto carece de importancia y empezamos a pensar más y trabajar mas rápido. Empezamos a ver la imagen a gran escala en vez de entretenernos tanto en los pequeños detalles. Una frase que me encanta de mi tutor Hector Jon es: nos enfocamos más en el bosque y no tanto en los arboles uno por uno. Esto siempre nos ayudará a obtener buenas mezclas.

Obviamente los pequeños detalles siempre cuentan y tenemos que considerarlos. Al final  los pequeños detalles están ahí para marcar la diferencia entre una mezcla buena y una mezcla que suene increíblemente bien. Es muy fácil perder perspectiva si nos quedamos mucho tiempo ajustando los pequeños detalles. Siempre tenerlo en cuenta para obtener mejores resultados.

obtener

Mezclando con Propósito

La intención de mezclar con la presión del tiempo es mezclar con un propósito en mente. Mezclamos con mayor enfoque, visión, y perspectiva de que es lo que queremos lograr en nuestro resultado final.

Tal vez una buena estrategia para empezar es poner nuestro temporizador en cuenta de 3 horas. Después de que termines esas 3 horas analiza como llevas la mezcla. Tomate un descanso de 10 minutos en cada hora de trabajo que hagas. Esto ayudará a la herramienta mas importante que son tu oídos. Te aseguro que te sorprenderás de lo que puedes lograr con el simple hecho de trabajar concentrado y con enfoque.

Inténtalo y verás que con estos trucos será mas fácil obtener grandes resultados. 

Feliz fin de semana amig@

Funciones de la Reverb y el Delay

Hoy empieza a terminar el verano y volvemos un poco más a la rutina diaria. Por eso tengo ganas de adentrarme un poco en las funciones de algunas herramientas que usamos habitualmente en estudio. Es muy normal cuando hemos ajustado una mezcla (tanto los eq como las dinámicas) que todavía no escuchemos ese sonido profesional que tanto deseamos. En este punto podemos empezar a añadir efectos para crear espacios y profundidad que mejorarán el resultado final.  Por eso hoy nos paramos en las funciones de la Reverb y el Delay.

reverb 480 lexicon
Lexicon 480L

LA REVERB 

Tanto los plug-ins como los equipos hardware de reverb  tratar de emular básicamente el efecto de un número casi infinito de ondas de sonido rebotando dentro un espacio físico. Las primeras ondas de sonido reflejadas se llaman Reflexiones Tempranas o Early Reflections.

El tiempo que tardan estas reflexiones en llegar a nuestros oídos nos hacen saber el tamaño del lugar. El sonido reflejado empieza a rebotar en las paredes continuamente creando una ilusión de un sonido continuo. A esto se le llama el Reverb Tail. Estas serian reflexiones secundarias. El tiempo que toma  que estas reflexiones secundarias dejen de escucharse se le denomina Reverb Time. Generalmente este tiempo se ve expresado desde mili-segundos hasta segundos.

Estos son los parámetros más comunes que podrás encontrar en casi todos los plug-ins de Reverb e incluso en equipos clásicos analógicos.

Algunos plug-ins mas de alta gama ofrecen una amplia variedad de parámetros añadidos como por ejemplo:

  • Pre-delays                                                                                                                                                                                                                                                                                                                  El Pre-Delay es básicamente un delay entre el sonido directo y el comienzo de las reflexiones tempranas. Este parámetro lo podemos comparar con el tiempo de ataque en un compresor. Básicamente es el tiempo que  tarda la Reverb en actuar con la señal directa antes de que las reflexiones tempranas sean escuchadas. Era muy común en equipos antiguos analógico de reverb que se pusiera una caja de delay antes de entrar en la reverb consiguiendo este efecto. Hoy en día como decía casi todos los plugins ya tiene esta función en sus controles.
  •  Eq de frecuencias altas/bajas. Este parámetro te permite un control de las frecuencias mas agudas y mas graves de la reverb. La agudas por lo general se desvanezcan mas rápido que las demás frecuencias. Con esto parámetros permite que podamos emular el sonido del material de la sala. Es decir, una sala de madera o azulejo sonará mas brillante que una sala absorbente cubierto de lana de roca y tela.
  • Densidad La densidad determina como estarán de juntas las reflexiones del sonido. Una buen truco para empezar podría ser : Menores densidades suenan mejor en Vocales y Instrumentos como Cuerdas, Synths, etc. Mayores densidades suenan mejor en instrumentos más percusivos.
  • Difusión La difusión está directamente relacionada con la densidad. Determina el tiempo en el cual las reflexiones aumentan la densidad después del sonido original. La difusión es afectada  por las superficies en vez de por el tamaño de la sala.

reverb delay lexicon pcm 42
Lexicon PCM 42

EL DELAY

El Delay es un efecto de repetición de una misma señal de audio que se retrasa ya sea mili-segundos, o segundos. En el Delay generalmente vamos a encontrar diferentes parámetros de los cuales el usuario puede ajustar dependiendo de su preferencia. Generalmente estos son: Mix, Tiempo, Feedback

  1. El Mix DRY/ WET El Mix es la cantidad de señal de Delay queremos que llegue a nuestra señal original. En caso de que crees tu el delay en un track Auxiliar, te recomendaría poner siempre el mix del Delay al 100%. Usando el delay de esta forma no seria necesario usar la perilla de dry/wet. Está mas pensando para cuando por ejemplo quieres usar un delay determinado  en una pista haciendo directamente un inserto.
  2. El Tiempo El Tiempo es uno de los parámetros mas importantes del Delay. La mayoría de los plug-ins te dejan ajustar el tiempo para que esté en Sync con el tempo de la canción. Es decir el plug-in automáticamente sabrá dependiendo de tu tempo cual es el valor de un 1/4 note, 1/8 note etc. El experimentar con estos valores es muy importante ya que dependiendo de la canción y el feel que se le quiera dar, va a ser el tiempo adecuado de Delay.

     ¨Un buen truco podría ser, si tenemos nuestro Delay en Stereo, ponemos por ejemplo el Delay del Left y Right en 1/4 note y después ponemos algunos mili-segundos el Delay de la izquierda o derecha, esto nos hará percibir que el Delay sea mas amplio y grande.¨

  3. El Feebback El feedback simplemente es queremos que se retroalimente la señal y se repita. Cuanto mas grande sea el valor de Feedback mas repeticiones de la señal habrá y vice-versa. Generalmente se utiliza mas Feedback cuando queremos que la mezcla se llene un poco mas, por ejemplo en los coros. También es muy utilizado como efecto creativo para que una palabra se quede repitiendo varias veces.

EN RESUMEN

Con estos dos efectos podemos darle a nuestras mezclas una sensación de espacio y profundidad. Efectos creativos que harán que nuestras mezclas suenen mucho mas PRO. Puedo decir que son de los efectos mas usados como decía al principio. Quizás si estás comenzando en este mundo, lo mas recomendable sea que practiques con plugins antes de lanzarte a por un equipo hadware. Quizás pueda ser mas fácil de usar para ti.

Es cierto que el nivel de efectos en los plugins a aumentando muchísimo en los últimos años. Aun así pienso que le falta algo para poder alcanzar ese nivel que nos ofrece los equipos de alta gama. Por eso digo que lo mas recomendable es que empieces a experimentar con plugins.

Que tengas un feliz dia =)