Mitos de Mezcla ¿Lo desenmascaramos?

He sido un apasionado del audio desde hace muchos años, eso me ha echo que siempre estar pendiente de muchos foros de audio desde siempre. Hoy tenemos la gran fortuna de tener internet y con ello una cantidad basta de información nuestro alcance. El problema viene cuando a veces, sobre un tema en concreto, según el portal, puedes encontrar contradicciones.  ¿Como voy a saber cual es la información correcta entonces? ¿Cómo voy a saber lo que son o no son Mitos de Mezcla?

La experiencia, al final es la que se encarga de filtrar.  De mostrarte lo que es realmente válido o lo que simplemente son solos mitos de mezcla. Hoy te comparto algunas de mis  experiencias que he tenido ¿Los desenmascaramos?

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¿Necesitamos monitores grandes para mezclar bajas frecuencias?

Cuanto mas grande sea el tamaño del woofer de un monitor, por lo general podrá reproducir mas bajas frecuencias. Yo te puedo decir que con monitores de 6.5 pulgadas pueden ser más que suficientes para un entorno de mediano a pequeño formato.

Todo esto tiene que ver mucho más con el espacio de tu sala. Esa es la clave para mí. Encontrar el punto medio entre sala y tamaño de monitor.  A veces pensamos, que debemos comprar los monitores mas grandes que estén al alcance. Esto no sería correcto si no nos pararnos a pensar si nuestra sala está preparada para la reproducción fiel de esas frecuencias bajas.

Si no tenemos un estudio tratado acústicamente, siempre es mejor tener unos monitores de campo cercano que sean mas pequeños. Con uno de 5 pulgadas en la mayoría de casos son  suficientes. También una cosa que debes valorar, es el tipo de género musical en el que trabajas normalmente. No será lo mismo géneros donde exista un BEAT con bastante bajas frecuencias o sonidos de tipo 808. ¿Quizás solo haces música orquestal?  

Estoy seguro que esto te ha echo pensar. No siempre los mejores monitores son los mas grandes. Siempre debes buscar un equilibrio entre tu sala y el tamaño de tu monitores.  

¿Debo Comprimir todas las pistas de tu mezcla?

La respuesta es un tremendo NO en mayúsculas.  La compresión es una herramienta que solo debe usarse en pistas que lo requieran. No podemos pensar que tenemos que usarlo por que es lo que siempre se hace. Estás cometiendo un grave error si piensas así.  Evalúa antes siempre si la pista lo necesita si o no. Depende del arreglo, depende de como se reproduzca en la mezcla que estás construyendo. La compresión es una herramienta imprescindible en la música de hoy pero se debe usar con mucha conocimiento. 

He visto a Mixer TOP hacer mezclas en las que de 70 pistas que tenía su proyecto,  ha usado la compresión solamente en 10 pistas. A veces, he visto también como el compresor no lo usaban para comprimir, solamente para dar color. Esto es una técnica muy común de uno de los mejores mixer del momento MICHAEL BRAUER

Los compresores los uso como cajas de tono, no como compresores en sí 

 

Mackie D8B
¿Necesito que evalúen mi trabajo en mi desarrollo?

Todos necesitamos ser evaluados por nuestro trabajo. Es más, si te fijas, el público que escucha nuestra música diariamente lo está haciendo. Tenemos que tener la mente abierta y nuestro corazón tranquilo para poder aceptar críticas por ello. Si nos cerramos a ello, por tal de que pisoteen nuestro ego,  estaremos equivocados.

He aprendido mas de las mezclas que fueron rechazadas que las que fueron grandes éxitos en mi carrera. Manny Marroquin 

 

La crítica constructiva siempre nos hará mejores profesional. Es muy raro encontrarnos una situación en que hagamos una mezcla, la enviemos al artista y no tengamos absolutamente nada que revisar. Si esto te sucede, sospecha. Siempre habrá algún comentario que hacerle porque no podemos entrar al 100% en el corazón y la cabeza de un artista a la primera. Siempre habrá un comentario sobre ello. 

Siempre debes estar abierto a recibir críticas constructivas, ten en cuenta que es la única forma realmente de avanzar. 

Los Home-studios no son aptos para hacer trabajos profesionales 

Este es uno de los mitos de mezclas que mas he escuchado hablar. Mi opinión es que los home-studios siempre presentarán retos y dificultades mayores. Una de las razones mas obvias es la acústica. No es lo mismo que hacer un estudio desde 0. Pero estas dificultades que hablo no es una excusa para no conseguir buenas tomas de grabaciones o conseguir una buena mezcla. Al fin al cabo han salido muchos discos de éxito que se hicieron con el menor número de recursos que te puedes imaginar. 

Es cierto que en la ingeniería y en la música, los detalles marcan la diferencia. Pero esto al final no es excusa. No es el equipo analógico o digital que tengas. Es la calidad y preparación del equipo humano lo más importante.

Mixer
Las buenas mezclas requieren mucho tiempo

Cuando empezamos en esto nos suele ocurrir bastante. Siempre todo depende de la magnitud de la sesión en la que estés en ese momento. Hace unos años tardaba en mezclar una canción como  3 o 4 días. Ahora quizás pueda irme a 6 a 7 horas en un mismo día. Aunque siempre, si lo necesitas,  se debería dejar un día o dos para revisar tu mezcla. Con los oídos descansados y enfoque de un nuevo día renovado. 

Mezclar rápido con conocimiento me está haciendo perder menos el enfoque de lo que busco y con ello consigo mejores resultados. CLA

¿COMENZAR MezclaNDO en mono?

Hoy en día nadie escucha una mezcla en mono. Puede ser que se dé alguna situación pero por lo general no ocurre. Una técnica que yo uso para ecualizar ciertos elementos, es precisamente escucharlas la mezcla en mono. Solo por un momento, como sería solear una pista. Esto hace que cuando vuelva la mezcla a estéreo tuviera mucho mas espacio. Trabajar en mono por momentos me hace esforzarme más obteniendo mejores resultados. 

Rack Estudio La Joya
¿equipo analógico o plugins?

Este es otro de los mitos de mezcla mas hablado en foros de audio. Es un error pensar que si equipos analógico o plugins.  Nos convertimos en mejores ingenieros de mezcla gracias a los resultados que obtenemos. ¿Que más da que herramientas he usado para lograr ese resultado?

En mi caso, a mi, si me pusieran en mis manos un coche de formula 1 no haría que me convirtiera por ende en un mejor conductor. Quizás si en un hombre muy feliz por un momento pero no en mejor conductor.

El talento, la experiencia y los resultados SIEMPRE se sobreponen al equipo con el que cuentes.

Lo arreglamos en la mezcla.  en Mastering se puede arreglar

Por favor nunca caigas en estos mitos. Es una mentira como una catedral. Quién va con estos pensamos No llegarás muy lejos como profesionales. Es cierto que los sofware de grabación DAW te permiten solucionar cientos de problemas. Nos permite un increíble y fácil manejo del audio pero es un error pensar que siempre se puede arreglar después.

Si las pistas desde el principio suenan mal, lo único que podemos hacer es una mezcla mediocre pero pulida. Si por el contrario, las pistas desde el principio están bien grabadas, a la hora de mezclar se conseguirá unos resultados mucho mas profesionales. La suma de pequeños detalles en las distintas etapas de  pre.producción,  grabación, mezcla y mastering dictan el éxito de cualquier proyecto musical. 

Para terminar 

Espero que estos pensamientos y comentarios te ayuden a mejorar las ideas que tenías en tu cabeza. Desde luego que seguramente haya muchos más mitos y opiniones. Estas son las mías y con gusto me ha agradado compartirte hoy.

¡Hasta la próxima! 

 

Problemas más Comunes en una Producción Amateur

En la actualidad es muy normal encontrarnos muchos Home-studios con algunos problemas comunes en lo que se pueden hacer ¨ buenas grabaciones ¨. El resultado  no será totalmente profesional pero haciendo las cosas bien, quizás podría servir. El problema que yo veo es que la facilidad de poder subir cosas al alcance de un solo click a Internet ha desencadenado una total falta de compromiso con las producciones musicales. La necesidad que tenemos de alimentar nuestro ¨EGO¨ con like y Me gustas hacen que queramos compartir rápidamente con el mundo mucho contenido.  Descuidando con ellos muchos de los Problemas más comunes en una producción musical. 

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Falta de Organización y Estrategia

Quizás sea de los mayores problemas en los home-studios a la hora de afrontar una producción musical de garantías. Antiguamente los músicos tenían que practicar horas y horas para la hora de ir al estudio de grabación. Las horas de las grabaciones eran muy caras  y es por eso que para evitar una factura muy abultada a las horas, tenían que aprovechar bien el tiempo. Ahora ya eso muchas veces no es problema tan grande si el músico posee un home-studio. Lo que ocurre es que esto no ha encaminado a veces a tener una falta de organización mayor cosa que por ende al final consigamos una producción de no muy buena calidad y con problemas.

Es algo clave que desde el principio planteemos una buena estrategia. Saber perfectamente en que orden se va a hacer las cosa y llevar a cabo una buena organización de todo ello. De repente no puedes estar haciendo un recording de baterías para dos horas después ponerte a grabar voces y a los 3 días retomas de nuevo la grabación de baterías, etc. Construye tu producción con una buena columna vertebral desde el principio para no tener problemas después.

Poca Práctica o Estudio

Este es otro problemas que suele ocurrir muy a menudo. Si tu mismo eres el productor además del músico y trabajas para una banda, es necesario que tengas en cuenta que tu toma para que salga perfectamente bien necesita de mucha práctica antes de grabar. Solamente así podrás conseguir un resultado muy bueno en tu interpretación. A veces nos centramos mucho en si que micro uso, la posición de la sala, etc pero realmente no pensamos que si el músico no hace una interpretación perfectamente buena de nada servirá todo lo que hagamos.

Siempre ten en cuenta que si se va a grabar con un metrónomo la sensación va a ser totalmente diferente a tocar en vivo. En el estudio TODO se percibe de manera clara, no puede haber ningún fallo. No podemos pasar de mano a los problemas. 

Si los músicos no tienen la suficiente habilidad para interpretar esa canción perfectamente hará que el tiempo vuele y se alarge mas de lo previsto la sesión. Después se sentirán mas frustrados y la dinámica de la sesión irá a peor. Esto se vuelve un circulo vicioso que hace que al final nada salga bien, todo el mundo se enfade y se pierda el enfoque por completo.

Compromiso Sonoro

Si te paras a escuchar detenidamente las producciones musicales TOP del mercado, te aseguro que encontrarás miles de detalles. Todos estos detalles fueron escogidos de manera totalmente cuidadosa para construir la canción. Cuando empezamos en la producción musical tenemos la falsa idea de que todo se consigue en la mezcla. Totalmente esto es un error y está fuera de la realidad.

Siempre tenemos que comprometernos en obtener los mejores resultados sonoros desde el proceso de la grabación.

Da igual el género de música en el que estés trabajando al igual que da igual si tus sonidos son elementos acústicos o instrumentos musicales. No conformarse con el primer sonido que obtengas te hará siempre de ser mejor en lo que haces. Busca siempre al 100 % el sonido que tengas en la cabeza. Esto hará que todos los procesos posteriores sean mucho mas sencillos consiguiendo mejores resultados.

Casino Lake House Recording Studio

Mala o falta de Interpretación

De todos los problemas que pueda tener una sesión de recording en un estudio, esta puede ser las mas importante. Si tu objetivo es conseguir resultados sin vida, mejor dedícate a otra cosa porque esto es la CLAVE de la la emoción que produce la música. Esto no se puede corregir ni con melodyne, ni con Autotune, etc. Como productores tenemos que exigir a los artistas para conseguir esa interpretación con emoción.

La emoción se transfiere facilmente al oyente a través de la propia canción. No se debe forzar ya que se identifica fácilmente obteniendo el resultado adverso.

No nos debemos conformar como hablaba antes con obtener una buena calidad de sonido. También siempre cuidar la interpretación y sea las mas adecuada para la canción.

En el caso del vocalista, que realmente consigamos que nos emociones las palabras que están cantando. Un ejemplo de las canciones con mas cantidad de emoción en la voz que mas me gustan puede ser Hello de Adele o quizás la actual El Patio de Pablo López.

Interpretación para conseguir emoción por encima de todo

Poner limites de tiempo y números de tomas

Realmente una vez escuché decir que los humanos trabajamos de forma mas efectiva cuando lo hacemos bajo presión de tiempo. Quizás no todos los casos sean así pero desde luego en mi caso si es verdad que se cumple. Siempre me lo tomo como un reto cuando creo que algo no lo voy a conseguir por falta de tiempo y al final siempre lo consigo. Esto ademas no solamente me sucede en la producción musical sino en todo en la vida.

Ponernos límites siempre nos hace ser mas efectivos para cumplir con nuestros objetivos.

Todo el que tiene un home-studio sabe perfectamente de las horas que ha desaprovechado (Incluido Yo). Pensamos que tenemos todo el tiempo del mundo puesto que la horas no cuentan y eso hace que seamos muy poco productivos. 

Siempre ponernos límites reales, de nada sirve situaciones que no vamos a poder cumplir.

Al final del todo creo que la clave es saber buscar la forma de que seamos mas efectivos y mejores en lo que hacemos. Estoy seguro que con estos puntos vas a mejorar tu disciplina técnica y musical. A mi me ayuda cada día a intentar ser mejor. Ponlo a prueba y me cuentas que tal te ha ido.

Feliz inicio de semana

¿Como empezar una buena mezcla?

En muchos foros de audio, en los últimos años,  leí mucho sobre esta pregunta. ¿Como empezar una buena mezcla? y desde luego no es algo sencillo de responder. ¿ Empezar primero con la batería o mejor con el bajo? ¿Y si empiezo con la voz ya que es el elemento principal?. Desde luego las tres formas creo que serian válidas. En un portal que soy actualmente miembro ¨Puremix¨ he visto como muchos de los mejores ingenieros del mundo han comenzado sus mezclas de diferentes formas. Al final todos conseguían unas mezclas increíbles.  Así que hoy me parece un buen día para que hablemos de distintas formas de ¿Como empezar una buena mezcla?

Fab Dupont

Parte Rítmica

La manera mas usual de empezar una mezcla suele ser a través de los elementos rítmicos. Un ejemplo podría ser, la batería, el beat, percusiones, el bajo incluso para luego empezar añadir los elementos que dan soporte mas melódicos. Estos podrían ser algún solo de guitarra, alguna melodía a piano o la voz.

La ventaja que tendrías en este concepto de mezcla es que el enfoque principal seria el ritmo o el groove como se suele decir de la canción. El groove debe ser solido y consistente. Si no lo fuera ¿Como seria posible que la canción no se viniera abajo?

Quizás la parte mas problemática que podrías tener es que te quedarás sin espacio en la mezcla para introducir la voz o los elementos melódicos. Podría ser muy posible que estos elementos una vez lo añadieras estuvieran enmascarados por los que ya estaban. Trabajar bien con la ecualización el rango de frecuencias de cada elemento es fundamental para que no tengamos estos problemas y cada elemento tenga su propio espacio. No funciona con hacer movimientos drásticos, eso solo consigue que tu mezcla pierda mas que gane.

Forma Pirámide

Este concepto se basa en empezar la mezcla desde los elementos mas importantes dentro de la canción. Para esto es necesario escuchar varias veces la mezcla y analizar que es lo que sostiene la canción. Generalmente uno de los elementos principales es la voz pero para saber a ciencia cierta que elementos a parte de la voz son lo mas importantes es tan fácil como hacer una mezcla rápida solo balanceando las pistas. Ahí te darás cuenta como se sostiene la canción o que elementos son fundamentales para ello.

La virtud que tiene esta forma de mezclar es como los elementos principales jamás se pierden en la mezcla. Todo los elementos secundarios dan solo soporte. Con ello todas tus decisiones de procesamiento serán elegidas mas fácilmente debido que empezaste con la columna vertebral de la canción.

Quizás lo peor de este caso es que el proceso es un poco complicado debido a que no tienes una sensación de soporte rítmico. Tendrías que ir pensando mas en el resultado final y se vuelve confuso saber en que niveles tendrías que estar mezclando. Imagínate, pones un elementos principal muy fuerte y cuando empiezas añadir elementos secundarios empiezan a tener niveles no saludables añadiendo rápidamente distorsión. Que si es lo que buscas, perfecto. ¿ Y si no lo es ?

Michael Brauer

Rango de frecuencias de mas bajas a mas altas

Esta forma de como empezar la mezcla quizás es la menos común aunque a veces suelen dar buenos resultados. Su forma es sencilla, inicias la mezcla desde los elementos con mas peso en bajas frecuencia a altas. En este caso instrumentos como Bombo, synth 808, Bajos, toms, etc sería los primeros elementos en procesar. Después continuaríamos con elementos que son mas notables en las frecuencias medias, como por ejemplo: Guitarras acústicas, eléctricas, pianos, pads, violines, órganos, teclados o voces. Ya por ultimo lugar acabaríamos con con elementos muy agudos como percusiones de alta frecuencias, platillos, rides, campanas, etc

Lo mejor de esta forma es que tomas tus decisiones de forma mas sencilla. Esto es por que tiene mejor definición de en que rango ocupa o debe ocupar cada elementos que añadimos. Para mi lo peor seria que perdería el enfoque emocional de la canción en las diferentes secciones. Esto puede que quite vida a la canción y todo se procese de manera mas técnica. Puede ser que la pruebes y se tu manera perfecta para mezclar pero la mayoría de casos se obtiene una mezcla bien técnicamente pero demasiada lineal.

En resumen 

Te he compartido algunas maneras de como podrías empezar una mezcla pero seguramente no se sean las únicas. Yo suelo usarlas según el tema que pongan en mis manos como puntos de referencia. Quizás 7 de 10 mezclas suelo empezar de la la parte rítmica.  Aunque alguna veces en algunas canciones no rítmica me he preocupado mas de construir la mezcla de forma pirámide.  Lo mejor como siempre, probarlas todas e ir adaptándolas a tu forma de trabajo.

Que tengas un feliz inicio de semana amiga@

¿Como Conseguir Mezclas Modernas?

En los últimos años los ingenieros de mezcla hemos ido adaptándonos al boom del avance de la tecnología. Cada día, los plugins son una herramienta mas poderosa. Aunque bajo mi opinión, no son reemplazables del todo a un equipo analógico de primera. Aún…

Lo que si tengo claro es que las compañías de audio lanzan al mercado algo mas innovador cada día. Estos avances, nos hace la vida mas fácil y nos permiten hacer el trabajo técnico de una forma mucho mas rápida y eficiente. Esto al final se traduce a poder centrarnos mas en la creatividad. Precisamente eso es  lo que realmente hace que un Ingeniero de Audio se convierta en un Ingeniero TOP.

Hoy te comparto varios trucos que he ido aprendiendo de ellos. Seguro que te ayudarán a Conseguir Mezclas Modernas en todos tus trabajos. 

Manny Marroquin

Transparencia y Brillo en los Agudos

En el pasado, la época donde no existía pro tools y ningún software de grabación, solamente se podía grabar a través de cinta Analógica.  Una de las características de grabar en ella era que intensificaba un poco los graves de la mezcla. Otra característica era que restaba una cantidad importante de agudos. Por eso cuando escuchas una mezcla antigua, suena un poco oscura y no muy clara en la parte de frecuencias agudas.

Uno de los problema que tenían en esa época era el ruido de fondo. Era un ruido de piso alto y seguramente has escuchado alguna vez hablar de ello. Por ese motivo muchos ingenieros no le gustaba subir mucho los agudos por los problemas de «Hiss» que podían llegar a tener.

Ahora la cosa es diferente. El margen que tenemos es enorme, sobre todo si estamos trabajando con un DAW a 32 bits a flotante. El margen podríamos decir que es casi infinito. Aunque ¿sabes las ventajas que esto no aporta? ¿Por qué es bueno esto?

Porque las grabaciones ya no sufren del llamado Hiss y podemos trabajar con mas eficacia las frecuencias agudas.

Si te paras a escuchar los Hit del momento, los que suenan en la radio cada día, te podrás dar cuenta de la gran transparencia y claridad que tienen las frecuencias agudas. Las voces, sobre todo, suenan muy claras y tremendamente nítidas. Otros ejemplos podían ser los platillos.  Siempre suelen ser muy brillantes.

¿Quiero decir con todo esto que la mezclas del pasado de hace muchos años son malas?

Nada mas lejos de la realidad. Simplemente en aquel entonces exprimieron los medios que tenían. Había otro estilo de sonido diferente al que tenemos hoy. Por ejemplo, hoy el día por el boom de la música urbana, casi todo los géneros musicales tienen mas graves que nunca. Con lo que es muy frecuente y casi imprescindible que nos encontremos con monitores de subgraves en todos los estudios.

Resumiendo, hoy en día con el avance de la tecnología, estamos haciendo mas y mejor música que nunca pero tenemos un problema. La dificultad de poder encontrarla ante la gran música que tenemos cada viernes.

Antes se grababa 100 discos al año y ahora se graba 100.000 discos al año.

Simplemente, toma esto en cuenta. Si quieres conseguir que tu mezcla suene más actualizada y moderna, tienes que asegurarte de que tenga esos agudos transparentes y brillantes.

Efectos Comunes y No comunes

La gran cantidad de efectos que tenemos disponibles con los plugins son impresionantes para una mezcla moderna. Obviamente usamos de manera habitual efectos comunes como la reverberación, delay, chorus, etc. Esto es prácticamente una necesidad en cada mezcla para conseguir espacio y profundidad a los instrumentos dentro de la mezcla. Pero también existen efectos que son totalmente únicos y que nonos encontraremos en equipos analógicos.

Efectos cómo:,

  •  Crystallizer de SoundToys
  • Little Alter Boy de Soundtoys,
  •  Mondo Mod de Waves,
  •  Stutter de Izotope, etc…

El utilizar este tipo de efectos en conjunto con los efectos comunes pueden conseguir que tu mezcla suene muy moderna y actual.

Truphonic Recording Studio

La Automatización

Los Daw como Pro tools se pueden sincronizar perfectamente con el tempo de nuestra canción. Esto nos hace conseguir una automatización infinita en nuestra mezcla. La automatización de volumen y paneo ahora es tan fácil subir un fader o deslizar un potenciómetro. Antes la automatización era completamente manual. Habían de 3 a 4 personas pendientes de los fader  a tiempo real. Ahora con simplemente dibujarlo en el proyecto podemos hacer desde la automatización más tremenda hasta la automatización más minuciosa.

También, recuerda que ahora todos los parámetros de los plugins son automatizables! Esto es una tremenda posibilidad para conseguir más creatividad. El poder automatizar EQ’s, Efectos, Compresores, secciones de una canción enteras, hace que la mayor dificultad sea la cantidades de posibilidades que tenemos. 

Para Terminar

No te conformes con solamente balancear, ecualizar, comprimir y poner unos efectos por ahí. Despierta tu creatividad. Esa es la verdadera valía de un ingeniero de mezcla. Haz que tu  mezcla se vuelva una experiencia inolvidable para el oyente. Esa y solo esa es la función de nuestro trabajo. Eso te llevará a ser cada día un mejor ingeniero de mezcla.

¡Hasta pronto!

Superar Adversidades En Tus Mezclas

Realmente tenemos que ser sinceros con nosotros mismos. Estoy seguro que más de una vez acabastes con una mezcla que no servía para nada. Te quedaste con la sensación vacía de quizás sería mejor hacer otra cosa y esto no es lo tuyo. Yo lo he sentido también miles de veces. También creo ciegamente que hasta los Ingenieros ¨Top¨ alguna vez también se ha sentido de esa manera en sus comienzos. En este post te quiero compartir varios tips que mejorarán tu forma de mezclar. Aprenderás a como superar esas adversidades que seguro encontrarás en tus mezclas con ello así volviéndote un mejor profesional.

Como volverse un mejor ingeniero de mezcla
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 Tomar Descansos Para Tus Oídos

Creo que esto es muy común que lo encontremos en toda conversación o entrevista que leamos de los ingenieros Top. Tenemos que hacer caso de ello, realmente no sabes la de errores que podemos cometer con unos oídos fatigados. Los oídos después de estar mezclando por un buen rato se agotan. No estando al 100% nos hará tomar decisiones equivocadas y será el paso a tener unas mezclas poco definidas. ¿Cuantas veces has estado mezclando 6 horas seguidas creyendo que te estaba saliendo una mezcla increíble y al escucharla al día siguiente no te gustaba nada en absoluto?

Yo suelo cada hora que estoy mezclando tomarme un descanso de 10 a 15 minutos. Es cierto que ha veces incluso se me olvida pero intento hacer un hábito de ello porque solo así  siento que soy mas efectivo. Estar descansado hace que tome mejores decisiones a la hora de afrontar cada elemento en la mezcla y así fácilmente consigo superar los problemas que encuentro en el camino.

Identifica Los Problemas Con Enfoque

Llega a veces un punto en la mezcla que todo movimiento que hagamos sentimos que hace que la mezcle suene peor. Incapaces de superar el nivel de nuestra mezcla. Se llama circulo vicioso de procesamiento. Seguramente el problema no debe estar en toda la mezcla y solo en ciertos elementos. Es por ello que no tienes porque empezar toda la mezcla desde el principio. Aprender a identificar cual los problemas nos hará un mejor ingeniero. Una vez consigamos saber que elementos son los problemáticos volver  a modificarlo con enfoque y criterio.

Tu mezcla cambiará por completo. Una de las cosas que suelo hacer yo es ir guardando versiones cada vez que trabajo un grupo de elementos determinado. Por ejemplo en una misma mezcla puedo tener: – DRUMS V1, DRUMS Y PERC V2, GUITAR V3, VOCAL OK V4. Trabajar hoy con Daw como pro tools nos hace la vida muy fácil hoy en día para estas cosas.

Como volverse un mejor ingeniero de mezcla
Michael Brauer

Enfócate En Lo Que Funciona

Como decía antes una vez que has identificado los problemas en la mezcla y los corregiste con acierto, ahora es importante enfocarte en los elementos de la mezcla que si funcionan. Siempre me refiero con esto a los elementos que llevan el peso de la canción. La columna vertebral que sostiene esa canción. Lógicamente no podría ponerte ejemplos porque todo depende del genero en el que estés trabajando. Para hacer una idea con un género por ejemplo Pop podría ser: El Bombo, Caja, Bajo y sobre todo la Voz.  Ya sabes que este ultimo elemento es 9 de cada 10 veces el elemento principal de la canción y en el que debemos trabajar con mas precisión para obtener el mejor de los resultados.

Posiblemente a lo largo de este año compartiré trucos y incluso algún video en Facebook donde podréis ver de que forma suelo trabajarlo yo. Nunca diré que es la mejor forma aunque si es la que a mi me funciona.

Usa Referencias Externas

Quizás este truco pueda ser el que mas te va a servir a lo largo de tu carrera. Además es el mas sencillo de todos. Uno de los tips mas importantes que vas a encontrar es que tienes que conocer perfectamente tu lugar de trabajo. Tienes que saber como suena tu sala. Escuchar mucha música en tus monitores de estudio es algo fundamental para aprender a entender como deben sonar las canciones que estés mezclando a través de ellos.

Aunque también algo que es muy efectivo es que en tu proyecto insertes una pista de una canción en concordancia con el estilo que estés mezclando. La escuches de vez en cuando para cambiar la perspectiva de tus oídos. Esto te ayudará a superar una de las grandes adversidades cuando estamos mezclando que es perder el enfoque. También te ayudará a saber si tus balances son mas o menos adecuados tanto en volumen como en panorama.

Pide también opiniones externas, escucha la mezcla con alguien más. Nuestra forma de escuchar las mezclas son distintas cuando estamos solos a cuando las escuchamos con alguien.

Para terminar

Todos estos consejos al final son solo eso, consejos. Seguro que ayudaran a superar muchas adversidades que encontraras en tus mezclas. Sé que si lo tomas por hábito te van a dar muchas alegrías en el futuro. A mi desde luego y sinceramente me han ayudado mucho a ir mejorando mis resultados. Por eso ponlos a prueba y valora si tu forma de mezclar a mejorado.

Si tiene alguna consejo que te gustaría aportar siéntete libre de poder hacerlo ya que estaría ademas encantado de que lo pudieras compartir.

Más Pistas No Quiere Decir Mejor Producción

Ya hemos comenzado este 2018 con los primeros objetivos marcados para el año nuevo y también con las primeras sesiones de grabación. Muchos productores llegan al estudio con la idea marcada de que a una canción será mas buena cuanto mas instrumentos y elementos de producción tenga. Aunque realmente esto no puede estar más lejos de la realidad si nos paramos a estudiar los hits que han marcado la historia de la música. Cuanto más pistas tengas no significa que vayas a obtener un sonido más grande en esa canción. En realidad tenemos que tener presente siempre la regla de MENOS ES MÁS.

mas pista no quiere decir mejor producción

Muchos productores e ingenieros noveles suelen pensar cuanto mas cantidad de pistas y más arreglos mejor canción será. No podemos nunca olvidarnos el que cada pista o cada arreglo con cuidado que hagamos tiene que tener un sentido y un por qué. Si añadimos y añadimos sin pensar en el enfoque que queremos conseguir acabaremos con una producción sucia que no podrá arreglarse con una increíble mezcla ni tampoco un impresionante Mástering. Estará condenada al fracaso.

Todo esto tengo claro que viene a raíz de la confusión de creer que un gran número de pistas crea un sonido grande pero no es así. No es la misma cosa. Vamos a hablar de cuales son las diferencias y porque tiene todo esto tanta importancia.

Más.. y más Pistas

Hoy en día los ingenieros de mezcla es mas que normal que reciban proyectos con 80 y hasta 150 pistas. Esto es muy común en géneros como el pop, rock, música urbana, ect. Esto aun así no es utilizado para obtener un sonido masivo. Se puede perfectamente obtener una mezcla GRANDE con solo 30 pistas. ¿ Entonces porque tenemos tantas pistas ?

Realmente la respuesta podría ser para tener más capas.  Cada una de las pistas agrega un nuevo elemento y una nueva capa a la mezcla. Muchas veces estas capas solamente son escuchadas una o dos veces en toda la canción. Son elementos que pueden durar 1 o 2 segundos pero su función es agregar más interés a la pista y mantener la atención del oyente durante toda la canción.

Cuando tienes grandes cantidades de pistas, se debe tener mucho cuidado a donde queremos dirigir el enfoque. Solo debería estar escuchándose continuamente una cantidad de pistas continuamente de 30 o menos para poder asimilar bien todos los elementos.

Agregar un juego de voces, un pad durante el segundo verso, o con solo agregar un golpe de la caja que empuje al ultimo estribillo después de el puente. Ha veces con cosas sencillas puedes estar creando una producción excitante. Más pistas es igual a más interés.

Mas pistas no quiere decir mejor producción
Estudio de locución en Madrid

Sonido Grande

Un sonido grande viene de dos lugares

 Los sonidos logrados por el productor y la forma en la que son mezclados.

Canciones cómo Bohemian Rhapsody de Queen tienen solamente algo como 8 pistas solamente! incluyendo voces. Aún así suena tremendamente grande por la manera en que los sonidos fueron elegidos y la manera en que fueron mezclados.

Una mezcla balanceada siempre sonará mejor y más grande que una mezcla sin balancear . Por ejemplo, si la voz está muy al frente y fuerte, neutralizará la música y conseguirá que suene más chica de lo que es.

Los sonidos con los que empiezas también marcarán una gran diferencia. Asegurate de que tus sonidos mantienen el cuerpo suficiente (alrededor de 250Hz a 500Hz). Esto es muy importante cuando se trata de obtener un sonido grande. No cortar mucho de estas frecuencias y mantenlas vivas.

Telefunken Neumann U67

Para Terminar

Intenta no caer en este error que yo caí muchas veces. Cuando empezaba cómo productor e ingeniero mis producciones sonaban como una bola gigante de suciedad sin definición.

Lo que me fue ayudando a mejorar fue el ver muchos vídeos tutoriales, leer muchos artículos sobre productores e ingenieros profesionales y más que nada la constante práctica. Quizás hubo un antes y un después en mis trabajos cuando conocí la técnica Menos es Más. 

De verdad, no importa si necesitas tener muchas pistas en tu canción. Asegúrate de que cada uno de esos sonidos sea elegido cuidadosamente en el espectro de frecuencias para que a la hora de la mezcla no sea una odisea para el ingeniero. Todo lo que sea sumar con criterio y con el enfoque de porque lo haces, adelante. Aunque no olvidé que una producción es perfecta cuando ya no hace falta no añadirle mas cosas sino no tenerle que quitar más.

Feliz Domingo

Claridad en tus mezclas ¿Como hago?

Quizás uno de los propósitos que todo ingeniero de audio desea lograr, es tener claridad y punch en sus mezclas. El problema está en que no basta con ser un propósito. ¡Tenemos que conseguirlo! Somos conscientes que cuando comenzamos a dar nuestros primeros pasos, esto es una tarea tremendamente difícil. Muchas veces puede ser que  en la sesión de grabación no se hizo del todo un gran trabajo. Al estar estas pistas tan mal grabadas, se vuelve un problema aún mayor para nosotros.

Recuerda siempre esto. Si queremos hacer una buena cena gourmet pero lo ingredientes no son adecuados o están en mal estado, nunca podremos hacerlo. Suponiendo que estás dando tus primeros pasos y obtengas sesiones no muy bien grabadas, aquí te comparto unas recomendaciones. Estos tips estoy seguro que te ayudará a obtener Claridad En Tus Mezclas.

claridad en tus mezclas
Pro tools

Depende De La Canción

Lógicamente siempre digo que cada canción es diferente y es por eso cada mezcla es diferente. Cada genero musical, necesita su tipo de carácter sonoro. Es algo que debemos tener siempre presente al afrontar una mezcla. Algunas canciones por su género estarían destinas a sonar  de forma mas natural. Un ejemplo sería el Jazz o la música clásica. Mientras, otros estilos necesitan mezclas y sonidos mas agresivas como el Rock o algunas canciones de Pop-Rock.

Ten en cuenta que no es lo mismo mezclar a Louis Armstrong que a Nirvana.  ¿Como harías para que los dos suenen claros dado que son totalmente  son texturas sónicas diferentes?

Arreglo y Selección De Sonido

Como Ingenieros tenemos que tomar siempre decisiones. También a veces tenemos que crear sonidos que no existían antes. Pero jamás nada remplazará con más calidad, una producción cuidada. Creada a través de buena selección de sonidos y arreglos en la etapa de la Pre.producción.

Si el productor o músico hace una buena pre-producción,  asegurándose que los instrumentos no se peleen entre sí o con el vocalista, entonces hará que todo sea mucho más fácil para toda las etapas de producción.  ¡Para tener claridad en una mezcla no podemos olvidarnos de una  pre-producción bien pensada! Los instrumentos deben vivir en buena armonía en todo el espacio del espectro de frecuencias. Un balance adecuado es la clave para dar el primer paso para conseguir un buen resultado.

El Balance De La Mezcla

El balance de una mezcla es la clave del éxito en una gran mezcla. Muchas veces, (me incluyo) no le damos la importancia necesaria y créeme que eso es un tremendo error. También lo es pensar que el balance es solo mover fader y perillas de panorama. Cada pequeña decisión que tomemos de procesamiento en nuestra mezcla alterará dicho balance.

Si logras un buen balance desde el principio y luego vas haciendo pequeños ajustes conforme vas avanzando, ten por seguro que estarás muy cerca de obtener esa claridad que estás buscando. Nunca pensemos en una mezcla estática. Siempre se mezcla dos pasos adelante, uno hacía atrás en círculos. 

claridad en tus mezclas
OXFORD

Quitar el Exceso De Sonido

Lo mas normal cuando recibes sesiones multitrack, es que las pistas te lleguen sin ser editadas. Por ejemplo, cuando el cantante no está cantando, todo esa pista contiene un sonido extra de baja frecuencia de instrumentos. Incluso a veces de clicks que se han colado en la toma por no haber seleccionado unos auriculares adecuados. Elimínalo. 

Siempre toma como regla, filtrar todo el sonido innecesario que puedas. Al final todo suma y puede ser unas de las razones por la que tu mezcla no suene todo lo clara que debería.

Otro problema común son los problema de fase que puedan haberse creado en la grabación. Ten siempre en cuenta que que los problemas de fase hacen que tu sonido suene delgado y pequeño. Especialmente cuando hacemos grabación de baterías. ¡Cuidado!  Siempre controlar la fase cambiando la polaridad donde necesites para tener claridad y punch en tus mezclas.

Filtros de Paso Alto y Paso Bajo

Este es el truco que mas importancia para mi tiene al hacer una mezcla. Solamente tienes que ser precavido porque es muy fácil caer en la trampa de utilizarlos de mas.

El uso seria sencillo. Tomas un filtro de paso alto y cortas las frecuencias bajas del sonido que no necesitas que estén ahí. Por el otro lado del espectro al revés. Puedes utilizar un filtro de paso bajo para cortar  las frecuencias altas de un sonido que no lo necesitas tampoco o quizás suenan demasiado. Un ejemplo, sonidos estridentes extremadamente agudos de algunas librerías de sonido típicas de strings.

Si el arreglo y la selección de sonido están bien hechos, realmente no necesitas utilizar muchos filtros. Aunque siempre te va a servir para limpiar tus pistas y obtener mezclas más claras.

Los filtros son también tremendamente necesarios, cuando toda la sesión se ha grabado en vivo. Puede que haya mucho ruido de bajas frecuencias en instrumentos que no son necesarias. Poner un filtro de paso alto a todas las pistas en este caso sería una buena idea. No siempre en Bombo y Bajo dependiendo que busquemos en ellos. Utiliza tus oídos y confía en ellos.

Ecualización Sustractiva

La ecualización sustractiva la utilizo bastante en mis mezclas. Al igual que el escultor pule la piedra para crear una bella escultura. Como siempre todo depende la canción y de como de buenos son los sonidos con los que estoy trabajando. ¿Donde usar y para que la EQ sustractiva?

  • Quitar resonancias Esto se nota mucho cuando una sesión fue grabada en vivo. Suena como si una frecuencia molesta estuviera sonando detrás de lo que realmente nos interesa.
  • Limpiar suciedad A veces esto puedo ser confundido con resonancia, pero no lo es. Yo lo escucho como una acumulación de frecuencias en un rango de frecuencias específico que le quita claridad al elemento. Para vocales puede ser entre 200-400 Hz y a veces frecuencias nasales entre 600-750 hz . Estas frecuencias pueden hacer que la voz suene nublada y sin claridad.
  • Hacer Espacio A veces necesitas utilizar EQ sustantiva para quitar frecuencias de un instrumento para que otro instrumento de la mezcla tenga algo espacio para ser escuchado.
SSL 9000j – PKO STUDIO

 

Ecualización Aditiva

Otra forma muy común de utilizar la ecualización es de forma aditiva. Consiste en tomar una banda de una frecuencia particular y aumentarla sumando más de esas frecuencias. Esto no solamente es usado para claridad, pero también para agregar energía a un sonido y cortar a través de la mezcla.

Con la Ecualización aditiva siempre tardamos un poco mas de tiempo en aprender a hacerlo de forma correcta. Es un aprendizaje diario porque cada ecualizador además suena diferente. Es por eso que es muy bueno poder probarlos todos los que estén a tu alcance. 

Un aumento de 3dB en la frecuencia de un EQ de un determinado tipo, sonará muy diferente a otro EQ. Esa la belleza de los Eq y de sus timbres. Por ejemplo, Instrumentos como pianos y guitarras a veces con un pequeño aumento entre el rango de 1-5KHz, puede hacer que corte claramente un una mezcla de mucha densidad.

También se usa constantemente EQ en el Mix Bus siempre de manera muy ligera. Sobre todo cuando la mezcla está terminada o mientras está apunto de terminar. Yo en muchas ocasiones también he empezado la mezcla trabajando desde el principio con un Eq insertado en el Mix bus. Siempre busco filtrar todo lo por debajo de 20 a 25 hz y dar algo de aire sobre la zona de los 18 khz. 

Un plugins fantástico que te recomiendo es el  FabFilter Pro Q3. Es un Eq muy trasparente que desde luego se ha convertido en uno de mis favoritos.  Como todo cuidado siempre. La EQ aditiva puede ser abusada y no siempre es necesaria en cada instrumento.

Procesar Tus Retornos De Efectos

Haz insertado tu reverb favorito o delay en tu Aux pero parece que está ensuciando tu mezcla en vez de hacerla más musical. Este es un buen momento para pensar en procesar tus retornos de efectos con ecualización o incluso compresión.

Un poco de compresión puede ser clave para asegurarte el delay o la reverb se mantenga “en línea” siendo más consistente y fácil de posicionar en la mezcla.

Si estás trabajando en una mezcla de mucha densidad, ecualizar tu retorno de reverb puede ser muy útil si tu reverb también es poco opaca. Aplicar filtros de paso alto o quitar un poco de las frecuencias bajas puede ayudar a hacer la reverb más delgada posicionándola de mejor manera en el contexto de toda la mezcla. 

Las posibilidades son ilimitadas. Solo utiliza tu imaginación e intenta nuevas maneras creativas para procesar tus efectos. 

Distorsión o Saturación

Muchas veces cuando escuchamos la palabra “Distorsión” pensamos en sucio y entonces nos preguntamos ¿Cómo puede esto ayudarme en una mezcla para que suene clara?

Tenemos que saber que cuando utilizamos distorsión, lo hacemos en pequeñas cantidades.  Agregamos algo al sonido que no existía antes alterando su timbre.

La Saturación o Distorsión son un excelente inicio para empezar a separar por ejemplo el bombo del bajo.

La zona del espectro de frecuencias medias, es donde nuestros oídos son más sensibles a la escucha. Entonces, si un sonido puede estar más enfocado en el rango de medias frecuencias, nuestros oídos serán capaces de escucharlo aún mejor dentro de la mezcla. Es la maravilla de la saturación en las señales.

Traer hacia adelante los medios no es la única cosa que la distorsión o saturación hace. También agregará un poco de compresión (nivelará los picos). También nos puede ayudar a que algo suene más lleno o con mas densidad.

Reemplazo con SampleS DE Bombo y Caja

Podemos hacer lo mejor posible para utilizar lo sonidos que nos han dado. Aunque en ocasiones no podemos hacer un milagro sonoro con una pista mal grabada. En este punto tenemos que trabajar con remplazo de sonidos con ayuda de samples.

Quizá necesitamos un bombo grande que empuje la batería o una caja con mas pegada. Muchas veces es mejor esta decisión, que aumentar demasiado las frecuencias bajas de un bombo malo.

Otra razón por la que se mezcla con samples, es porque el bombo y la caja no están funcionando de manera correcta en frecuencias medias. Quizá te dieron un bombo que son puras frecuencias muy bajas y jamás vas a lograr obtener un snap propio en medias.

Es muy importante asegurarte de que el bombo que utilizas del sampler esté dentro de la vibra de la canción.

También hay veces que remplazar samples es la única opción porque el sonido original no funciona con el arreglo o porque el sonido original no es de la mejor calidad. Tener un mejor sonido puede marcar la diferencia para que suene una mezcla mucho mas clara.

Para terminar

Una de las partes que tienes que sumar a los conceptos para obtener claridad en tus mezclas, es el apartado emocional. Realmente nos centramos mucho en el aspecto técnico pero no podemos olvidar que la clave de la música está en el aspecto emocional. 

Después de que tomes estos tips, estoy seguro que conseguirás una mejor claridad en tus mezclas. Son trucos sencillos que yo tomé como un hábito en mis mezclas.

¡Haz tu lo mismo y me cuentas que tal te fueron! 

 
Inspirado en un texto de Justin Smith

Obtener Buenas Mezclas en Menos Tiempo

Unos de los problemas más característicos de los aspirantes a Ingenieros de Mezcla es la gran ausencia del enfoque. Rápidamente ajustamos el compresor, la eq, la reverb, el delay, automatización, etc sin entender muchas veces el porque estamos ajustando estos parámetros. Tal vez puede ser que nos salga una buena mezcla o quizás (lo mas posible) es que no sea tan buena. Hoy nos paramos en algunos tips que nos harán obtener buenas mezclas en menos tiempo.

obtener buenas mezclas en menos tiempo
SSL Duality

Es increíble como el poder de enfoque puede cambiar la rapidez en la que hacemos las cosas. Incluso me atrevería a decir que pasa en la vida real. En mi humilde opinión pienso que la diferencia entre un amateur y un profesional es que el primero entrega buenos resultados en poco tiempo. En cambio el amateur puede tardar mucho mas tiempo además que posiblemente el resultado no sea tan bueno como el primero.

Existe una técnica simple que nos puede ayudar a aprender a enfocarnos y no perder la concentración. Un simple temporizador en tiempo regresivo. Esto créeme que te ayudará a obtener mejores resultados.

La Ley de Parkinson

La Ley de Parkinson dice que “El trabajo se expande hasta llenar todo el  tiempo disponible para que se termine.”

Esta regla te aseguro que es totalmente verdad. Piensa, ¿Cuantas veces nos han pedido algún tipo de trabajo con plazo de un 1 mes? En todo ese mes, en la mayoría de casos no hemos echo nada hasta los últimos días.  En cambio, ¿Cuantas veces nos han pedido un trabajo para el día siguiente y hemos sido capaces de terminarlo en ese mismo día?  

¿SORPRENDENTE VERDAD ?

obtener ley de parkinson

Aquí es donde aplica la Ley de Parkinson. Lo que cambia dio apertura a que tuviéramos mucho mas enfoque a lo que estábamos haciendo sin perder el tiempo.

Cuando trabajamos con la presión del reloj entra en acción este momento!  El momento en que sabes que ese tiempo se esta agotando y sabemos que tenemos que terminar como sea el trabajo que nos han pedido para su posterior entrega. Además ten en cuenta que  no hay nada mas profesional que entregar siempre los trabajos dentro de los plazos de entrega estimado cuando nos contrataron.

Mezclando a gran escala

En el momento en que tomamos la decisión de ponernos un tiempo para hacer una mezcla, trabajamos mas eficientemente. En lo que a mezclar se refiere, quizás ya no tardaremos media hora ajustando el balance de los canales. Tenemos que tener en cuenta que posiblemente después de usar la ecualización y compresión vamos a ajustar nuevamente los balances.

De repente todo esto carece de importancia y empezamos a pensar más y trabajar mas rápido. Empezamos a ver la imagen a gran escala en vez de entretenernos tanto en los pequeños detalles. Una frase que me encanta de mi tutor Hector Jon es: nos enfocamos más en el bosque y no tanto en los arboles uno por uno. Esto siempre nos ayudará a obtener buenas mezclas.

Obviamente los pequeños detalles siempre cuentan y tenemos que considerarlos. Al final  los pequeños detalles están ahí para marcar la diferencia entre una mezcla buena y una mezcla que suene increíblemente bien. Es muy fácil perder perspectiva si nos quedamos mucho tiempo ajustando los pequeños detalles. Siempre tenerlo en cuenta para obtener mejores resultados.

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Mezclando con Propósito

La intención de mezclar con la presión del tiempo es mezclar con un propósito en mente. Mezclamos con mayor enfoque, visión, y perspectiva de que es lo que queremos lograr en nuestro resultado final.

Tal vez una buena estrategia para empezar es poner nuestro temporizador en cuenta de 3 horas. Después de que termines esas 3 horas analiza como llevas la mezcla. Tomate un descanso de 10 minutos en cada hora de trabajo que hagas. Esto ayudará a la herramienta mas importante que son tu oídos. Te aseguro que te sorprenderás de lo que puedes lograr con el simple hecho de trabajar concentrado y con enfoque.

Inténtalo y verás que con estos trucos será mas fácil obtener grandes resultados. 

Feliz fin de semana amig@

Funciones de la Reverb y el Delay

Hoy empieza a terminar el verano y volvemos un poco más a la rutina diaria. Por eso tengo ganas de adentrarme un poco en las funciones de algunas herramientas que usamos habitualmente en estudio. Es muy normal cuando hemos ajustado una mezcla (tanto los eq como las dinámicas) que todavía no escuchemos ese sonido profesional que tanto deseamos. En este punto podemos empezar a añadir efectos para crear espacios y profundidad que mejorarán el resultado final.  Por eso hoy nos paramos en las funciones de la Reverb y el Delay.

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Lexicon 480L

LA REVERB 

Tanto los plug-ins como los equipos hardware de reverb  tratar de emular básicamente el efecto de un número casi infinito de ondas de sonido rebotando dentro un espacio físico. Las primeras ondas de sonido reflejadas se llaman Reflexiones Tempranas o Early Reflections.

El tiempo que tardan estas reflexiones en llegar a nuestros oídos nos hacen saber el tamaño del lugar. El sonido reflejado empieza a rebotar en las paredes continuamente creando una ilusión de un sonido continuo. A esto se le llama el Reverb Tail. Estas serian reflexiones secundarias. El tiempo que toma  que estas reflexiones secundarias dejen de escucharse se le denomina Reverb Time. Generalmente este tiempo se ve expresado desde mili-segundos hasta segundos.

Estos son los parámetros más comunes que podrás encontrar en casi todos los plug-ins de Reverb e incluso en equipos clásicos analógicos.

Algunos plug-ins mas de alta gama ofrecen una amplia variedad de parámetros añadidos como por ejemplo:

  • Pre-delays                                                                                                                                                                                                                                                                                                                  El Pre-Delay es básicamente un delay entre el sonido directo y el comienzo de las reflexiones tempranas. Este parámetro lo podemos comparar con el tiempo de ataque en un compresor. Básicamente es el tiempo que  tarda la Reverb en actuar con la señal directa antes de que las reflexiones tempranas sean escuchadas. Era muy común en equipos antiguos analógico de reverb que se pusiera una caja de delay antes de entrar en la reverb consiguiendo este efecto. Hoy en día como decía casi todos los plugins ya tiene esta función en sus controles.
  •  Eq de frecuencias altas/bajas. Este parámetro te permite un control de las frecuencias mas agudas y mas graves de la reverb. La agudas por lo general se desvanezcan mas rápido que las demás frecuencias. Con esto parámetros permite que podamos emular el sonido del material de la sala. Es decir, una sala de madera o azulejo sonará mas brillante que una sala absorbente cubierto de lana de roca y tela.
  • Densidad La densidad determina como estarán de juntas las reflexiones del sonido. Una buen truco para empezar podría ser : Menores densidades suenan mejor en Vocales y Instrumentos como Cuerdas, Synths, etc. Mayores densidades suenan mejor en instrumentos más percusivos.
  • Difusión La difusión está directamente relacionada con la densidad. Determina el tiempo en el cual las reflexiones aumentan la densidad después del sonido original. La difusión es afectada  por las superficies en vez de por el tamaño de la sala.

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Lexicon PCM 42

EL DELAY

El Delay es un efecto de repetición de una misma señal de audio que se retrasa ya sea mili-segundos, o segundos. En el Delay generalmente vamos a encontrar diferentes parámetros de los cuales el usuario puede ajustar dependiendo de su preferencia. Generalmente estos son: Mix, Tiempo, Feedback

  1. El Mix DRY/ WET El Mix es la cantidad de señal de Delay queremos que llegue a nuestra señal original. En caso de que crees tu el delay en un track Auxiliar, te recomendaría poner siempre el mix del Delay al 100%. Usando el delay de esta forma no seria necesario usar la perilla de dry/wet. Está mas pensando para cuando por ejemplo quieres usar un delay determinado  en una pista haciendo directamente un inserto.
  2. El Tiempo El Tiempo es uno de los parámetros mas importantes del Delay. La mayoría de los plug-ins te dejan ajustar el tiempo para que esté en Sync con el tempo de la canción. Es decir el plug-in automáticamente sabrá dependiendo de tu tempo cual es el valor de un 1/4 note, 1/8 note etc. El experimentar con estos valores es muy importante ya que dependiendo de la canción y el feel que se le quiera dar, va a ser el tiempo adecuado de Delay.

     ¨Un buen truco podría ser, si tenemos nuestro Delay en Stereo, ponemos por ejemplo el Delay del Left y Right en 1/4 note y después ponemos algunos mili-segundos el Delay de la izquierda o derecha, esto nos hará percibir que el Delay sea mas amplio y grande.¨

  3. El Feebback El feedback simplemente es queremos que se retroalimente la señal y se repita. Cuanto mas grande sea el valor de Feedback mas repeticiones de la señal habrá y vice-versa. Generalmente se utiliza mas Feedback cuando queremos que la mezcla se llene un poco mas, por ejemplo en los coros. También es muy utilizado como efecto creativo para que una palabra se quede repitiendo varias veces.

EN RESUMEN

Con estos dos efectos podemos darle a nuestras mezclas una sensación de espacio y profundidad. Efectos creativos que harán que nuestras mezclas suenen mucho mas PRO. Puedo decir que son de los efectos mas usados como decía al principio. Quizás si estás comenzando en este mundo, lo mas recomendable sea que practiques con plugins antes de lanzarte a por un equipo hadware. Quizás pueda ser mas fácil de usar para ti.

Es cierto que el nivel de efectos en los plugins a aumentando muchísimo en los últimos años. Aun así pienso que le falta algo para poder alcanzar ese nivel que nos ofrece los equipos de alta gama. Por eso digo que lo mas recomendable es que empieces a experimentar con plugins.

Que tengas un feliz dia =)

Referencia de Canciones al Mezclar

En estos últimos meses he estado mezclando diferentes proyectos para varios artistas de diferentes géneros musicales. Yo vengo del Flamenco y una vez que me aventuré al mundo de la Producción Musical me di cuenta que tenia que conocer bien todos los estilos musicales. Tenía que conocer el sonido tanto lo que escuchamos hoy di como los que se escuchaba hace 40 años. Con ello decidí que en mis mezclas tenia que usar CANCIONES DE REFERENCIA PARA MEZCLAR. Una técnica que a lo largo de los años todos los profesionales del sector han usado alguna vez.

referencia
The Beatles

Las canciones de referencia nos sirven como una guía para saber si vamos por el camino correcto en nuestra mezcla. Es muy fácil que después de un tiempo mezclando una canción, nuestros oídos nos puedan jugar malas pasadas y perdamos el enfoque. Aquí es donde las canciones de referencia nos ayuda a ir por el camino correcto o por lo menos no muy alejado de lo que en principio buscábamos en esa canción de referencia.

 ¿Que es exactamente una canción de referencia?

Una canción de referencia es simplemente una canción mezclada y/o masterizada profesionalmente por otro Ingeniero profesional. Esta nos sirve como un estándar para poder comparar con nuestra propia mezcla y así tomar decisiones mas acertadas.

La mayoría de la gente que cuenta con home-studios sabe que muchas veces nuestras mezclas suenan muy bien en nuestro estudio. Hasta ahí bien, pero a la hora de escucharlas en otros sistemas de reproducción de audio es muy común que las mezclas suenen muy amateur. Por este motivo es el concepto de verificar nuestras mezclas en la mayor cantidad de sistemas de reproducción. Tampoco quiero decir que que el hecho de que una mezcla suene bien en diferentes sistemas de reproducción significa que la mezcla sea buena. Esto ya podría discutirse.

El problema es la percepción que tenemos con nuestras mezcla. Muchas veces nos enfocamos demasiado en nuestra mezcla. Con ello perdemos el enfoque de donde queríamos llevarla.  Te pongo un ejemplo. Nuestra mezcla podría tener la voz demasiado fuerte y para nosotros podría estar bien. Pero al escuchar la referencia nos damos cuenta de que esto no es así y tenemos que volver atrás para arreglarlo.

Miles de personas han hecho mezclas antes que tu y que yo. Incluso han ganado importantísimos premios mundiales por ello. Es por eso que tenemos día a día que estudiarlos y siempre coger lo mejor de cada uno para hacerlo nuestro.

Trata de que tus mezclas suenen igual que las de ellos. Poco a poco lo iras logrando y luego tal vez puedas hacerlas incluso mejores! Es el camino que sigo día a día y el que tu también debes seguir. Nunca pienses que al hacer esto estas copiando o no estas siendo tu mismo. Simplemente estas estudiando las mezclas de ingenieros mucho mejores que tú. Al fin al cabo esos ingeniero cuando empezaban, hicieron lo mismo.

Al final todos aprendemos de TODOS

referencia analogico rack
CLA

¿Como escoger una canción de referencia?

Al momento de escoger una canción de referencia, tienes que elegir una que tenga el mismo sentido y sea del mismo género. No  te podría ayudar una canción de hip-hop al momento que estés mezclando una canción de pop-rock. Siempre busca que sea el mismo estilo y los instrumentos que aparecen sean parecidos.

Para empezar lo que puedes hacer es elegir canciones que te gusten. Que sepas que suenan bien en todos lados. No vayas a escoger la canción que tu amigo/a acaba de mezclar en su home-studio. Busca Hits de reconocido prestigio. Canciones de éxito mundial con su propio crédito y por supuesto comerciales.

Las canciones de referencia no tienen siempre que gustarte. Como Ingenieros de mezcla tenemos que ser objetivos y escoger las canciones que sepamos que suenan muy bien aunque no nos gusten. Con esto quiero decir que tenemos que identificar la canción en el género que estemos mezclando. Ya  podría ser (rock, jazz, acústico, Pop o hip-hop, etc.) Tampoco la canción que elijamos no tiene que tener buena traducción en todo el rango de frecuencias. Igual sentimos que una canción tiene muy buen sonido de bajo pero no tanto en las frecuencias medias. En un caso así escogeríamos esa canción a la hora de hacer referencia con nuestros bajos. Lo mismo haríamos con la voz, guitarras etc etc

Lo que yo personalmente hago es que corto mis canciones de referencia en secciones donde realmente destaca ese elemento que busco. No importo a mi sesión toda la canción completa, sino un segmento de ella donde suena bien lo que estoy buscando comparar. Con ello tengo un enfoque mas preciso  de lo que quiero.

¿En que me tengo que fijar en las canciones de referencia?

A pesar de que tengamos una canción de referencia una mezcla nunca va a sonar igual. Hay muchas diferencias entre dos mezclas. Podrán sonar similares pero nunca iguales. Con esta guía la cual te presento a continuación, podrás saber en que te tienes que fijar a la hora de hacer la comparativa.

  1. Paneo: ¿Donde están paneados los instrumentos, efectos, voz, etc. en la mezcla?
  2. Balance: ¿Cuál es el balance general de la canción?, ¿Como de fuerte esta la voz comparada con las guitarras o piano?, ¿Está muy presente la batería?, etc.
  3. Profundidad: ¿Cuanto reverb hay en cada track?, ¿La voz tiene mucha reverb o suena mas seca?, ¿Como de presente suenan los instrumentos?
  4. Bajo: ¿Como está el bajo en la mezcla?, ¿ Tiene matrimonio con el Bombo ? ¿ Cual destaca mas de los dos ?

 ¿Como hacer una comparación A/B efectiva?

Para hacer una comparación efectiva necesitamos que nuestros oídos escuchen las diferencias rápidamente. Si no hacemos esto, nuestros oídos fácilmente se acostumbran a la nueva canción. Por eso perderemos el enfoque del sonido que estamos buscando comparar. Obviamente tienen que hacer la comparación en el mismo sistema de monitores o altavoces de audio, incluso pueda ser tus auriculares del iphone. De otra manera sería muy difícil hacer una comparación real y objetiva.

La manera mas rápida y eficiente que a mi me ha funcionado es:

Importar el track estéreo a mi sesión y ponerla en mute. Al momento que quiero hacer una comparación simplemente des-muteo rápidamente para escuchar la diferencia.

Con este consejo estoy seguro que vuestras mezclas van a mejorar mucho y vais a conseguir el objetivo de hacer buenas mezclas que se reproduzcan perfectamente es todos lados.