Estructura de ganancia adecuada

Es muy importante en nuestras mezclas y grabaciones establecer una buena estructura de ganancia. Cada equipo analógico o plugins que usemos se benefician en su conjunto final. Principalmente una de las cosas que debemos evitar es tanto la distorsión como el exceso de ruido de fondo. Ambos, enemigos directos si queremos lograr claridad, profundidad y sobre todo dinámica en nuestras mezclas y grabaciones.

Una de las cosas que también tenemos que pararnos a pensar, es en que tipo de entorno trabajamos. Con esto quiero decir,

  • ¿Trabajamos de forma ITB (in the box) exclusivamente?
  • ¿Trabajamos de forma híbrida usando puntos de inserción de equipo analógico con nuestras interfaces?
  • ¿Directamente trabajamos en una mesa analógica usado nuestro DAW solo como grabador digital a disco duro?

Esta es la principal pregunta que nos debemos hacer para que podamos descifrar la estructura de ganancia correcta que necesitaremos en nuestro camino a un buen trabajo.

¿Que es realmente la estructura de ganancia?

 Es el proceso de asegurarse, que tenemos un nivel apropiado de señal de audio en cada uno de los puntos de recorrido de la señal. Un buena estructura de ganancia significa que desde la primera etapa de la ruta de señal, hasta la última, ha sido cuidada. Con esto quiero decir, desde el paso donde comienza la fuente en instrumentos o voz, micrófonos, preamplificadores hasta por último llegar al bus master estéreo final.

Para grabación…

Siempre debemos asegurarnos de que todo lo que grabemos tenga el nivel de ganancia correcta. Por ejemplo, si nuestras grabaciones son demasiados fuertes o demasiados suaves, seguramente nos toparemos con problemas mas adelante. Así que antes de grabar, debemos pararnos a configurar nuestro preamplificador de forma correcta ante la fuente que vayamos a grabar.

Normalmente, en mi caso, busco que la ganancia en el medidor de pro tools oscile alrededor de -18 a -12 dBFS. Si grabas el sonido con esta estructura de ganancia, no deberías tener nunca problemas. Ni con plugins, ni con sumas digitales en tu bus de mezcla. 

Un truco, a la hora de medir la estructura de ganancia en la grabación, es tener en cuenta que los músicos no tocarán con la misma fuerza mientras graban. Seguramente emplearán muchos más fruto de la tensión. Debemos tener esto en cuenta a la hora de elegir nuestro nivel adecuado en el momento de ajustar nuestra estructura de ganancia.

para mezcla…

Uno de los pasos que normalmente hago antes de comenzar a mezclar, es insertar en cada canal de mi mezcla un plugins de ganancia. Por ejemplo el gain de pro tools . Lo situo en la parte superior de mi cadena de plugins. Luego voy a mi bus estéreo y pongo un medidor VU. Después, comienzo pista por pista escuchando cada instrumento o voz en solo. Por lo general, debemos hacerlo siempre en la sección de la canción donde cada instrumento o voz suenen mas fuerte.

Por último, verifico y soluciono cualquier cosa que generalmente esté por encima de 0 dB en el medidor de VU insertado en mi Mix bus. Es una tarea tediosa cuando tenemos muchas pistas pero necesaria. Debes tener en cuenta que la mayoría de las personas graban sus instrumentos con demasiada fuerza en sus home-studios y por eso, debes hacerlo por tu bien.

Podrá sonarte algo contradictorio pero las grabaciones que han sido grabadas demasiado fuerte, siempre suenan al final con una sensación de nivel más floja. Sé que puede sonar ridículo pero es así. Me ha ocurrido en muchas ocasiones.

Cuando nos llegan canciones con señales extremadamente altas, tenemos por lo general, menos margen para trabajar. No podremos de echo ni aumentar volumen, ni procesar de forma normal porque a la mínima tendremos problemas con distorsiones desagradables.

¡Grabar y mezclar con una estructura de ganancia adecuada es clave en todo!

El HEADROOM

El nivel máximo que puede tolerar una mezcla digital es de 0dB Full Scale. Esto no es lo mismo al 0 dB de las mesas analógicas, donde normalmente al mezclar, se rebasa de forma intencionada para alcanzar ese punto dulce que nos brinda lo analógico cuando lo empujamos.

Todo el nivel que la mesa de mezcla analógica pueda tolerar por encima del 0 dB hasta la distorsión se llama Headroom.  

Este principio de las consolas analógicas clásicas, se puede aplicar en la mezcla ITB. Siguiendo algunos principios de ajustes de niveles óptimos de estructura de ganancia por supuesto. Podríamos lograrlo tanto en grabación como en mezcla.

Bob Katz y el sistema k-20

En mezcla, en lo que respecta a niveles nominales, existe un conocido sistema llamado  K-20 sugerido por el famoso y prestigioso ingeniero de mastering Bob Katz. Consiste en el uso de un medidor (RMS promedio) en el que el 0 dB está calibrado para caer a 20 dbs menos que el 0 dB digital o Full scale. Por lo tanto cuando la señal marque 0 dB, en realidad está a -20 dBs. También como podemos ver en la gráfica de a continuación existe el sistema K-14 y k-12.

Además si estamos trabajando con el nivel de línea de salida profesional (+4 dBu), vamos a tener que cuando la señal esté en -20 dB estaremos en los +4 dBu. Igual al  0 Vu nivel nominal operativo de mesas analógicas, ecualizadores, compresores, etc

Entonces, como hemos hablado, el sistema K que implantó Bob Katz consta de una referencia de nivel. Se usa en un nivel estandarizado que corresponde, a la zona en la que los oídos son más «planos» en respuesta en frecuencia.

La idea final consiste en ajustar la estructura de ganancia de cada canal en la mezcla para que las señales RMS caigan en K-20 del medidor. Según nuestro ajuste también podríamos querer usar K-14 O K-12. De esta manera, cuando sumemos todas las señales de la mezcla, mantendremos el margen de Headroom suficiente en todo momento, produciendo mezclas mucho mas consistentes y que no estarán sobre comprimidas.

eNTORNO HíbridO analógico-digital

Hoy día muchas personas aún les gusta incorporar equipos analógicos externos en sus configuración DAW. Ya sea a través de sumadores o con insertos de equipos analógicos a través de puntos de inserción en sus interfaces. 

Por ejemplo, yo a menudo uso compresores hardware insertados en canales individuales en mis mezclas en Pro tools. En tales escenarios, trato cada canal de manera similar a como lo haría con mi bus de mezcla estéreo cuidando los niveles. Pero no solo eso, sino también debo tener en cuenta como está enrutado a través de mis convertidores DA y AD.

Una cosa que debes saber es que los medidores de pico de nuestro DAW no captarán ‘picos entre muestras’, donde la forma de onda reconstruida verdadera puede alcanzar 3dB o más por encima de 0dBFS. Si solo usamos el proyecto con nuestra propia interfaz, no es un problema porque deberíamos poder escuchar un problema si lo hubiera. Pero imagina que compartimos nuestro proyecto Pro tools con algún compañero de banda o con cualquier otra persona…

Estudio La Joya

Suma analógica

La mayoría de los convertidores profesionales están diseñados para producir +24dBu para una señal 0dBFS. Este es el nivel de corte de la mayoría de los equipos analógicos. Para aquellos que mezclan con niveles altos de mezcla, alrededor de -6dBFS promedio por ejemplo, deben saber esto. El equipo manejará señales que están alrededor de 18dBs más caliente de lo que estaba destinado a hacer frente. Por lo que a menudo sonarán esos equipos mucho más duros, frágiles y tensos. 

Mantener un margen de espacio libre de 20dB en el DAW evita ese problema y no comprometerá el ruido de fondo digital. Todavía sería 95dB más bajo. En otras palabras, está más o menos alineado con el ruido de fondo analógico. Sin embargo, tengamos en cuenta que existe un riesgo inherente al trabajar así.

Si la cadena de monitoreo analógico de nuestro DAW está configurada para señales con un promedio de alrededor de –20dBFS, debemos tener cuidado con nuestros oídos si reproducimos una pista masterizada con un pico de 0dBFS. 

Por esta razón, es muy recomendable tener siempre un controlador de monitores de buena calidad en nuestro estudio.

Establecer faders de manera optima

Los faders en nuestro DAW están diseñados para tener una mayor ‘resolución’ alrededor de la posición ¨ganancia de unidad¨. (Posición predeterminada de los fader en cualquier DAW ). Los pequeños movimientos de cada fader en esta zona de 0 producen pequeños cambios de ganancia. Mientras, en otras partes de todo el recorrido, pequeños movimientos de fader producen mayores cambios de dbs de ganancia.

Por eso si mezclamos automatizando nuestros faders, el objetivo inicial (en mi opinión) debería ser el de trabajar hacia un equilibrio de mezcla estática. Todos los faders deben estar alrededor de la posición de ganancia de unidad. Esto nos dará un mayor control cuando necesitemos ajustar a medida que avanza la mezcla.

Para hacerlo, descubrí un truco que te comparto. Se trata de que cuando comencemos a establecer los niveles de entrada, lo hagamos con todos los faders alrededor de -6dB. ¿Por qué -6dB? A medida que avanza la mezcla, a menudo tendremos que automatizar alguna pista aumentado su ganancia. Lo que significa que cuando apliquemos esos pequeños aumentos, nuestro faders aún estarán justo en la zona donde son más controlables. 

Para terminar

Comprender cómo administrar la estructura de ganancia podría marcar una gran diferencia en la calidad de nuestros trabajos en el estudio. Evitar estos errores fundamentales por desconocimiento al principio de nuestras carreras, nos ahorrará innumerables momentos de frustración y de dolores de cabeza a medida que agarramos experiencia con los años.

Espero que este articulo te haya sido de utilidad

¡Hasta la próxima!  

Fuente: 7 notas de estudio y Sound the Sound

SSL duality. La reina desglosada

SSL Duality es la mesa analógica insignia de formato grande de Solid State desde su presentación en la 121a Exposición AES 2006. Esta SSL no solo combina el legado clásico analógico Legacy E, G y K con componentes claves de la serie AWS, sino que también interactúa directamente con un sistema DAW conectado. Se podría decir que la SSL Duality es 2 en 1 (controlador DAW y mesa Analógica multifunción). Como controladora DAW, funciona con todos los DAW utilizando el protocolo de emulación HUI y Mackie Control Universal (MCU).

Estudio FJR

Por años ha sido y es el estándar de los estudios de grabación modernos de los últimos 15 años. Infinitamente flexible para cualquier metodología de trabajo actual. Puedes grabar utilizando el sistema DAW como controlador y cambiar a la suma analógica en cualquier momento. Procesamiento analógico, automatización y Total Recall ™. ¿Que mas pedir por los entornos híbridos de hoy en día?

Hablemos de la SSL Duality

La SSL duality la podemos encontrar en cuatro tipos de formatos posibles. 24, 48, 72 y 96 canales.  El lado puramente analógico de su diseño tiene el afamado SuperAnalogue de las anteriores exitosas mesas de la serie XL 9000K.

La sección de preamplificador de micrófono se compone con la unidad armónica (VHD). Para el quien no lo conozca, el VHD emula la distorsión de segundo orden armónico (válvulas) o del tercer orden armónico (transistor). Puedes combinar la cantidad necesaria utilizando los controles de entrada tanto en canal de micro como en canal de linea. En su parte digital dispone de pantallas de tipo TFT por cada módulo de 8 fader ya encontrada en las características de la serie AWS 900+ SE

SSL Duality

Esta es una mesa de tipo «plug-and-play». El modelo de 48 canales consume menos de 15 amperios en un solo circuito de 110 VCA. Eso es aproximadamente el 35% de potencia total que requería las mesas clásicas del pasado haciéndola muchísimo mas eficiente en costes por gasto de electricidad.

Los conectores en la parte trasera de la SSL duality son de tipo XLR. Se utilizan para entradas de micrófono / línea, salidas del sistema monitor / cue, estéreo externo y fuentes de monitorización 5.1. Las salidas de buses se hace a través de conectores de tipo DB-25. Incluye 16 puertos MIDI que proporciona interfaz de controlador de tipo HUI o Mackie además de rutas MTC / MMC. También te encontrarás un conector RJ45 con conectividad Ethernet 100baseT y su propia dirección IP para acceso a la red.

Sección central de la Duality

La sección central cuenta con un panel de medidores para 3 sub-master estéreo llamados A, B y C, 24 buses de linea y 4 envíos de efectos. También hay tres grandes medidores de VU para los niveles L / R y correlación de fase.

La sección Audio Master Control incluye 24 submasters de bus con solo AFL, canales de retorno de efectos estéreo, controles maestros de envío de cue y efecto, tono de pizarra e inyección de talkback, pliegue y controles de salida de auriculares.

Interface Editor

La interfaz del Editor utiliza una pantalla TFT más pequeña insertada y tiene una función similar a la de la mesa AWS 900+. También esta pantalla funciona como interfaz visual para el Total Recall y automatización de fader / mute. Tanto Total Recall como Automation funcionan igual que en la serie AWS. La única diferencia es contar con las diferentes pantalla TFT que facilita el trabajo haciendo que los recall sean más rápidos.

Fader Master

El Master Fader es una unidad motorizada de 100 mm de tacto muy suave. El fader maestro utiliza tres convertidores digitales / analógicos multiplicadores (MDAC) de 12 bits (resolución total de 36 bits) para controlar los tres buses sub-master estéreo. Los MDAC se utilizan en Duality para controlar el audio analógico. Un MDAC contiene resistencias lineales conmutadas (atenuadores pasivos) que no presentan ninguno artefacto negativo sonoro encontrados comúnmente en los VCA de mesas clásicas.

Los ocho faders de grupo funcionan como maestro / esclavo como en modo Fader Link donde la actividad del fader sigue con los otros faders vinculados. Por último incluye una bola de tipo mouse para manejarte en el DAW que funciona muy bien.

El panel de enrutamiento central controla y configura todos los canales disponibles . Puede permanecer en el «punto óptimo de escucha y evaluar posibles cambios críticos en el procesamiento de tu mezcla. El enrutamiento central también establece los buses 1 a 24 o las salidas directas.

Salida principal

La función de salida principal controla los tres buses estéreo que también funcionan como un solo bus surround 5.1. La mezcla A, B y C que hablábamos antes, se representan en una misma matriz. Cada par de bus estéreo tiene su punto de inserción donde puedes elegir que sea antes o después del fader maestro. También puedes elegir qué par estéreo se van a comprimir y / o sumar en la salida maestra. Todas estas capacidades te dan libertad absoluta para ser realmente creativo en todo tipos de procesamientos en diferentes buses según las necesidades que puedas encontrar en una mezcla.

Bus Compressor

El compresor Main Bus usa el único VCA en Duality porque es el mismo diseño que se encuentra en la mesa clásica SSL4000. Puedes elegir usarlo en todos los buses estéreo que quieras. También existe la opción de puedas incluir cadena lateral ( side-chain).

Monitoreo

La perilla grande del monitor tiene una lectura digital para calibrarla usando un generador de ruido rosa / blanco incorporado. Hay tres modos de tipo de monitoreo en la mesa: mono, estéreo y 5.1 con hasta dos opciones de monitor estéreo y dos de altavoces 5.1. 

Las opciones de monitoreo incluyen Dim y Cut, dos insertos separados y la capacidad de monitorear altavoces alternativos tanto para el LCR principal como para las unidades envolventes mientras se mantienen los monitores envolventes existentes. Puedes gestionar completamente los graves que incluye en tu sistema de altavoces. Puedes modificar la frecuencias cruzadas LFE seleccionable y forma de filtro si tienes un subgraves alternativo.

CHANNEL STRIP

En una SSL Duality de 48 canales te encuentras con ocho pantallas TFT, cada una de ellas muestran la configuración de un grupo de seis canales de la mesa. Cuando se selecciona un Channel Strip en Central Routing, la sección de ese canal en el TFT se resalta. La asignación de bus estéreo y multipista, el nivel de VU, el nivel de fader de automatización y el estado de pista DAW asociado (Seleccionado, Grabar o Editar) siempre están visibles en la pantalla.

Los medidores LED utilizados en las secciones dinámicas de las series K, G y E se reemplazan por versiones más grandes y de mayor resolución en el TFT. Las pantallas también nos muestran el orden de enrutamiento de la cadena de señal y cualquier procesamiento activo en ambas rutas. Contamos con la función Eyeconix que ofrece una biblioteca de imágenes para sustituir los nombres de las pistas si queremos con lo que facilitaría la visualización. 

EL VHD ™

En la parte superior de cada canal está la sección de entrada y VHD (Variación Harmony Drive) Esto es un preamplificador de micrófono inteligente además del preamplificador de micrófono SuperAnalogue ™. El VHD emula la distorsión del 2º armónico (válvula) o del 3º armónico (transistor). Esto es un plus para calentar señales frías al gusto. 

Dinámicas y EQ

La sección Dynamics es idéntica a la serie 9000K y también se encuentra en la gama XLogic de procesadores externos de SSL. El Gate / Expander utiliza un diseño de tres controles con opción de puerta empinada o pendiente de expansión suave y ataque rápido opcional. La función Hold cambia el tiempo de liberación variable a fijo pero con retención variable.

A continuación se encuentran los filtros de paso bajo de 18dB / oct de tercer orden y los filtros de paso bajo de 12dB / oct de segundo orden seguidos del ecualizador paramétrico de cuatro bandas basado en el ecualizador Black Knob SL4000E. Existe el botón G que cambia el EQ de la serie E a el EQ de la serie G. Esta última es conocida especialment por sus curvas más pronunciadas y su sección Q proporcional de rango medio. Hay ciertos ingeniero que le gustan mas la serie G cuando quieren que algo corte en la mezcla. Lo usan digamos en frecuencias de 5 khz para arriba y de 300 hz hacia abajo.

Paronama

La panoramización de canales en Duality se logra usando los mandos L / R, Focus y LFE. La perilla de enfoque varía continuamente el desplazamiento panorámico entre imágenes fantasma L / R y el desplazamiento panorámico LCR duro. 

En la parte inferior del canal está el controlador rotativo D-Pot y un fader de motor de canal de 100 mm. Normalmente, el D-Pot y sus botones Cut y Solo son para reproducción DAW cuando desea utilizar el fader de 100 mm para montar niveles de grabación de micrófono en el DAW. Los D-Pots también se pueden usar para el nivel de grabación de canales analógicos si desea usar el fader para la reproducción DAW. 

EXPERIENCIAS RECOGIDAs DE UN USUARIO HABITUAL DE LA SSL DUALITY

Con una curva de aprendizaje mínima, mezclar Duality es muy sencillo; Al igual que un 9000K, todo sucede de la mejor manera sonora. El EQ E Series predeterminado funciona igual que siempre: excelente el 99 por ciento del tiempo. Ese EQ es el sonido de SSL que siempre me ha gustado: puede ser agresivo o suave. El modo G EQ aplicado a una pista de tom-tom hizo que sobresaliera de la mezcla de batería a la que había asignado cuatro canales analógicos.

En los canales kick y snare, la compuerta y el compresor funcionaron mejor que un 9000K porque pude leer los medidores con mayor precisión en los TFT. El «traqueteo» de la puerta, es decir, cuando la puerta salta rápidamente entre estar abierto y cerrado, es una de mis manías. Por lo general, entro en la página de edición de Pro Tool y corto / fundido cruzado las pistas de tom-tom si tengo un derrame excesivo de platillos en ellas. El nuevo esquema de umbral asimétrico de la puerta es un ganador para mí para toms y ruidosas pistas de amplificador de guitarra: es como un agente inteligente trabajando para usted, manteniendo la puerta funcionando sin problemas. Me gusta especialmente toda la medición visible. Los 24 niveles de salida DAW analógicos que se muestran en el lado izquierdo y los 24 niveles de pista DAW en el lado del controlador son mucho mejores que intentar seleccionarlos en la ventana del Mezclador Pro Tools. 

El VHD en práctica

Usando VHD, seleccioné Drive In y terminé la ganancia del preamplificador de micrófono para poner ese canal en una fuerte sobrecarga. Después de retroceder la perilla del canal para poder A / B a niveles comparables, me vendieron. El VHD suena especialmente bien en el bajo y las guitarras eléctricas para agregar más «cabello». Usé VHD en guitarras DI: eliminé los complementos del simulador de amplificador de guitarra que tenía en Pro Tools ya que VHD sonaba mejor en este caso.

El protocolo HUI proporciona acceso a bancos de hasta 32 canales, y tuve acceso a todos los canales de Pro Tools (65 en total) y devoluciones de efectos simplemente cambiando los bancos de esos 24 canales de controlador usando el botón de flecha izquierda / derecha en el panel de control maestro.

También me gustó que todos los botones Solo sigan su propósito exacto. Solo en el lado del controlador solo en Pro Tools mientras que solo en el lado analógico solo en la consola – ¡dulce! Ser inmediatamente capaz de escuchar la diferencia entre las pistas panorámicas LCR o phantom L / R es algo sin lo que no debería faltar el mezclador / productor de sonido envolvente. También me gustó el control LFE Blend. Puede mirar el medidor LFE VU y agregar una pista al bus LFE y ver si esa pista tiene alguna información (por debajo de 80 Hz) para contribuir. Si no, no usaría la mezcla LFE para esa pista.

POR ULTIMO

La SSL Duality abastece a la generación actual DAW de creadores de música con su capa de controlador inteligente junto con todo un procesamiento de suma analógico clásico. Incorpora lo mejor de la serie C de SSL, AWS y las venerables mesa de las distintas series E, G y K.  Estamos ante una consola analógica moderna con todo lo bueno del pasado y de primer nivel. 

¡ Ojalá algún día pueda tener una ! =)

Fuente – Solid State logic y Revista Mix

Entrenamiento auditivo. Tu mejor arma

Los tiempos han cambiado desde hace años en la forma de hacer música y producir música. La evolución de los llamados home-studios llegó para quedarse desde hace varios años atrás siendo esta, aún mas gigante día tras día. Lo que antes era un lujo para muchos músicos o productores hoy en día ya no lo es. Con un poco de entrenamiento y una pequeña inversión puedes tener un espacio donde dar rienda suelta a tu creatividad musical. Estos espacios además ya no solamente es un lugar dedicados solamente para ingenieros, se ha vuelto una herramienta más para todo tipo de compositores, artistas, cantautores y arreglistas.

Pero una cosa a tener muy en cuenta es que no solamente nos podemos alimentar de nuestra enseñanza musical o experiencia musical en nuestro espacio. Para mantenernos relevantes en un mundo tan competitivo como el de hoy y estar a la altura de las demandas del mundo del audio, es esencial el entrenamiento auditivo del oído. Esto es la clave para volverte un gran profesional del sector.

Entrenamiento Auditivo

Entrenamiento Auditivo

Como antes hablaba cada día más y más gente tiene la posibilidad de tener un home-studio en casa. Una cosa que ocurre de manera habitual a la gente que se dedican al audio, es el llamado popularmente SAE (síndrome de adquisición de equipo). Esto nos ha echo por mucho tiempo hacernos olvidar que la herramienta mas importante en un estudio o home-studio somos nosotros mismo y nuestros oídos.

Desde que maduré como profesional no hay tarea que haga en el día mas principal que no sea el entrenamiento auditivo. ¿Por qué? Porque al igual que nos alimentamos para mantenernos saludables y nutridos, nuestra mayor herramienta de trabajo ¨nuestro oido¨ también se debe nutrir y educar cada día.

Seminario Online

Hace unas semanas estuve haciendo un seminario en linea con uno de los mejores ingenieros de sonido de la actualidad ( Toni Maserati ). Para quien no lo conozca, Toni es un productor e ingeniero estadounidense que ha trabajado con muchos de los artistas mas relevantes del panorama musical. Entre ellos Lady GagaBeyoncéJason MrazJames BrownMariah CareyThe Notorious B.I.G.Black Eyed PeasDestiny’s ChilgR.KellyJennifer LopezRicky MartinPuff Daddy y Tupac Shakur. Sus trabajos han vendido más de cien millones de unidades a nivel mundial.

Tips de entrenamiento de Toni Maserati

Bien, aprendí de él ciertas técnicas de mezcla que emplea según género musical. También su flujo y organigrama de trabajo. El como se prepara ante un nuevo proyecto musical y algunas pautas de como hacer un correcto entrenamiento auditivo. Entre ellas hablaba de cosas como:

  • Identificar los instrumentos existentes en el panorama
  • Escuchar las distintas voces y armonías empleadas
  • Efectos en voces, efectos en instrumentos 
  • ¿Que tipo de ecualización encuentras en cada instrumentos? 
  • Analiza el arreglo de guitarras entre sección dos y sección donde el piano entra por la derecha en el compás 3. 
  • ¿Como de larga son las distintas reverb? ¿Cuantas y de que tipo tenemos en la mezcla?
  • ¿Como suena el piano junto con la voz? ¿Punzante? ¿Suena duro? ¿Como corta en la mezcla?
  • ¿Los efectos cambian y varían a lo largo de las mezclas? ¿La energía y la textura de cada elemento cambian a lo largo de la mezcla? Ecualizacion con efectos, saturación, etc

Una sesión de entrenamiento práctica no es una sesión de mezcla. Una práctica es que tu dediques tiempo intentado identificar ideas que puedas luego utilizar en una mezcla o una sesión de overdub. Una sesión de práctica es muy distinto a una sesión de mezcla. Tiene que ver mucho con el entrenamiento auditivo. 

Toni Maserati

¿Como entrenar tu oído?

Quizás todos estos apuntes pueden ser difícil ponerlos en marcha si un entrenamiento previo auditivo. Realmente por encima de todo, el oído se desarrolla con el paso de los años. No hay mas verdad que esa. Aunque bien es cierto que se puede acelerar el proceso con constancia y trabajo con una de las herramientas mas innovadoras que he conocido en los últimos años.

Hace ya un tiempo conocí la plataforma PRO AUDIO MASTER CLASSES. Decidí comenzar a estudiar en linea en ella. Al principio tenía mis dudas de si iba a ser capaz de ser constante, si tendría resultados a corto, medio o largo plazo, si iba a merecer la pena la compra y por ello la dedicación del escaso tiempo que siempre tenía.

Tiempo después me he dado cuenta que no pude tomar mejor decisión. Llegué incluso a lamentar no haberla conocido antes…

Esta plataforma creo que ha echo que consiga resultados mucho muchos mas inmediatos y eficientes que antes. En tiempos donde precisamente el tiempo es oro. Te en cuenta que no es un proceso rápido de dos días. Me hice una disciplina de trabajo con ella cada día. Con el tiempo y casi por arte de magia mis grabaciones y mis mezclas comenzaron a mejorar. Esto se debe a la seguridad que he ido tomando en mis oídos para ser más eficaz en la toma de decisiones.

Te adjunto el enlace del Test de Entrenamiento Auditivo de forma gratuita.

https://proaudiomasterclasses.com/es/test-de-entrenamiento-auditivo?atid=5

Recuerda siempre que de esta o cualquier forma de entrenamiento auditivo que hagas lo más importante es ser constante. Esa y solamente esa es la CLAVE DEL EXITO.

¡ Feliz inicio de semana !

SSL 9000J. La mesa analógica que se convirtío Plugin

En la década de 1980 y 1990 se encontraban entre las mesas de gran formato la afamada  SSL 4000 en sus series E y G. Estas fueron de las mesas analógicas mas exitosas jamas diseñadas de la historia con un carácter muy definido. Se convirtieron en una pieza clave para el desarrollo de algunos de los mejores discos de éxitos de la industria musical.

Un desarrollo constante por parte de la compañía SSL hizo que fueran lanzando los sistemas de la serie 5000, 6000 y 8000. En 1995 entra al mercado la que se convertiría en el nuevo estándar de muchos de los mejores estudios de grabación del mundo.

La SSL 9000J

Solid State Logic 9000J 

Solid State Logic 9000J 

Esta mesa se convertiría rápidamente en el elemento clave del sonido de algunos de los discos de éxito de géneros como el Pop, el Hip Hop, el R&B y la música Orquestal a finales de los años 90 hasta comienzos del nuevo siglo. Una nueva tecnología llamada «SuperAnalogue», patentada por la compañía SSL, dio a esta mesa un sonido de altísima fidelidad. Un sonido que se caracterizaba principalmente por unos graves profundos, unos agudos extremadamente limpios y abiertos, y un ‘Headroom‘ adicional sin distorsiones.

Ingenieros de géneros musicales como el Pop, Hip Hop, el R&B entre otros, con gustos de sonidos mucho más progresistas, encontraron en la SSL 9000J la mesa analógica perfecta. Capaz de emitir sonidos más completos, más limpios, más profundos, más robustos y más brillantes de lo que habían tenido hasta ahora.

Tecnología «SuperAnalogue»

La nueva tecnología implantada en la SSL 9000J y su tecnología «SuperAnalogue», permitió tener un sonido notablemente limpio, grande y abierto. La compañía eliminó por completo el uso de condensadores en la ruta de señal de audio. El nuevo enfoque de producción permitirío que la nueva línea de mesas analógicas, permanecieran mucho mas limpias en rangos de frecuencias que van desde los 5 Hz hasta 500 kHz. 

Los ingenieros de SSL limitaron la SSL 9000J a un ancho de banda de 10Hz – 80kHz

SSL 9000 XL

Además del ancho de banda mejorado, la nueva SSL 9000J agregó una flexibilidad adicional al circuito de EQ. Tenía la capacidad de cambiar entre los modos «E» y «G» de las anteriores y exitosas series. Así, como una sección de dinámica mas desarrolla y varias mejoras en el flujo de trabajo interno. Esto permitió a los ingenieros desarrollar nuevas técnicas de ruteo multibuses.

Después del éxito de la serie J, SSL lanzó un modelo llamado la 9000 «K». En ella mejoraron la automatización y los sistemas informáticos internos. Se incluyó algunos ajustes menores en el circuito de audio. Aunque el sonido «SuperAnalogue» se mantuvo prácticamente igual al de la anterior serie J. Entre las dos versiones puramente analógicas ( 9000J y 9000k ) como hablábamos anteriormente, se hicieron muchos de los discos de más éxito de la década de 1990 y 2000. Especialmente en Hip Hop, R&B y Pop.

La mesa que se convirtió Plugins

Recientemente la compañía Brainworx Audio anunció la disponibilidad de un nuevo plugin. El  bx_console SSL 9000 J. Un plugin que nos trae el sonido característico de la legendaria mesa analógica de gran formato SSL 9000 J Series en manos de usuarios DAW.

Este plugin, ha sido aprobado oficialmente por SSL y contiene la posibilidad de tener hasta 72 TMT diferentes (emulaciones patentadas de tecnología de modelado de tolerancia). Permiten a cualquiera construir una mesa SSL analógica de 72 canales de forma virtual trabajando dentro de su propio DAW. Utilizando los 72 TMT puedes aprovechar toda la potencia de una de las mejores y legendarias mesas británicas jamás producida.

bx_console SSL 9000 J

El bx_console SSL 9000 J de Brainworx se desarrolló utilizando los esquemas originales de la Solid State Logic 9000 J. Se construyó utilizando modelos de componentes en estrecha relación con ingenieros de SSL. El punto clave para conseguir tal emulación exacta, vino por la gran colaboración con el famoso ingeniero de mezclas Michael Brauer. Este ingeniero de reconocido prestigio, ayudó a la compañía Brainworx a desarrollar y hacer coincidir el sonido y el comportamiento del plug-in, de la misma forma que su propia SSL 9000 J.  

Para quien no conoce a Michael Brauer, es uno de los ingenieros mas importantes e influyentes en las nuevas generaciones consiguiendo innumerables discos de oro y platino a lo largo de su dilatada carrera.

En este video podrás encontrar un tutorial completo y desarrollado en profundidad. En mi opinion seguramente sea uno de los mayores aciertos en el desarrollo de emulaciones de plugins que tenemos en la actualidad.

¡Hasta la próxima!

LUNA. El Nuevo DAW de Universal Audio

Luna es el nuevo sistema de grabación presentado por la compañía UniversaL Audio en esta ultima edición de el NAMM 2020 en Los Ángeles ( California). Toda una sorpresa para el sector del audio. Nueva propuesta que nos traen la gente de UAD. Pero, ¿que es realmente Luna? ¿para que tipo de personas está orientado? ¿Debería cambiar de DAW en la actualidad? Es un buen día para que hablemos un poco mas de ello!

Luna Recording System

Luna es un DAW (Estación de trabajo de audio digital) que podrán utilizar aquellos que poseen en sus estudios una interfaces de Universal Audio. Ya sea que poseas cualquiera, de sus versiones de la gama UAD Apollo Twin y Apollo ( solo para Mac ), podrás hacer uso de forma gratuita de LUNA. Actualmente aún no ha sido lanzada, aunque en su web, ya anuncia la compañía que estará disponible en la primavera de 2020.

Esta estrecha integración entre las interfaces Thunderbolt de Universal Audio y el nuevo software, estoy seguro que brindará a los usuarios una experiencia de grabación, mezcla y producción excelente. Con una latencia casi de 0 y un flujo de trabajo de modelado analógico

¿Será una buena opción para mí?

Esta es la gran pregunta que nos hacemos todos los usuarios que cuentan con una interface de Universal Audio actualmente. Yo en mi opinión pienso que hay que tener paciencia. Es muy posible que LUNA no sea tan avanzado como los Daw ya existentes ( Pro tools, Cubase, Logic, Studio One). Aunque realmente en mi interior, sabiendo de lo que es capaz Universal Audio, doy un boto de confianza en las características principales de la suma en mesa de mezclas y la suma en Cinta Analógica virtual a través de sus plugins DSP. Además, contará con algunos famosos instrumentos de forma virtual que seguro que sorprenden. El que como repito, sea de forma gratuita ( usuarios de Interfaces UAD ) es algo, que hace que cuente los minutos para que llegue la primavera.

Lo malo para muchos, es que LUNA no admite superficies de control externas. Es decir, si trabajas con tu controlador en tu DAW actual con protocolo EUCON, Mackie Control o HUI, lamento decirte que no lo podrás utilizar. Esto es un problema para mucha gente y me imagino ( y espero ) que con el tiempo lo puedan solucionar.

¿Que pasa para usuarios que no tenga Interface de Universal Audio?

Según he podido informarme en un foro americano, UAD menciona que funcionará con un iLok para usuarios que no tengan interface de audio de Universal Audio. Esto me hace pensar que lo podrás comprar o puede que te sirva de gancho para poder cambiar tu interface y pasar a una de UAD.

Teniendo en cuenta todo, podemos hacer un balance general de LUNA diciendo que a favor tiene Integración perfecta con hardware UAD, integración virtual de suma en mesa analógica y suma en cinta analógica, nuevos instrumentos virtuales geniales y sobre todo que es GRATIS para propietarios de una interface de Universal Audio.

Por el contra, la no integración con controladoras DAW con protocolos EUCON, Mackie o Hui, que solo sea para Mac ( de momento ) y que sus características, previsiblemente no serán tan avanzadas como los DAW actuales…

Aunque realmente puedo romper una lanza a su favor. No son muchos los años que han pasado desde que apareció en el mercado STUDIO ONE. Al principio, era un DAW muy simple que con el tiempo, se fue desarrollando hasta alcanzar a ser un DAW en miles de estudios de todo el mundo. Con lo que, con este pre-texto se debe tener confianza en lo que trae a la mesa Universal Audio. Por ello son una compañía desde hace años muy innovadora.

No estará disponible hasta la primavera del 2020. Con lo que toca esperar y celebrar esta nueva iniciativa de los chicos de UAD.

PSI Audio A23-m. EL Mejor Monitor de Estudio

Hoy quiero hablar de PSI Audio A23-M. Tener un buen par de monitores de estudio es indispensable junto a una buena acústica en tu entorno para lograr una buena mezcla. De nada te va a servir, como dice el dicho popular ¨comenzar la casa por el tejado¨ comprando equipos caros y mesas de mezclas caras, ni nada por el estilo. Lo primordial en tu entorno de trabajo debe ser la acústica de tu sala mas el sistema de monitores. Por lo que hoy quiero enseñarte el porque pienso que los nuevos PSI AUDIO A23 son el mejor sistema de monitores de estudio del mercado actualmente. Quizás la mejor decisión que puedas tomar a la hora de elegir .

los Mejores monitores del mercado. psi audio a23-m

Todos los ingenieros de audio han buscado desde siempre en sus escuchas algo muy simple. Una herramienta de trabajo que diga la verdad. Que suenen precisos. Suenen bien y cristalinos. Que sea real lo que transmite. Que haga sentirte seguro que si suena bien por ahí, sonará bien en todos los lados donde se escuche tu mezcla. También en el caso de que suenen mal o raro algún elemento sea porque no está bien. Yo te aseguro que estos son lo suficientemente reveladores para hacerte saber donde está el problema o los problemas a resolver. Esto es precisamente lo mejor a destacar en los Psi Audio A23-m.

PSI AUDIO A23-m

estreneno en el namm 2019

En el NAMM Show del año pasado en Anaheim (EE. UU) PSI Audio presentaba el nuevo monitor de tres vías A23-M. Un sistema que vive en mitad de sus hermanos mayores y pequeños. Los modelos A21M y A25M.

La primera novedad es el nuevo controlador de rango medio desarrollado y fabricado por PSI AUDIO en su fabrica de Suiza. Con ello han logrado llegar a un nivel superior. Una reproducción acústica absolutamente precisa. El deflector con tweeter y controlador del rango medio puede girarse en posicionamiento horizontal o vertical. Con ello se puede optimizar su configuración según el tipo de sala que tengas.

Utiliza la tecnología que ha echo a Psi Audio convertirse en uno de los mejores fabricantes del mundo en sistemas de monitores, Entre las característica en ellos están

  • La impendancia de salida adaptiva
  • La respuesta de fase compensada
  • 100% analógicos
  • Amplificadores Clase G / H
  • Calibración individual

La impedancia de salida adaptativa (AOI) controla el movimiento de la membrana en relación con la señal entrante. Esto permite que la reproducción sonora sea excepcionalmente precisa. 

La Respuesta de fase compensada (RCP) asegura de que todos los elementos espectrales de la señal entrante estén alineados en el tiempo. Así te aseguras que no pueda producirse una alteración no deseada del algún elemento de la fuente. 

Cabe destacar que toda esta tecnología es 100% analógica, al igual que los amplificadores de clase G / H que combinan las ventajas de clase AB con una menor distorsión y una mayor eficiencia. 

Psi Audio A23-m

¿Por qué me hice con una pareja de ellos?

Hablando con compañeros del sector, siempre ha salido los comentarios sobre su precio,. Y llevaban toda razón. La inversión por una pareja de ellos puede ser perfectamente casi la misma que la compra de un coche nuevo. Lo único es que debes saber que un coche (a no ser que seas taxista) solamente va a quitarte dinero de tu bolsillo con su mantenimiento. Una pareja de monitores de estas características, va a hacer que te sea mas fácil conseguir mejores resultados en tus trabajos. Con lo que eso te proporcionará mas clientes .Eso te hará tener un mejor flujo de ingresos y por ello tu negocio irá mejor.

Aún así, te sugiero siempre que los pruebes y los escuches. Solamente así entenderás su costo. Yo lo hice hasta en 3 ocasiones para poder decidirme por su alto valor. Aunque prácticamente en la primera prueba me di cuenta que los querría. Que no iba a encontrar, por mucho que buscara, nada que fuera mejor.

Son los monitores de estudio mas perfectos que existen en la actualidad en el mercado.

Otra cosa y por lo que me declaro fan absoluto de PSI Audio es que cualquiera de los monitores de su linea suenan muy bien y muy parecidos entre ellos. Yo comencé con los pequeños PSI Audio A14M. Me sorprendieron la primera vez que los escuché. Fue en PKO STUDIOS de Madrid.

En resumen

No puedo recomendarte nada mejor si tienes un pequeño home-studio. Cuando los ves por primera vez, te llaman la atención por lo pequeños que son. Luego cuando los escuchas, no te puedes creer lo bien que rinden en todas las frecuencias y como suenan pese a su tamaño. Y es que Psi Audio utiliza la misma tecnología en toda su linea de monitores.

Psi Audio A14m

Si quieres dar un paso importante en tu estudio en lo que se refiere a monitores, hazte un favor y busca la forma de escucharlos antes de tomar una decisión de compra. Yo lo hice y aquí estoy, con mis pequeños A14m y mis nuevos Psi Audio A23m mas feliz que nunca

¡ Hasta pronto !

Diseño Salas De Estudio De Grabación. Parte 2

Salas de tipo Non.Environment ( Tom Hideley. 1980 )

Esta filosofía de diseño de salas de estudio fue desarrollada por Tom Hidley a mediados de los años 80. El principal objetivo de esta filosofía es proveer unas condiciones de escucha lo mas cercana posible a lo que se conseguirían en campo libre. Estos tipos de salas además permiten reducir el tiempo de decaimiento de las reflexiones hasta el punto que es posible percibir muchos defectos en las grabaciones de manera fácil.

En la foto que os comparto podemos ver un plano de una sala tipo Environment. Tanto las paredes laterales como las traseras están formadas por sistemas absorbentes de banda ancha compuestos por famosos Hangers. Las pared ademas frontal y el suelo son totalmente reflectantes.

En los dibujos ( A) y ( B ) podemos ver como existen dos posibles opciones funcionales de pared trasera absorbente. Los hangers pueden estar dispuestos en posición horizontal o vertical. 

También si te fijas los paneles del techo están dispuestos de tal forma que apuntan directamente a la emisión de los monitores empotrados a la pared. 

Criterios 

Salvo por el suelo y por algún equipo dispuesto en el interior de la habitación, los monitores emiten hacia una superficie semi-anecoica. Los problemas que nos puedan producir la mesa de mezclas o cualquier otro equipo que se encuentre en el camino puede ser fácilmente resuelto proporcionando una angulación apropiada a estos equipos de manera que las reflexiones sean redireccionadas hacia posiciones lejanas del punto central de escucha. 

Uno de los puntos que destacan sobre los demás en este estilo de diseño es que consigue una gran uniformidad entre estudios de distintos tamaños aunque lo peor es que su construcción es bastante cara debido a la gran cantidad de materiales necesarios para poderse construir. 

Clear Track Productions
Otras cualidades 

Otra de las cualidades de este filosofía de sala es que las habitaciones tienen una gran absorción en altas y medias frecuencias. Por otro lado, la absorción en medias-bajas y  y bajas se consigue con la construcción de laberintos acústicos a través de los cuales la ondas guiadas y difundidas. Al final de estos conductos se instala un resonador de membrana que es un material muy pesado que ataca de forma directa las frecuencias muy bajas.

Como ves en esta foto, se crea una estructura a base de listones de madera sobre el cual se monta todo el sistema. La parte exterior de esta estructura va cerrada con placas de yeso laminado creando el cerramiento de aislamiento del estudio.

Sobre los listones se pone una lamina de PKB2 que es una lámina de compuesto pesado y una capa de material absorbente pesado con la cara textil hacia el interior del recinto. Al estar sellado sobre la estructura de madera y tener un hueco de aire sobre este material este sistema se comporta como un resonador de membrana atacando la muy baja frecuencia. A continuación, se instala los Hangers de los cuales están compuestos por un panel de madera con PKB2 en uno de sus lados y material absorbente poroso por el otro. Estos son colgados de la estructura de madera con cadenas o cuerdas. Finalmente se cierra la cara vista de esta pared con tela.

Salas LEDE. Davis ( 1981 )

la idea básica del diseño de las sala Lede, consiste en evitar que lleguen al punto de escucha reflexiones con un nivel tan alto que puedan crear el típico efecto filtro de peine que se produce cuando a una señal se le suma una réplica retardada. 

Cuanto menor es la diferencia entre los caminos que recorren el sonido directo y el reflejado, menor será el retardo entre ambos. Por el contrario, cuanto mayor sea la diferencia de llegada entre el sonido directo y el reflejado, menores serán los intervalos a los cuales se producen cancelaciones. Esto producirá que tengamos más cancelaciones en un espacio menor del eje de frecuencias.

Esto llevó a Davis a proponer una sala de control con la parte delantera muy absorbente y la trasera muy poco absorbente y difusa. Así, por un lado evitaría las reflexiones de primer orden y por otro conseguiría una sonoridad dentro del recinto igual que si estuviéramos en un recinto de grande dimensiones cumpliendo el objetivo propuesto por BERANEK de conseguir un ITD ( Initial Time Delay ) de tan solo 20 ms.

Un concepto a tener en cuenta de este tipo de diseños es que cuanto mayor sea el ITD del recinto, mayor sensación de especialidad tendremos dentro de éste. 

Peter D´Antonio y JOHN h. kONNERT

A mediados de los 80 Peter D´Antonio y JOHN h. kONNERT mejoran el concepto LEDE gracias a los avances en el campo de la difusión y a la supresión de la parte delantera totalmente absorbente introduciendo el nuevo concepto RFZ ( Reflexion Free Zone )

En este caso el concepto consiste en direccionar las primeras reflexiones que se producirán en la parte delantera del recinto mediante el direccionamiento con superficies reflectoras ala parte de atrás de la sala donde se encontrarán instalados unos difusores que permitirán reducir la energía y crear un campo difuso. 

Las paredes encargadas de direccionar  las reflexiones estarán compuestas de materiales ligeros ( madera, placas de yeso ) 

Consideraciones salas Lede

  • Recinto con paredes duras y asimétricas con el fin de minimizar los modos propios del recinto. 
  • Recinto interior simétrico. La frecuencia de cruce entre el interior del recinto y el exterior podrá calcularse con la siguiente formula

Fc = 3C /Dmin [ HZ ] siendo C la velocidad de sonido en el aire y Dmin la dimensión mas pequeña del recinto. 

  • Deberá haber un camino anecoico entre los altavoces y los oídos del técnico. Deberá cumplir que el ITD del control será por lo menos de
  • 2 a 5 ms mas que el ITD del estudio.
  • Deberá haber un campo altamente difuso y este deberá llegar a nuestros oídos teniendo en cuenta el camino recorrido desde la parte de atrás de los monitores hasta los oídos 
  • El sonido muy temprano ( EES) no deberá estar presente. Con ESS se refieren al sonido que llega a los oídos con el técnico. Este efecto se produce cuando los monitores  no están instalados en el interior de la pared frontal. 
  • La pared dura trasera, las traseras laterales y la parte de atrás del techo deberán estar espaciadas de tal forma que las reflexiones que se generen en esta zona deberán proporcionar un patrón de filtro de peine tan complejo que las posibles anomalías no sean medibles. 
  • Demostración mediante medidas ETC de que el ITD de la sala de control en el punto de escucha es de 3ms superior al ITD de la sala de grabación.     

Para terminar  

Estas quizás sean las salas mas conocidas dentro de las distintas filosofías de sala de diseños de estudio. He decir que toda esta información la encontré en una tesis del ingeniero acústico Manuel Vazquez Rosado donde me ha ayudado a conocer un poco mejor un mundo tan dicicil pero a la vez tan ser fácil cuando comprendes la importancia de la acústica. 

Compresión en el MixBus. ¿Como lo usan los Master?

CLA

Como aspirantes a ingenieros de audio tenemos siempre que estar a la vanguardia de tomar nuevos conocimientos y aprender nuevas técnicas de mezcla. Conocer como trabajan los Master es una realidad  a través de plataformas como With mix de master o Puremix. Unas de las técnicas que mas énfasis he puesto en aprender ha sido siempre la compresión en el mixbus. Sorprendentemente para mí fue algo único descubrir el gran potencial que tenía esta técnica, además de la diversidad de formas que existen de como utilizarla.

  • ¿En que punto de la cadena del mixbus debe de ir el compresor?
  • ¿Que ajustes debemos tener en ataque, threshold, release?
  • ¿ Cuantos db debo estar reduciendo ?
  • En que punto de la mezcla insertar el compresor, ¿al principio o al final?
  • ¿Qué compresor es el que mejor funcionará?

Son preguntas muy comunes que se nos puede plantear de la compresión en el mixbus. He visto que al final siempre lo que vale es el resultado final y que las cosas en el mundo del audio se pueden hacer de muchas maneras. Esa quizás pueda ser la magia de la mezcla. El poder llegar a un mismo resultado de distintas formas con procesamientos y maneras creativas muy diferentes. Con lo que me ha parecido buena idea recopilar información de los mejores ingenieros de mezclas actuales. Es por eso que en el capítulo de hoy te traigo Compresión en el Mixbus. ¿ Como lo usan los master ?

 Chris Lord Alge

CLA: “El MixBuss está ahí mantener la mezcla bajo control. Ahora estoy utilizando el compresor Focusrite Red, reduciendo entre 2 y 3dB con una proporción de 1:5:1. Así que realmente no es mucha compresión. Solamente está ahí para controlar y soportar la mezcla. Sinceramente no soy muy pesado de mano con la compresión en el mixbuss.”

“El compresor Focusrite Red se enfoca mucho en las frecuencias medias, lo que me permite tener muy buen control sobre ellas.”

Focusrite Red 3

Cuando CLA comenzaba cómo ingeniero de mezcla profesional, el utilizaba el compresor SSL Buss Compressor que venía ya integrado en su consola SSL 4000. Y comentaba un poco acerca de esto:

“Con el compresor SSL encontré unos ajustes que me gustaron y siempre los dejo establecidos de la misma manera, independientemente de el material con el que esté trabajando. Si no me gusta el sonido de compresión, cambio a otro compresor. Pero generalmente el ajuste que siempre tengo es: Ataque en 10ms, Release en Auto, Ratio 4:1 y ajusto el threshold hasta que vea 4dB de compresión en el punto más dinámico de la canción.”

Greg Wells

Greg Wells es músico, compositor, productor e ingeniero de mezcla Canadiense con más de 85 millones de unidades vendidas por todas sus colaboraciones con artistas de la talla de Katy Perry, Adele, Pharrell Williams, Kelly Clarkson, One Republic, entre muchos otros.

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Shadow Hills Mastering Compressor

“Yo dependo enormemente de la compresión en el mixbuss, me gusta escuchar cómo todo reacciona a la par con el compresor.”

“Una de las claves de mis mezclas a la hora de utilizar compresión en el mixbuss es que utilizo dos compresores por separado, uno lo utilizo exclusivamente para toda la instrumentación y el otro lo utilizo exclusivamente para las voces. Esto lo hago porque generalmente cuando llega el momento de el último coro donde toda la canción es mucho más dinámica, las voces siempre tendían a sonar muy comprimidas, con este concepto ya jamás me sucede esto.”

“El compresor del mixbuss del cuál estoy enamorado desde hace 4 años es el Shadow Hills Mastering Compressor”

“Lo pongo en el mixbuss con un poco de compresión óptica y compresión más liberal en el modo VCA. También activo el Sidechain para mantener todos los bajos. Los tiempos de ataque son el modo más lento y el release en lo más rápido posible con una proporción de 2:1. En cuestión a los diferentes modos de saturación me gusta escuchar los 3 hasta que encuentre el que mejor se adapte a la mezcla.

Dave Pensado

Dave es uno de los ingenieros de mezcla más famosos de hoy en día por su programa/show Pensado’s Place

” Rara vez hago algo para agregar color en el mixbuss. A mi me enseñaron que poner cosas en el mixbuss es una excusa por no haber hecho algo antes en la cadena de procesamiento. Si tienes que agregar mucho de lo que sea en el mixbuss, entonces probablemente no hayas trabajado lo suficiente en los elementos individuales. Para mi, 1 dB está muy bien, pero siempre trato de mantener la compresión mínima. El compresor que me gusta utilizar es el SSL Buss Compressor con un ataque de 30 ms, Release en .1s y un Ratio de 2:1″

Andrew Sheps

Andrew Scheps  ha trabajado con artistas de la talla de Red Hot Chilli Peppers, Adele, Ziggy Marley, Metallica, Zac Brown Band, entre muchos otros. Si te fijas, toda una diversidad de estilos. Hoy en dia la versatilidad es un aspecto fundamental para un ingeniero de mezcla. Andrew comentaba esto en relación a la compresión en el mixbus.

“Por años utilicé los compresores 2264 de Neve que venían integrados en mi consola y el Neve 33609 es un compresor que supuestamente es idéntico a los 2264. Para mi nunca ha sonado igual pero tiene el mismo carácter, entonces usualmente si comprimo la mezcla ese es el compresor que utilizo.”

Neve 33609

“Usualmente estoy utilizando la versión del 33609 de UAD cómo mi compresor en el mixbuss, si es que estoy comprimiendo la mezcla, y a veces también utilizo algún otro si es que no está sonando como yo quiero. Este compresor tiene un carácter bastante definido, entonces si no me gusta a veces recurro al compresor de SSL o incluso hasta el de fábrica de Avid porque puedes ajustar todos los parámetros!”

“Si estoy utilizando la compresión con el 33609 generalmente si está habiendo una buena cantidad de compresión. No se si realmente dependa de ese compresor para que mi mezcla sobreviva, pero ciertamente lo utilizo. En cuestión a los ajustes que me gusta utilizar, me gusta tener una proporción de 1:5:1 con el tiempo de recuperación más rápido en 100 ms y una reducción de ganancia de alrededor de 4dB.”

 Tony Maserati

Es un ingeniero de audio Americano que ha trabajado con muchos artistas populares incluyendo Lady Gaga, Beyoncé, Jason Mraz, Jennifer Lopez, Ricky Martin, Tupac, Puff Daddy, etc.

Su trabajos ha cosechado ventas mundiales en alrededor 100 millones de unidades. El habla esto sobre la compresión en el mixbus.

“Para la compresión en el mix bus siempre utilizo mi Shadow Hills Mastering Compressor en el ajuste de Discrete y modo Nickel con una proporción de 2:1. El ataque lo tengo en el tiempo más lento y la liberación/release lo tengo en el tiempo más rápido

Joe Chiccarelli

Joe Chiccarelli es nacido Boston, Massachusetts, USA y  ha estado activo desde los 80’s. Ha producido discos de Counting Crows, My Morning Jacket, Minus the Bear, Oingo Boingo, entre otros. Respecto a la compresión en el mixbuss dice:

SMART RESEARCH C2

“Me gusta utilizar siempre en mi compresión en el mixbuss el  COMPRESOR SMART RESEARCH C2 con una proporción de 4:1 un tiempo de ataque de 3ms y un tiempo de liberación en ‘automático.”

“Siempre intento mezclar a través de la consola y utilizar equipo analógico, pero cuando necesito mezclar in the box siempre recurro a los plugins de UAD, creo que estos se acercan mucho a sus contrapartes originales, a veces hasta suenan mejor, pero aún así siempre intento utilizar algo de equipo analógico, en este caso el compresor en el mixbuss.”

Para Terminar

Muchas gracias por haber leído hasta aquí y deseo que estos conocimientos sean de gran provecho para ti. Nos vemos en el próximo capítulo.

Feliz comienzo de semana.

Andrew Sheps – Joe Chiccarelli – Tony Maserati

 

Dave Pensado – Grew Wells – Chris Lord Alge

Producción de Tomas Vocales Top

Después de haberme ausentado algunos dias retomo con mas fuerza que nunca hablando de un tema de los más importantes dentro de la Producción Musical. Uno de los trabajos mas importante para todo productor es llevar una correcta dirección de la grabación de las voces. Reconozcamos que 9 de 10 veces suele ser el instrumento mas importante dentro de una producción de músical. Muchas veces nos centramos demasiado en otros aspectos de la producción, edición o mezcla que nos hace perder el enfoque del elemento principal. El momento de grabar las voces y cual es la forma adecuada en cada ocasión. Es por eso que hoy te traigo algunos tips que te ayudará a tener unas tomas vocales increíbles y dignas de cualquier producción de miles de euros/dólares. Sin más os dejo con el tema de hoy Producción de Tomas Vocales Top. 

Sergio Dalma y Chenoa
Sergio Dalma & Chenoa Recording

La Voz. Lo más importante

Como antes hablábamos, lo mas normal en las canciones que escuchamos todos los dias en la radio y televisión es que la voz en esa producción sea el elemento principal. La letra es un elemento muy importante debido que es la parte que traduce el mensaje de la canción. En ella se basa toda la producción musical en la que estamos trabajando. Las voces y la letra tienden a hacer que el oyente recuerde la canción un dia y otro. Por eso es que el productor debe centrarse siempre y poner mas atención que nunca en la voz. Hablemos de varios trucos que he ido coguiendo de grandes productores que hacen que sus producciones musicales cuenten con un toque totalmente profesional en los distintos track de voces.

Preparar al Vocalista

  • Hora de grabar: Antes de entrar a grabar, el cantante debe de estar preparado física y mentalmente para dar lo mejor de sí mismo. Mi recomendación siempre es que mejor estas tomas hacerlas por la tarde o noche. La voz no está por la mañanas igual además de que las cuerdas vocales no estarán en su total plenitud.
  • Cuidados de Garganta: Siempre debes estar atento al cantante recomendándole que se hidrate bien sus cuerdas vocales. Una de mis recomendaciones es beber un poco de zumo de limón natural con miel.
  • El Calentamiento: El cantante debe siempre calentar la voz por lo menos durante 15-20 minutos seguidos. Yo suelo hacer que mientras están calentando voy probando micrófonos y preamplificadores en su voz. Esto es fundamental si queremos tener una toma con una interpretación de total garantias.

La Emoción

Esto es el trabajo mas duro para cualquier productor en una producción de voces. Por eso creo que este es el punto de mas importancia en el que te tienes que parar. La letra como deciamos es la parte protagonista de la canción. El cantante tiene que transmitir con lo que canta y hacer que el oyente se sienta atrapado. Tenemos que hacer ver el cantante que una cosa es cantar y otra muy distinta es interpretar.

El éxito de  la toma vocal será el fruto al 50 % de los dos.

Algunos tipos de Ejemplos:

Si estamos grabando un tipo de canción un sentimiento triste, tenemos que saber que habrá partes en la canción donde el vocalista tendrá que cantar de manera muy sutil e intima. La canción de ¨Hello¨  de Adele es uno de los mejores ejemplos que te puedo poner.

Cuando grabas una canción mas nostálgica es posible que una de las partes el cantante pueda exagerar un poco la voz. Un ejemplo que se me viene a la cabeza es Bohemian Rhapsody del mítico grupo Queen.

si la canción quiere transmitir un sentimiento de reclamo o libertad puede cantarse con tonos mas agresivos en ciertas partes. Esto le ocurre a un canción de Luis Fonsi que se llama ¨ Corazón en la maleta¨

De todo esto nos debemos llevar que la voz nunca debe ser plana para que tengamos una producción de voces profesional. A veces tendrá que cantar mas sutil, a veces mas agresivo etc. Lo importante es darle lo que necesita  a cada parte de la canción con su interpretación.

recording de voces
Fico Azurmendi tracking de voces

Espacio Apto para Grabar

Este es un consejo para producir mejores vocales bastante simple. Una sala preparada para grabar voces. Dicen que cualquier sitio puede ser bueno para grabar voces pero no es así. Es cierto que es más fácil pero no cualquier lugar vale. Esto además no lo digo yo, lo dice uno de mis ídolos como es Rafa Sardina en una masterclass que hizo en Colombia.

Uno de los aspectos a tener en cuenta puede ser sobre todo la iluminación. Tener un lugar acogedor y bien tratado acústicamente es fundamental para un registro de voz optimo. Por eso antes de grabar preocúpate por todo ello. Que el cantante se encuentre cómodo e íntimo es muy importante para que el pueda dar lo mejor de si.

Cuidar la estructura de la Canción

Como productor, hay ciertas cosas en las que tenemos que poner muchísima atención a la hora de que el cantante esté grabando. Estas pueden ser : la intención, afinación y tiempo.

No podemos descuidar estos detalles por solo concentrarnos en darle emoción a la letra. Cuanto menos edición o corrección de afinación tengamos que hacer mejor producción nos saldrá. Tenemos que recordar que somos humanos e imperfectos. Por eso tenemos que conseguir que el cantante cante bien de tiempo y afinación para luego no abusar de elementos tecnológicos que hagan perder la naturalidad de la producción.

sebastian krys
Sebastian Krys

Menos es Más

Muchos productores he visto que graban muchísimas tomas de voz. Como 40 tomas u así. Luego hace un gran compilado de voces para escoger la mejor parte de cada una de ellas. No existe un método más certero para escoger lo mejor de cada voz, pero estudiando una Masterclass que hice con el gran Sebastian Krys ( ganador de 13 Grammys ) me dí cuenta que debemos ponernos limites de tomas. Esto hace que seamos mas productivos y que al final consigamos mas calidad en nuestras tomas. Este compromiso en la forma de trabajar es cierto que ha mejorado mucho mi técnica en los últimos años.

Otra cosa sería… que el cantante no fuera un buen cantante y no tuviera la canción lo suficientemente preparada. Esto hará que la sesión sea una perdida de tiempo en el que será imposible trabajar de manera adecuada. Esto no es nuestra culpa y si es una responsabilidad del cantante. No podemos arreglar algo que viene mal desde el principio.

Seguramente con estos consejos que te he compartido,  te ayudarán a que tus producciones sean aun mejores de lo que puedan ser a dia de hoy.  Agradecerte la lectura de este articulo y cualquier consulta que quieras hacerme estaré encantado de poder responderte.

Que pases una buena semana.

Problemas más Comunes en una Producción Amateur

En la actualidad es muy normal encontrarnos muchos Home-studios con algunos problemas comunes en lo que se pueden hacer ¨ buenas grabaciones ¨. El resultado  no será totalmente profesional pero haciendo las cosas bien, quizás podría servir. El problema que yo veo es que la facilidad de poder subir cosas al alcance de un solo click a Internet ha desencadenado una total falta de compromiso con las producciones musicales. La necesidad que tenemos de alimentar nuestro ¨EGO¨ con like y Me gustas hacen que queramos compartir rápidamente con el mundo mucho contenido.  Descuidando con ellos muchos de los Problemas más comunes en una producción musical. 

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Falta de Organización y Estrategia

Quizás sea de los mayores problemas en los home-studios a la hora de afrontar una producción musical de garantías. Antiguamente los músicos tenían que practicar horas y horas para la hora de ir al estudio de grabación. Las horas de las grabaciones eran muy caras  y es por eso que para evitar una factura muy abultada a las horas, tenían que aprovechar bien el tiempo. Ahora ya eso muchas veces no es problema tan grande si el músico posee un home-studio. Lo que ocurre es que esto no ha encaminado a veces a tener una falta de organización mayor cosa que por ende al final consigamos una producción de no muy buena calidad y con problemas.

Es algo clave que desde el principio planteemos una buena estrategia. Saber perfectamente en que orden se va a hacer las cosa y llevar a cabo una buena organización de todo ello. De repente no puedes estar haciendo un recording de baterías para dos horas después ponerte a grabar voces y a los 3 días retomas de nuevo la grabación de baterías, etc. Construye tu producción con una buena columna vertebral desde el principio para no tener problemas después.

Poca Práctica o Estudio

Este es otro problemas que suele ocurrir muy a menudo. Si tu mismo eres el productor además del músico y trabajas para una banda, es necesario que tengas en cuenta que tu toma para que salga perfectamente bien necesita de mucha práctica antes de grabar. Solamente así podrás conseguir un resultado muy bueno en tu interpretación. A veces nos centramos mucho en si que micro uso, la posición de la sala, etc pero realmente no pensamos que si el músico no hace una interpretación perfectamente buena de nada servirá todo lo que hagamos.

Siempre ten en cuenta que si se va a grabar con un metrónomo la sensación va a ser totalmente diferente a tocar en vivo. En el estudio TODO se percibe de manera clara, no puede haber ningún fallo. No podemos pasar de mano a los problemas. 

Si los músicos no tienen la suficiente habilidad para interpretar esa canción perfectamente hará que el tiempo vuele y se alarge mas de lo previsto la sesión. Después se sentirán mas frustrados y la dinámica de la sesión irá a peor. Esto se vuelve un circulo vicioso que hace que al final nada salga bien, todo el mundo se enfade y se pierda el enfoque por completo.

Compromiso Sonoro

Si te paras a escuchar detenidamente las producciones musicales TOP del mercado, te aseguro que encontrarás miles de detalles. Todos estos detalles fueron escogidos de manera totalmente cuidadosa para construir la canción. Cuando empezamos en la producción musical tenemos la falsa idea de que todo se consigue en la mezcla. Totalmente esto es un error y está fuera de la realidad.

Siempre tenemos que comprometernos en obtener los mejores resultados sonoros desde el proceso de la grabación.

Da igual el género de música en el que estés trabajando al igual que da igual si tus sonidos son elementos acústicos o instrumentos musicales. No conformarse con el primer sonido que obtengas te hará siempre de ser mejor en lo que haces. Busca siempre al 100 % el sonido que tengas en la cabeza. Esto hará que todos los procesos posteriores sean mucho mas sencillos consiguiendo mejores resultados.

Casino Lake House Recording Studio

Mala o falta de Interpretación

De todos los problemas que pueda tener una sesión de recording en un estudio, esta puede ser las mas importante. Si tu objetivo es conseguir resultados sin vida, mejor dedícate a otra cosa porque esto es la CLAVE de la la emoción que produce la música. Esto no se puede corregir ni con melodyne, ni con Autotune, etc. Como productores tenemos que exigir a los artistas para conseguir esa interpretación con emoción.

La emoción se transfiere facilmente al oyente a través de la propia canción. No se debe forzar ya que se identifica fácilmente obteniendo el resultado adverso.

No nos debemos conformar como hablaba antes con obtener una buena calidad de sonido. También siempre cuidar la interpretación y sea las mas adecuada para la canción.

En el caso del vocalista, que realmente consigamos que nos emociones las palabras que están cantando. Un ejemplo de las canciones con mas cantidad de emoción en la voz que mas me gustan puede ser Hello de Adele o quizás la actual El Patio de Pablo López.

Interpretación para conseguir emoción por encima de todo

Poner limites de tiempo y números de tomas

Realmente una vez escuché decir que los humanos trabajamos de forma mas efectiva cuando lo hacemos bajo presión de tiempo. Quizás no todos los casos sean así pero desde luego en mi caso si es verdad que se cumple. Siempre me lo tomo como un reto cuando creo que algo no lo voy a conseguir por falta de tiempo y al final siempre lo consigo. Esto ademas no solamente me sucede en la producción musical sino en todo en la vida.

Ponernos límites siempre nos hace ser mas efectivos para cumplir con nuestros objetivos.

Todo el que tiene un home-studio sabe perfectamente de las horas que ha desaprovechado (Incluido Yo). Pensamos que tenemos todo el tiempo del mundo puesto que la horas no cuentan y eso hace que seamos muy poco productivos. 

Siempre ponernos límites reales, de nada sirve situaciones que no vamos a poder cumplir.

Al final del todo creo que la clave es saber buscar la forma de que seamos mas efectivos y mejores en lo que hacemos. Estoy seguro que con estos puntos vas a mejorar tu disciplina técnica y musical. A mi me ayuda cada día a intentar ser mejor. Ponlo a prueba y me cuentas que tal te ha ido.

Feliz inicio de semana