Compresión en el MixBus. ¿Como lo usan los Master?

CLA

Como aspirantes a ingenieros de audio tenemos siempre que estar a la vanguardia de tomar nuevos conocimientos y aprender nuevas técnicas de mezcla. Conocer como trabajan los Master es una realidad  a través de plataformas como With mix de master o Puremix. Unas de las técnicas que mas énfasis he puesto en aprender ha sido siempre la compresión en el mixbus. Sorprendentemente para mí fue algo único descubrir el gran potencial que tenía esta técnica, además de la diversidad de formas que existen de como utilizarla.

  • ¿En que punto de la cadena del mixbus debe de ir el compresor?
  • ¿Que ajustes debemos tener en ataque, threshold, release?
  • ¿ Cuantos db debo estar reduciendo ?
  • En que punto de la mezcla insertar el compresor, ¿al principio o al final?
  • ¿Qué compresor es el que mejor funcionará?

Son preguntas muy comunes que se nos puede plantear de la compresión en el mixbus. He visto que al final siempre lo que vale es el resultado final y que las cosas en el mundo del audio se pueden hacer de muchas maneras. Esa quizás pueda ser la magia de la mezcla. El poder llegar a un mismo resultado de distintas formas con procesamientos y maneras creativas muy diferentes. Con lo que me ha parecido buena idea recopilar información de los mejores ingenieros de mezclas actuales. Es por eso que en el capítulo de hoy te traigo Compresión en el Mixbus. ¿ Como lo usan los master ?

 Chris Lord Alge

CLA: “El MixBuss está ahí mantener la mezcla bajo control. Ahora estoy utilizando el compresor Focusrite Red, reduciendo entre 2 y 3dB con una proporción de 1:5:1. Así que realmente no es mucha compresión. Solamente está ahí para controlar y soportar la mezcla. Sinceramente no soy muy pesado de mano con la compresión en el mixbuss.”

“El compresor Focusrite Red se enfoca mucho en las frecuencias medias, lo que me permite tener muy buen control sobre ellas.”

Focusrite Red 3

Cuando CLA comenzaba cómo ingeniero de mezcla profesional, el utilizaba el compresor SSL Buss Compressor que venía ya integrado en su consola SSL 4000. Y comentaba un poco acerca de esto:

“Con el compresor SSL encontré unos ajustes que me gustaron y siempre los dejo establecidos de la misma manera, independientemente de el material con el que esté trabajando. Si no me gusta el sonido de compresión, cambio a otro compresor. Pero generalmente el ajuste que siempre tengo es: Ataque en 10ms, Release en Auto, Ratio 4:1 y ajusto el threshold hasta que vea 4dB de compresión en el punto más dinámico de la canción.”

Greg Wells

Greg Wells es músico, compositor, productor e ingeniero de mezcla Canadiense con más de 85 millones de unidades vendidas por todas sus colaboraciones con artistas de la talla de Katy Perry, Adele, Pharrell Williams, Kelly Clarkson, One Republic, entre muchos otros.

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Shadow Hills Mastering Compressor

“Yo dependo enormemente de la compresión en el mixbuss, me gusta escuchar cómo todo reacciona a la par con el compresor.”

“Una de las claves de mis mezclas a la hora de utilizar compresión en el mixbuss es que utilizo dos compresores por separado, uno lo utilizo exclusivamente para toda la instrumentación y el otro lo utilizo exclusivamente para las voces. Esto lo hago porque generalmente cuando llega el momento de el último coro donde toda la canción es mucho más dinámica, las voces siempre tendían a sonar muy comprimidas, con este concepto ya jamás me sucede esto.”

“El compresor del mixbuss del cuál estoy enamorado desde hace 4 años es el Shadow Hills Mastering Compressor”

“Lo pongo en el mixbuss con un poco de compresión óptica y compresión más liberal en el modo VCA. También activo el Sidechain para mantener todos los bajos. Los tiempos de ataque son el modo más lento y el release en lo más rápido posible con una proporción de 2:1. En cuestión a los diferentes modos de saturación me gusta escuchar los 3 hasta que encuentre el que mejor se adapte a la mezcla.

Dave Pensado

Dave es uno de los ingenieros de mezcla más famosos de hoy en día por su programa/show Pensado’s Place

” Rara vez hago algo para agregar color en el mixbuss. A mi me enseñaron que poner cosas en el mixbuss es una excusa por no haber hecho algo antes en la cadena de procesamiento. Si tienes que agregar mucho de lo que sea en el mixbuss, entonces probablemente no hayas trabajado lo suficiente en los elementos individuales. Para mi, 1 dB está muy bien, pero siempre trato de mantener la compresión mínima. El compresor que me gusta utilizar es el SSL Buss Compressor con un ataque de 30 ms, Release en .1s y un Ratio de 2:1″

Andrew Sheps

Andrew Scheps  ha trabajado con artistas de la talla de Red Hot Chilli Peppers, Adele, Ziggy Marley, Metallica, Zac Brown Band, entre muchos otros. Si te fijas, toda una diversidad de estilos. Hoy en dia la versatilidad es un aspecto fundamental para un ingeniero de mezcla. Andrew comentaba esto en relación a la compresión en el mixbus.

“Por años utilicé los compresores 2264 de Neve que venían integrados en mi consola y el Neve 33609 es un compresor que supuestamente es idéntico a los 2264. Para mi nunca ha sonado igual pero tiene el mismo carácter, entonces usualmente si comprimo la mezcla ese es el compresor que utilizo.”

Neve 33609

“Usualmente estoy utilizando la versión del 33609 de UAD cómo mi compresor en el mixbuss, si es que estoy comprimiendo la mezcla, y a veces también utilizo algún otro si es que no está sonando como yo quiero. Este compresor tiene un carácter bastante definido, entonces si no me gusta a veces recurro al compresor de SSL o incluso hasta el de fábrica de Avid porque puedes ajustar todos los parámetros!”

“Si estoy utilizando la compresión con el 33609 generalmente si está habiendo una buena cantidad de compresión. No se si realmente dependa de ese compresor para que mi mezcla sobreviva, pero ciertamente lo utilizo. En cuestión a los ajustes que me gusta utilizar, me gusta tener una proporción de 1:5:1 con el tiempo de recuperación más rápido en 100 ms y una reducción de ganancia de alrededor de 4dB.”

 Tony Maserati

Es un ingeniero de audio Americano que ha trabajado con muchos artistas populares incluyendo Lady Gaga, Beyoncé, Jason Mraz, Jennifer Lopez, Ricky Martin, Tupac, Puff Daddy, etc.

Su trabajos ha cosechado ventas mundiales en alrededor 100 millones de unidades. El habla esto sobre la compresión en el mixbus.

“Para la compresión en el mix bus siempre utilizo mi Shadow Hills Mastering Compressor en el ajuste de Discrete y modo Nickel con una proporción de 2:1. El ataque lo tengo en el tiempo más lento y la liberación/release lo tengo en el tiempo más rápido

Joe Chiccarelli

Joe Chiccarelli es nacido Boston, Massachusetts, USA y  ha estado activo desde los 80’s. Ha producido discos de Counting Crows, My Morning Jacket, Minus the Bear, Oingo Boingo, entre otros. Respecto a la compresión en el mixbuss dice:

SMART RESEARCH C2

“Me gusta utilizar siempre en mi compresión en el mixbuss el  COMPRESOR SMART RESEARCH C2 con una proporción de 4:1 un tiempo de ataque de 3ms y un tiempo de liberación en ‘automático.”

“Siempre intento mezclar a través de la consola y utilizar equipo analógico, pero cuando necesito mezclar in the box siempre recurro a los plugins de UAD, creo que estos se acercan mucho a sus contrapartes originales, a veces hasta suenan mejor, pero aún así siempre intento utilizar algo de equipo analógico, en este caso el compresor en el mixbuss.”

Para Terminar

Muchas gracias por haber leído hasta aquí y deseo que estos conocimientos sean de gran provecho para ti. Nos vemos en el próximo capítulo.

Feliz comienzo de semana.

Andrew Sheps – Joe Chiccarelli – Tony Maserati

 

Dave Pensado – Grew Wells – Chris Lord Alge

Mitos de Mezcla ¿Lo desenmascaramos?

He sido un apasionado del audio desde hace muchos años, eso me ha echo que siempre estar pendiente de muchos foros de audio desde siempre. Hoy tenemos la gran fortuna de tener internet y con ello una cantidad basta de información nuestro alcance. El problema viene cuando a veces, sobre un tema en concreto, según el portal, puedes encontrar contradicciones.  ¿Como voy a saber cual es la información correcta entonces? ¿Cómo voy a saber lo que son o no son Mitos de Mezcla?

La experiencia, al final es la que se encarga de filtrar.  De mostrarte lo que es realmente válido o lo que simplemente son solos mitos de mezcla. Hoy te comparto algunas de mis  experiencias que he tenido ¿Los desenmascaramos?

Api Legacy AXS
¿Necesitamos monitores grandes para mezclar bajas frecuencias?

Cuanto mas grande sea el tamaño del woofer de un monitor, por lo general podrá reproducir mas bajas frecuencias. Yo te puedo decir que con monitores de 6.5 pulgadas pueden ser más que suficientes para un entorno de mediano a pequeño formato.

Todo esto tiene que ver mucho más con el espacio de tu sala. Esa es la clave para mí. Encontrar el punto medio entre sala y tamaño de monitor.  A veces pensamos, que debemos comprar los monitores mas grandes que estén al alcance. Esto no sería correcto si no nos pararnos a pensar si nuestra sala está preparada para la reproducción fiel de esas frecuencias bajas.

Si no tenemos un estudio tratado acústicamente, siempre es mejor tener unos monitores de campo cercano que sean mas pequeños. Con uno de 5 pulgadas en la mayoría de casos son  suficientes. También una cosa que debes valorar, es el tipo de género musical en el que trabajas normalmente. No será lo mismo géneros donde exista un BEAT con bastante bajas frecuencias o sonidos de tipo 808. ¿Quizás solo haces música orquestal?  

Estoy seguro que esto te ha echo pensar. No siempre los mejores monitores son los mas grandes. Siempre debes buscar un equilibrio entre tu sala y el tamaño de tu monitores.  

¿Debo Comprimir todas las pistas de tu mezcla?

La respuesta es un tremendo NO en mayúsculas.  La compresión es una herramienta que solo debe usarse en pistas que lo requieran. No podemos pensar que tenemos que usarlo por que es lo que siempre se hace. Estás cometiendo un grave error si piensas así.  Evalúa antes siempre si la pista lo necesita si o no. Depende del arreglo, depende de como se reproduzca en la mezcla que estás construyendo. La compresión es una herramienta imprescindible en la música de hoy pero se debe usar con mucha conocimiento. 

He visto a Mixer TOP hacer mezclas en las que de 70 pistas que tenía su proyecto,  ha usado la compresión solamente en 10 pistas. A veces, he visto también como el compresor no lo usaban para comprimir, solamente para dar color. Esto es una técnica muy común de uno de los mejores mixer del momento MICHAEL BRAUER

Los compresores los uso como cajas de tono, no como compresores en sí 

 

Mackie D8B
¿Necesito que evalúen mi trabajo en mi desarrollo?

Todos necesitamos ser evaluados por nuestro trabajo. Es más, si te fijas, el público que escucha nuestra música diariamente lo está haciendo. Tenemos que tener la mente abierta y nuestro corazón tranquilo para poder aceptar críticas por ello. Si nos cerramos a ello, por tal de que pisoteen nuestro ego,  estaremos equivocados.

He aprendido mas de las mezclas que fueron rechazadas que las que fueron grandes éxitos en mi carrera. Manny Marroquin 

 

La crítica constructiva siempre nos hará mejores profesional. Es muy raro encontrarnos una situación en que hagamos una mezcla, la enviemos al artista y no tengamos absolutamente nada que revisar. Si esto te sucede, sospecha. Siempre habrá algún comentario que hacerle porque no podemos entrar al 100% en el corazón y la cabeza de un artista a la primera. Siempre habrá un comentario sobre ello. 

Siempre debes estar abierto a recibir críticas constructivas, ten en cuenta que es la única forma realmente de avanzar. 

Los Home-studios no son aptos para hacer trabajos profesionales 

Este es uno de los mitos de mezclas que mas he escuchado hablar. Mi opinión es que los home-studios siempre presentarán retos y dificultades mayores. Una de las razones mas obvias es la acústica. No es lo mismo que hacer un estudio desde 0. Pero estas dificultades que hablo no es una excusa para no conseguir buenas tomas de grabaciones o conseguir una buena mezcla. Al fin al cabo han salido muchos discos de éxito que se hicieron con el menor número de recursos que te puedes imaginar. 

Es cierto que en la ingeniería y en la música, los detalles marcan la diferencia. Pero esto al final no es excusa. No es el equipo analógico o digital que tengas. Es la calidad y preparación del equipo humano lo más importante.

Mixer
Las buenas mezclas requieren mucho tiempo

Cuando empezamos en esto nos suele ocurrir bastante. Siempre todo depende de la magnitud de la sesión en la que estés en ese momento. Hace unos años tardaba en mezclar una canción como  3 o 4 días. Ahora quizás pueda irme a 6 a 7 horas en un mismo día. Aunque siempre, si lo necesitas,  se debería dejar un día o dos para revisar tu mezcla. Con los oídos descansados y enfoque de un nuevo día renovado. 

Mezclar rápido con conocimiento me está haciendo perder menos el enfoque de lo que busco y con ello consigo mejores resultados. CLA

¿COMENZAR MezclaNDO en mono?

Hoy en día nadie escucha una mezcla en mono. Puede ser que se dé alguna situación pero por lo general no ocurre. Una técnica que yo uso para ecualizar ciertos elementos, es precisamente escucharlas la mezcla en mono. Solo por un momento, como sería solear una pista. Esto hace que cuando vuelva la mezcla a estéreo tuviera mucho mas espacio. Trabajar en mono por momentos me hace esforzarme más obteniendo mejores resultados. 

Rack Estudio La Joya
¿equipo analógico o plugins?

Este es otro de los mitos de mezcla mas hablado en foros de audio. Es un error pensar que si equipos analógico o plugins.  Nos convertimos en mejores ingenieros de mezcla gracias a los resultados que obtenemos. ¿Que más da que herramientas he usado para lograr ese resultado?

En mi caso, a mi, si me pusieran en mis manos un coche de formula 1 no haría que me convirtiera por ende en un mejor conductor. Quizás si en un hombre muy feliz por un momento pero no en mejor conductor.

El talento, la experiencia y los resultados SIEMPRE se sobreponen al equipo con el que cuentes.

Lo arreglamos en la mezcla.  en Mastering se puede arreglar

Por favor nunca caigas en estos mitos. Es una mentira como una catedral. Quién va con estos pensamos No llegarás muy lejos como profesionales. Es cierto que los sofware de grabación DAW te permiten solucionar cientos de problemas. Nos permite un increíble y fácil manejo del audio pero es un error pensar que siempre se puede arreglar después.

Si las pistas desde el principio suenan mal, lo único que podemos hacer es una mezcla mediocre pero pulida. Si por el contrario, las pistas desde el principio están bien grabadas, a la hora de mezclar se conseguirá unos resultados mucho mas profesionales. La suma de pequeños detalles en las distintas etapas de  pre.producción,  grabación, mezcla y mastering dictan el éxito de cualquier proyecto musical. 

Para terminar 

Espero que estos pensamientos y comentarios te ayuden a mejorar las ideas que tenías en tu cabeza. Desde luego que seguramente haya muchos más mitos y opiniones. Estas son las mías y con gusto me ha agradado compartirte hoy.

¡Hasta la próxima! 

 

¿Como empezar una buena mezcla?

En muchos foros de audio, en los últimos años,  leí mucho sobre esta pregunta. ¿Como empezar una buena mezcla? y desde luego no es algo sencillo de responder. ¿ Empezar primero con la batería o mejor con el bajo? ¿Y si empiezo con la voz ya que es el elemento principal?. Desde luego las tres formas creo que serian válidas. En un portal que soy actualmente miembro ¨Puremix¨ he visto como muchos de los mejores ingenieros del mundo han comenzado sus mezclas de diferentes formas. Al final todos conseguían unas mezclas increíbles.  Así que hoy me parece un buen día para que hablemos de distintas formas de ¿Como empezar una buena mezcla?

Fab Dupont

Parte Rítmica

La manera mas usual de empezar una mezcla suele ser a través de los elementos rítmicos. Un ejemplo podría ser, la batería, el beat, percusiones, el bajo incluso para luego empezar añadir los elementos que dan soporte mas melódicos. Estos podrían ser algún solo de guitarra, alguna melodía a piano o la voz.

La ventaja que tendrías en este concepto de mezcla es que el enfoque principal seria el ritmo o el groove como se suele decir de la canción. El groove debe ser solido y consistente. Si no lo fuera ¿Como seria posible que la canción no se viniera abajo?

Quizás la parte mas problemática que podrías tener es que te quedarás sin espacio en la mezcla para introducir la voz o los elementos melódicos. Podría ser muy posible que estos elementos una vez lo añadieras estuvieran enmascarados por los que ya estaban. Trabajar bien con la ecualización el rango de frecuencias de cada elemento es fundamental para que no tengamos estos problemas y cada elemento tenga su propio espacio. No funciona con hacer movimientos drásticos, eso solo consigue que tu mezcla pierda mas que gane.

Forma Pirámide

Este concepto se basa en empezar la mezcla desde los elementos mas importantes dentro de la canción. Para esto es necesario escuchar varias veces la mezcla y analizar que es lo que sostiene la canción. Generalmente uno de los elementos principales es la voz pero para saber a ciencia cierta que elementos a parte de la voz son lo mas importantes es tan fácil como hacer una mezcla rápida solo balanceando las pistas. Ahí te darás cuenta como se sostiene la canción o que elementos son fundamentales para ello.

La virtud que tiene esta forma de mezclar es como los elementos principales jamás se pierden en la mezcla. Todo los elementos secundarios dan solo soporte. Con ello todas tus decisiones de procesamiento serán elegidas mas fácilmente debido que empezaste con la columna vertebral de la canción.

Quizás lo peor de este caso es que el proceso es un poco complicado debido a que no tienes una sensación de soporte rítmico. Tendrías que ir pensando mas en el resultado final y se vuelve confuso saber en que niveles tendrías que estar mezclando. Imagínate, pones un elementos principal muy fuerte y cuando empiezas añadir elementos secundarios empiezan a tener niveles no saludables añadiendo rápidamente distorsión. Que si es lo que buscas, perfecto. ¿ Y si no lo es ?

Michael Brauer

Rango de frecuencias de mas bajas a mas altas

Esta forma de como empezar la mezcla quizás es la menos común aunque a veces suelen dar buenos resultados. Su forma es sencilla, inicias la mezcla desde los elementos con mas peso en bajas frecuencia a altas. En este caso instrumentos como Bombo, synth 808, Bajos, toms, etc sería los primeros elementos en procesar. Después continuaríamos con elementos que son mas notables en las frecuencias medias, como por ejemplo: Guitarras acústicas, eléctricas, pianos, pads, violines, órganos, teclados o voces. Ya por ultimo lugar acabaríamos con con elementos muy agudos como percusiones de alta frecuencias, platillos, rides, campanas, etc

Lo mejor de esta forma es que tomas tus decisiones de forma mas sencilla. Esto es por que tiene mejor definición de en que rango ocupa o debe ocupar cada elementos que añadimos. Para mi lo peor seria que perdería el enfoque emocional de la canción en las diferentes secciones. Esto puede que quite vida a la canción y todo se procese de manera mas técnica. Puede ser que la pruebes y se tu manera perfecta para mezclar pero la mayoría de casos se obtiene una mezcla bien técnicamente pero demasiada lineal.

En resumen 

Te he compartido algunas maneras de como podrías empezar una mezcla pero seguramente no se sean las únicas. Yo suelo usarlas según el tema que pongan en mis manos como puntos de referencia. Quizás 7 de 10 mezclas suelo empezar de la la parte rítmica.  Aunque alguna veces en algunas canciones no rítmica me he preocupado mas de construir la mezcla de forma pirámide.  Lo mejor como siempre, probarlas todas e ir adaptándolas a tu forma de trabajo.

Que tengas un feliz inicio de semana amiga@

Tipos de reverb en una buena Mezcla

Siempre he creído que la reverb es una de la herramientas mas poderosas a la hora de enfrentarte a una mezcla. Nos ayuda a posicionar todos los elementos en un determinado espacio. Existen distintos tipos de reverb donde creo que es muy importante conocerlos bien para que formen parte de nuestro abanico de posibilidades. Las mas comunes son la Hall , Ambiente, Rooms, Plate, Chamber, Circunvolución, etc. Cada una de ellas nos van a aportar una sensación totalmente distinta. El poder distinguirlas es clave para nosotros para crear esos espacios naturales y artificiales únicos. Por eso hablemos un poco hoy de los tipos de reverb en una buena mezcla.

TC Electronic M5000

Funciones de una Reverb

La función de una reverb se puede resumir en dos partes. La primera dar sensación de espacio y profundidad sirviendo para posicionar los instrumentos en nuestro campo estéreo. La segunda creo que cumple una forma creativa donde el elementos sea mas perceptible y rellene mas espacio.

Las que mas se suelen utilizar o por lo menos en mi caso son: Las de Ambiente, las Rooms o las de Circunvolución. Estas por lo general son las que suenan mas naturales y las que tienen una duración un poco mas corta. Esto hace que sean menos perceptibles al oído.

Las reverb tipo Plate, Hall, Spring o Chamber suelen usarse de manera mas creativa. Si te paras a escuchar cualquier canción de Pop escucharás el sonido de estas reverb al final de cada frase. Suelen estar ahí normalmente para que sean una sensación más obvia que las de otro tipo. Esto se debe sobretodo a que son de una duración un poco mas larga.

Bricasti M7

Tipos

  • Hall
  •  Un Reverb Hall es usualmente una buena selección para añadir en tu mezcla un ambiente tridimensional. Los reverb hall tienden a llenar la parte de atrás de la mezcla, añadiendo profundidad sin amontonar el primer plano. En la vida real las salas grandes casi siempre tienen tiempos de reverberación largos. Sin embargo, con los procesadores digitales puedes tener la profundidad y el espacio de una sala grande, pero sin tener la cola larga ensuciando la mezcla.
  • Room 

    A diferencia del hall, el room es un espacio más pequeño, con menos brillo y con un decaimiento más rápido. Una reverb room es buena para añadir realismo en instrumentos que han sido grabados con una posición de micrófono muy cerrada o inyección directa. Las guitarras y baterías son grandes candidatas para las reverb room. Una buena room te dará la sensación que se está tocando en un espacio acústico real.

  • Plate

    Los reverb plate es bueno para añadir longitud y tamaño a un sonido sin hacerlo distante. Los plate son la “salsa secreta” que pueden ayudar a hacer una voz o snare que suene increíble. Esto es porque no añade una profundidad o distancia cómo un reverb hall.

  • Spring: 

    Los reverb spring, simulan un método de reverberación que se construyen comúnmente en amplificadores de guitarra, mediante la inyección de sonido en muelles de metal. Son usadas en instrumentos individuales más que en mezclas completas. En guitarras, pueden añadir un rebote gangoso y vivacidad. Para instrumentos como los pianos eléctricos y órganos pueden añadir un sonido clásico (vintage) de profundidad y dimensión.

  • Circunvolución:   
  •  Son útiles para trabajar con efectos de sonidos tipo películas, donde es importante para crear una ilusión convincente de un espacio acústico.También es a veces útil para la creación de espacios naturales y realistas cuando se mezclan los instrumentos acústicos.

Lexicon 960l

Para terminar

Cada de uno de estos tipos  de reverb te proporcionará algo único. Podrás ser creativo uniendo unas con otras. Es una técnica usada por miles de ingenieros en el mundo. Saber elegir adecuadamente es algo que se volverá sencillo con la practica y con la experiencia. Una pregunta muy común estos días es ¿ Mejor analógica o digital ? . Será para otro próximo post.

Feliz Domingo

¿Volumen Perfecto Para Mezclar?

Seguro que alguna vez te lo has preguntado. Si no lo has echo nunca, estoy seguro al 99% que mas de una vez has estado mezclando a un volumen equivocado. Nuestra naturaleza nos hace querer siempre mezclar a niveles muy altos. Esto es una realidad casi siempre en aspirantes a ingenieros que empieza a mezclar por primera vez. No saben que el riesgo de mezclar con fatiga auditiva ?(creada por esos altos volúmenes) es algo muy perjudicial para tener grandes mezclas. No digo que haya veces que tengamos que chequear a un nivel alto o a un nivel bajo, mas bien me refiero que a lo largo del desarrollo de esa mezcla. Es por eso que hoy te traigo este articulo donde te hará pensar en cual sería el Volumen adecuado para Mezclar. 

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Focal sm9

 

Escuchar a Volumen Alto

¿Quién no lo ha echo alguna vez? Yo mismo soy el primero que lo he echo miles de veces. En realidad que cada vez menos pero en mis comienzo, era siempre a todas horas. Ahora como decía lo hago menos porque descubrí que mis oídos se fatigaban enseguida. Que al momento de llevar una hora mezclando a un nivel muy alto, todo me sonaba igual. Era incapaz de reconocer ningún cambio en mis procesamiento. ¿Como así iba a obtener un gran resultado?

El mezclar con volúmenes altos me producía mucha satisfacción y extasis. Todo me sonaba increíble pero a la mañana siguiente escuchaba mi mezcla del día anterior y era un autentico fracaso.

Esto tiene que ver mucho con un estudio hecho por los físicos Fletcher y Mundson el cuál nos dice que la percepción de el sonido para nuestros oídos cambia en relación a el volumen. Quieres decir que cuanto mas fuerte tengamos el volumen a la hora de mezclar vamos a percibir mejor las frecuencias bajas y altas.

Si, percibirlas es una cosa, pero que eso sea real es otra cosa.

Por eso al igual que yo lo aprendí, debemos mezclar con niveles moderados. Esto nos ayudará a tomar mejores decisiones sin que nuestros oídos se fatiguen.

Escuchar a un Volumen Medio

El volumen medio o  adecuado para mezclar durante por ejemplo 8 horas,  es 85 dB. Esto no lo digo yo, lo dice una investigación realizada por la compañía OSHA. Esto te permitirá no tener ningún tipo de fatiga auditiva durante tu mezcla. Aun así siempre es recomendable tomar algunos pequeños descansos de 10 a 15 minutos.

85 dB es un volumen medio en donde puedes estar escuchando la música y teniendo una conversación a la vez sin tener que esforzarte por escuchar.

Al principio es difícil acostumbrarse, lo sé y a todos nos pasa.  La tentación de querer subir el volumen siempre estará ahí,  aunque tenemos que tener control sobre nosotros mismos.

Para saber que estás mezclando a 85 dB necesitarás hacer una medición de presión sonora con un medidor de presión de sonido. Es fácil encontrarlo en tiendas cómo Amazon aunque también es cierto que existen App estupendas que nos pueden servir.

Para mi el punto en el que empecé a entender que mezclar a estos volúmenes era lo correcto fue cuando mis mezclas empezaron a sonar mejor y a traducirse mejor.

En un articulo que leí hace tiempo el Ingeniero mundialmente conocido Chris Lord Alge publicó algo muy interesante sobre todo esto, el decia:

“Bueno, tiene que ver con utilizar compresores antiguos y el EQ SSL y la manera en que la consola pega bastante fuerte. Obtener ese sonido se vuelve mucho más sencillo. Pero lo más importante de todo es que escucho a volúmenes muy bajos. Cuando llevas haciendo esto por un buen tiempo, tiendes a escuchar a volúmenes muy bajos porque para que realmente la mezcla te golpeé en la cara necesitas empujarla bastante. Mis monitores de referencia con los Yamaha NS-10, los originales, más un Subwoofer Infinity de 12 pulgadas que me costó $300 USD para poder escuchar las frecuencias ultra bajas. Escuchar a volúmenes bajos previene la fatiga al oído y puedes escuchar mejor lo que está sucediendo.  Cuando lo haces a volúmenes altos, después de un rato todos tus movimientos empiezan a ser engañosos. Así que cuando estés haciendo movimientos críticos hazlo a volúmenes bajos.” -Chris Lord Alge

 

Chris Lord Alge

Chequear de Distintas Maneras

La clave para mi está en mezclar a distintos volúmenes. Muchas veces también depende del tipo de género en el que estamos trabajando. Seguramente el oyente promedio no escuchará música como el Jazz o música como el House al mismo volumen.

Ten en cuenta algo que me gustó escuchar a el grandísimo Ingeniero Rafa Sardina. El hace mucho tiempo, usaba también las Ns-10 y hablaba de que era una herramienta muy poderosa. El decía que si conseguías que en esos monitores tener un gran punch y una buena  claridad a volúmenes bajos, iba a ser increíble como iba a sonar ahí afuera. Desde luego lo hacia siempre con unos volúmenes adecuado para que no afectara a sus oídos. V que la mejor manera como siempre es probar y probar. Seguro que si pones a prueba estos consejos, conseguirás mejores resultados. Con lo que te invito a probarlos.

Que tengas una feliz semana

 

¿Como Conseguir Mezclas Modernas?

En los últimos años los ingenieros de mezcla hemos ido adaptándonos al boom del avance de la tecnología. Cada día, los plugins son una herramienta mas poderosa. Aunque bajo mi opinión, no son reemplazables del todo a un equipo analógico de primera. Aún…

Lo que si tengo claro es que las compañías de audio lanzan al mercado algo mas innovador cada día. Estos avances, nos hace la vida mas fácil y nos permiten hacer el trabajo técnico de una forma mucho mas rápida y eficiente. Esto al final se traduce a poder centrarnos mas en la creatividad. Precisamente eso es  lo que realmente hace que un Ingeniero de Audio se convierta en un Ingeniero TOP.

Hoy te comparto varios trucos que he ido aprendiendo de ellos. Seguro que te ayudarán a Conseguir Mezclas Modernas en todos tus trabajos. 

Manny Marroquin

Transparencia y Brillo en los Agudos

En el pasado, la época donde no existía pro tools y ningún software de grabación, solamente se podía grabar a través de cinta Analógica.  Una de las características de grabar en ella era que intensificaba un poco los graves de la mezcla. Otra característica era que restaba una cantidad importante de agudos. Por eso cuando escuchas una mezcla antigua, suena un poco oscura y no muy clara en la parte de frecuencias agudas.

Uno de los problema que tenían en esa época era el ruido de fondo. Era un ruido de piso alto y seguramente has escuchado alguna vez hablar de ello. Por ese motivo muchos ingenieros no le gustaba subir mucho los agudos por los problemas de «Hiss» que podían llegar a tener.

Ahora la cosa es diferente. El margen que tenemos es enorme, sobre todo si estamos trabajando con un DAW a 32 bits a flotante. El margen podríamos decir que es casi infinito. Aunque ¿sabes las ventajas que esto no aporta? ¿Por qué es bueno esto?

Porque las grabaciones ya no sufren del llamado Hiss y podemos trabajar con mas eficacia las frecuencias agudas.

Si te paras a escuchar los Hit del momento, los que suenan en la radio cada día, te podrás dar cuenta de la gran transparencia y claridad que tienen las frecuencias agudas. Las voces, sobre todo, suenan muy claras y tremendamente nítidas. Otros ejemplos podían ser los platillos.  Siempre suelen ser muy brillantes.

¿Quiero decir con todo esto que la mezclas del pasado de hace muchos años son malas?

Nada mas lejos de la realidad. Simplemente en aquel entonces exprimieron los medios que tenían. Había otro estilo de sonido diferente al que tenemos hoy. Por ejemplo, hoy el día por el boom de la música urbana, casi todo los géneros musicales tienen mas graves que nunca. Con lo que es muy frecuente y casi imprescindible que nos encontremos con monitores de subgraves en todos los estudios.

Resumiendo, hoy en día con el avance de la tecnología, estamos haciendo mas y mejor música que nunca pero tenemos un problema. La dificultad de poder encontrarla ante la gran música que tenemos cada viernes.

Antes se grababa 100 discos al año y ahora se graba 100.000 discos al año.

Simplemente, toma esto en cuenta. Si quieres conseguir que tu mezcla suene más actualizada y moderna, tienes que asegurarte de que tenga esos agudos transparentes y brillantes.

Efectos Comunes y No comunes

La gran cantidad de efectos que tenemos disponibles con los plugins son impresionantes para una mezcla moderna. Obviamente usamos de manera habitual efectos comunes como la reverberación, delay, chorus, etc. Esto es prácticamente una necesidad en cada mezcla para conseguir espacio y profundidad a los instrumentos dentro de la mezcla. Pero también existen efectos que son totalmente únicos y que nonos encontraremos en equipos analógicos.

Efectos cómo:,

  •  Crystallizer de SoundToys
  • Little Alter Boy de Soundtoys,
  •  Mondo Mod de Waves,
  •  Stutter de Izotope, etc…

El utilizar este tipo de efectos en conjunto con los efectos comunes pueden conseguir que tu mezcla suene muy moderna y actual.

Truphonic Recording Studio

La Automatización

Los Daw como Pro tools se pueden sincronizar perfectamente con el tempo de nuestra canción. Esto nos hace conseguir una automatización infinita en nuestra mezcla. La automatización de volumen y paneo ahora es tan fácil subir un fader o deslizar un potenciómetro. Antes la automatización era completamente manual. Habían de 3 a 4 personas pendientes de los fader  a tiempo real. Ahora con simplemente dibujarlo en el proyecto podemos hacer desde la automatización más tremenda hasta la automatización más minuciosa.

También, recuerda que ahora todos los parámetros de los plugins son automatizables! Esto es una tremenda posibilidad para conseguir más creatividad. El poder automatizar EQ’s, Efectos, Compresores, secciones de una canción enteras, hace que la mayor dificultad sea la cantidades de posibilidades que tenemos. 

Para Terminar

No te conformes con solamente balancear, ecualizar, comprimir y poner unos efectos por ahí. Despierta tu creatividad. Esa es la verdadera valía de un ingeniero de mezcla. Haz que tu  mezcla se vuelva una experiencia inolvidable para el oyente. Esa y solo esa es la función de nuestro trabajo. Eso te llevará a ser cada día un mejor ingeniero de mezcla.

¡Hasta pronto!

Tips Que Te Ayudará a Conseguir Mejores Mezclas

El titulo es algo largo y puede hacerte pensar que para conseguir mejores mezclas lo que necesito es tener unos mejores monitores. También una buena acústica de la sala, buenos micrófonos, un arsenal importante de procesadores de dinámicas etc. Lo sé y en parte puedes llegar a tener algo de razón pero no del todo. Al fin al cabo no todo el mundo posee ese presupuesto que necesita para poder tener acceso todos estos equipos tan caros. Es por eso que creo que siguiendo estos  tips que te voy a compartir, te ayudará a conseguir mejores mezclas sin que tengas que gastar ni un solo euro en más equipo.

obtener mejores mezclas

  1. Escucha a diferentes niveles bajo, medio y fuerte

Si tienes ya un poco de experiencia mezclando música quizás hayas escuchado algún que otro comentario que para mezclar correctamente se necesita escuchar a un cierto volumen de dBs. Aunque esto teóricamente es correcto, también existen ingenieros TOP que no lo hacen. Muchos de ellos mezclan a diferentes tipos de volumen durante toda la sesión de mezcla. Esto quiere decir que en algún punto mezclan con el nivel del volumen bajo. En otros momentos de la mezcla lo hacen a un nivel medio o fuerte etc. Esto realmente no tiene un orden y cada uno puede empezar de distinta manera. Lo que realmente nos tenemos que dar cuenta es que esta técnica nos permite darnos cuenta de como se traduce en nuestros monitores la mezcla a diferentes volúmenes. Ponlo a prueba y veras como  obtendrás mejores balances en tus mezclas.

2.   Utiliza el botón de solo y mute

Los botones de ‘Solo’ y ‘Mute’ a la hora de mezclar creo que son vitales y de los mas importantes tips que vas a leer en todos los artículos que leas.

El ‘Solo’ te ayudará a escuchar el sonido que quieres modificar antes de modificarlo escuchando todas las pistas en contexto. Pero ten en cuenta que el botón de ‘Mute’ tiene la misma importancia ya que cuando las mezclas son un poco más complejas, a veces el silenciar con mute una pista en el arreglo puede hacer que el espacio se abra. Así conseguimos que se definan los demás instrumentos claramente. Al utilizar el botón de ‘Mute’ como digo podemos escuchar como es que cada pista contribuye al arreglo y si es o no indispensable en esa gran mezcla que estamos haciendo.

3.   Estéreo o Mono

Es muy importante revisar siempre como es que se traducen en nuestros monitores las mezclas en estéreo y mono. Aunque ahora las pistas mono cada vez son menos pero aun asi sigue siendo muy importante revisar como es que toda la señal estéreo se suma al volverla mono aural. Hay que tener en cuenta que mucha gente escucha la música en el propio iPhone, o en auriculares de MP3 etc. Efectos de modulación, reverb, de expansión de imagen estéreo pueden volverse un problema a la hora de sumar la señal.

Por eso un gran tips que debes de tomar es el de asegurarte de chequear tu mezcla en Mono.

obtener mejores mezclas

4.  Busca el punto dulce

Sí como has leído. Se supone que hay un punto dulce en tu estudio donde la imagen estéreo será mejor representada. Por ello es importante de que te tomes un tiempo en conocer bien tu estudio o lugar de trabajo. Encuentra en que lugar es donde mejor suena las cosas. Haz una practica y reproduce tu mezcla en tus monitores. Ahora comienza a escucharla desde distintos sitios de la sala y te darás cuenta que la mezcla puede cambiar desde otra perspectiva.

5.  Monitores y Auriculares

Como cualquier mezcla es muy importante revisarla en diferentes medios de reproducción de audio. Hay muchos que lo primero que hacen después de terminar la mezcla es ir a escucharla en el coche. Personalmente a mi me gusta también hacer eso. Aunque también uno de mis métodos más funcionales es la de escuchar la mezcla en los auriculares que vienen con el iPhone. Se que generalmente escucho música en ellos bastante tiempo con esto de las plataformas digitales. Por eso sé que son un buen punto de referencia para saber si mi mezcla suena adecuadamente.

Para terminar

Todos estos tips mencionados anteriormente no son reglas, sino recomendaciones. Al fin al cabo siempre digo que somos artesanos del sonido. Cuanto mas técnicas y trucos tengamos en nuestra paleta mejores serán los resultados que podamos ofrecer a nuestros futuros clientes.

Que tengas un inicio de semana fantástico y cumplas con todos tus objetivos =)

Ama el problema no la solución

Esta mañana cuando me levanté temprano me preparé mi café mientras escuchaba la lluvia caer. Que ganas tenia de escucharla. Ama siempre la lluvia que traerá paz. Sigo, como cada mañana estuve leyendo un articulo sobre los emprendedores y me paré a leer sobre un emprendedor que ha tenido mucho éxito. Su nombre es DAVID BROWN y dice esto de:

Ama el problema no la solución, así si encuentras una mejor solución podrás dejar lo anterior y tomar la nueva para resolver el problema” 

Me quedé bastante rato pensando en ello. Entendí que esto quiere decir que muchos de los negocios emprendedores empiezan primero con la solución. Luego inventan algún problema. Cuando la clave de un negocio de éxito es enfocarse primero en el problema. Despúes ver de que manera puede haber una solución.

Es obvio que esto no tiene que ver nada con lo que hago que es música pero relacioné inmediatamente como se podía traducir esto a la hora de mezclar. Es por eso que hoy vamos a hablar en este lluvioso día de Ama el problema y no la solución.

ama el problema no la solución

El Ego y la Técnica se Quedan Fuera

Si hay algo por lo que se nos caracteriza a las personas es que somos amante de los hábitos. Siento una tremenda emoción cuando tengo que mezclar una nueva canción. Es tanto, que a veces  me hace cometer fallos de los que habitualmente explico no se deben hacer. Abro la sesión, cargo lo archivos y empiezo como un loco a mover fader y procesar pistas. ¿ Pero que estoy haciendo ? Esto está totalmente mal. No decías que antes de comenzar a mezclar tienes que evaluar el material entregado y escucharlo varias veces? ¿ De que trata la canción ? ¿Que mensaje queremos trasmitir? ¿ Cuales fueron las indicaciones del productor o el artista? Son muchas de las cosa que tengo que tener en cuenta antes de tocar cualquier fader de la mezcla.

Aquí es precisamente donde relaciono eso de Ama el problema no la solución. ¿Cuantas veces hemos tratado de solucionar un problema por medio de eq, compresión, efectos ect una pista por la cuestión del hábito que tenemos ? Seguramente ni nos hayamos parado ni a evaluar la pista si necesitaba o no todo ese procesamiento. A veces esa guerra del lado técnico se impone sobre las decisiones objetivas y emocionales que al fin al cabo es lo mas importante. Lo que trasmite la canción cuando se escucha.

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Piensa en el Problema

Ya que hemos analizado el problema de la canción , entonces sí es momento de empezar a buscar soluciones, no antes.

Un ejemplo común: Digamos que tenemos una toma vocal que nos entregaron con mucha reverberación. A primera vista esto  nos molestará porque una vez que está impreso el efecto ya no tenemos control sobre él. Además que en este momento es cuando digo eso de que empieza a dominar el lado técnico porque  seguro que ya hemos pensando en ese plugin de Izotope rx que puede eliminar esa cantidad de reverberación verdad? =)

Quizá sea buena idea hablar con el artista para que nos mande esa vocal sin el efecto. Pero yo te pregunto, ya escuchaste la canción en su totalidad con todos los elementos? Si ?  no?. Si es no la respuesta entonces no has evaluado correctamente la canción. Ah que la respuesta es sí, entonces lo más seguro es que te hayas dado cuenta que fue una decisión creativa de parte del artista y del productor. Por eso te entregaron una vocal con esa naturaleza.

Aquí es donde ves que tratábamos de crear la solución a un problema que jamás existió porque el artista lo querría así.

Resumiendo

No trates de crear soluciones a un problema que no está ahí. Para eso primero tenemos que analizar el material que nos entregaron  y una vez que ya hicisteis esa evaluación entonces ya se puede empezar a mezclar.

La idea final a la hora de mezclar es tratar de enfatizar y darle un PLUS. Obviamente tiene que haber una parte técnica involucrada pero desde mi opinión  siempre deber ser direccionada por algo más grande como es la emoción. Hay que enfocarse en lo que la canción y el cliente piden. Ellos saben perfectamente lo que necesita la canción para que no pierda el sentido que le quisieron dar.

No olvides lo aprendido hoy a partir de ahora Ama el problema no la solucíón

Que tengas un feliz día amigo

Claridad en tus mezclas ¿Como hago?

Quizás uno de los propósitos que todo ingeniero de audio desea lograr, es tener claridad y punch en sus mezclas. El problema está en que no basta con ser un propósito. ¡Tenemos que conseguirlo! Somos conscientes que cuando comenzamos a dar nuestros primeros pasos, esto es una tarea tremendamente difícil. Muchas veces puede ser que  en la sesión de grabación no se hizo del todo un gran trabajo. Al estar estas pistas tan mal grabadas, se vuelve un problema aún mayor para nosotros.

Recuerda siempre esto. Si queremos hacer una buena cena gourmet pero lo ingredientes no son adecuados o están en mal estado, nunca podremos hacerlo. Suponiendo que estás dando tus primeros pasos y obtengas sesiones no muy bien grabadas, aquí te comparto unas recomendaciones. Estos tips estoy seguro que te ayudará a obtener Claridad En Tus Mezclas.

claridad en tus mezclas
Pro tools

Depende De La Canción

Lógicamente siempre digo que cada canción es diferente y es por eso cada mezcla es diferente. Cada genero musical, necesita su tipo de carácter sonoro. Es algo que debemos tener siempre presente al afrontar una mezcla. Algunas canciones por su género estarían destinas a sonar  de forma mas natural. Un ejemplo sería el Jazz o la música clásica. Mientras, otros estilos necesitan mezclas y sonidos mas agresivas como el Rock o algunas canciones de Pop-Rock.

Ten en cuenta que no es lo mismo mezclar a Louis Armstrong que a Nirvana.  ¿Como harías para que los dos suenen claros dado que son totalmente  son texturas sónicas diferentes?

Arreglo y Selección De Sonido

Como Ingenieros tenemos que tomar siempre decisiones. También a veces tenemos que crear sonidos que no existían antes. Pero jamás nada remplazará con más calidad, una producción cuidada. Creada a través de buena selección de sonidos y arreglos en la etapa de la Pre.producción.

Si el productor o músico hace una buena pre-producción,  asegurándose que los instrumentos no se peleen entre sí o con el vocalista, entonces hará que todo sea mucho más fácil para toda las etapas de producción.  ¡Para tener claridad en una mezcla no podemos olvidarnos de una  pre-producción bien pensada! Los instrumentos deben vivir en buena armonía en todo el espacio del espectro de frecuencias. Un balance adecuado es la clave para dar el primer paso para conseguir un buen resultado.

El Balance De La Mezcla

El balance de una mezcla es la clave del éxito en una gran mezcla. Muchas veces, (me incluyo) no le damos la importancia necesaria y créeme que eso es un tremendo error. También lo es pensar que el balance es solo mover fader y perillas de panorama. Cada pequeña decisión que tomemos de procesamiento en nuestra mezcla alterará dicho balance.

Si logras un buen balance desde el principio y luego vas haciendo pequeños ajustes conforme vas avanzando, ten por seguro que estarás muy cerca de obtener esa claridad que estás buscando. Nunca pensemos en una mezcla estática. Siempre se mezcla dos pasos adelante, uno hacía atrás en círculos. 

claridad en tus mezclas
OXFORD

Quitar el Exceso De Sonido

Lo mas normal cuando recibes sesiones multitrack, es que las pistas te lleguen sin ser editadas. Por ejemplo, cuando el cantante no está cantando, todo esa pista contiene un sonido extra de baja frecuencia de instrumentos. Incluso a veces de clicks que se han colado en la toma por no haber seleccionado unos auriculares adecuados. Elimínalo. 

Siempre toma como regla, filtrar todo el sonido innecesario que puedas. Al final todo suma y puede ser unas de las razones por la que tu mezcla no suene todo lo clara que debería.

Otro problema común son los problema de fase que puedan haberse creado en la grabación. Ten siempre en cuenta que que los problemas de fase hacen que tu sonido suene delgado y pequeño. Especialmente cuando hacemos grabación de baterías. ¡Cuidado!  Siempre controlar la fase cambiando la polaridad donde necesites para tener claridad y punch en tus mezclas.

Filtros de Paso Alto y Paso Bajo

Este es el truco que mas importancia para mi tiene al hacer una mezcla. Solamente tienes que ser precavido porque es muy fácil caer en la trampa de utilizarlos de mas.

El uso seria sencillo. Tomas un filtro de paso alto y cortas las frecuencias bajas del sonido que no necesitas que estén ahí. Por el otro lado del espectro al revés. Puedes utilizar un filtro de paso bajo para cortar  las frecuencias altas de un sonido que no lo necesitas tampoco o quizás suenan demasiado. Un ejemplo, sonidos estridentes extremadamente agudos de algunas librerías de sonido típicas de strings.

Si el arreglo y la selección de sonido están bien hechos, realmente no necesitas utilizar muchos filtros. Aunque siempre te va a servir para limpiar tus pistas y obtener mezclas más claras.

Los filtros son también tremendamente necesarios, cuando toda la sesión se ha grabado en vivo. Puede que haya mucho ruido de bajas frecuencias en instrumentos que no son necesarias. Poner un filtro de paso alto a todas las pistas en este caso sería una buena idea. No siempre en Bombo y Bajo dependiendo que busquemos en ellos. Utiliza tus oídos y confía en ellos.

Ecualización Sustractiva

La ecualización sustractiva la utilizo bastante en mis mezclas. Al igual que el escultor pule la piedra para crear una bella escultura. Como siempre todo depende la canción y de como de buenos son los sonidos con los que estoy trabajando. ¿Donde usar y para que la EQ sustractiva?

  • Quitar resonancias Esto se nota mucho cuando una sesión fue grabada en vivo. Suena como si una frecuencia molesta estuviera sonando detrás de lo que realmente nos interesa.
  • Limpiar suciedad A veces esto puedo ser confundido con resonancia, pero no lo es. Yo lo escucho como una acumulación de frecuencias en un rango de frecuencias específico que le quita claridad al elemento. Para vocales puede ser entre 200-400 Hz y a veces frecuencias nasales entre 600-750 hz . Estas frecuencias pueden hacer que la voz suene nublada y sin claridad.
  • Hacer Espacio A veces necesitas utilizar EQ sustantiva para quitar frecuencias de un instrumento para que otro instrumento de la mezcla tenga algo espacio para ser escuchado.
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Ecualización Aditiva

Otra forma muy común de utilizar la ecualización es de forma aditiva. Consiste en tomar una banda de una frecuencia particular y aumentarla sumando más de esas frecuencias. Esto no solamente es usado para claridad, pero también para agregar energía a un sonido y cortar a través de la mezcla.

Con la Ecualización aditiva siempre tardamos un poco mas de tiempo en aprender a hacerlo de forma correcta. Es un aprendizaje diario porque cada ecualizador además suena diferente. Es por eso que es muy bueno poder probarlos todos los que estén a tu alcance. 

Un aumento de 3dB en la frecuencia de un EQ de un determinado tipo, sonará muy diferente a otro EQ. Esa la belleza de los Eq y de sus timbres. Por ejemplo, Instrumentos como pianos y guitarras a veces con un pequeño aumento entre el rango de 1-5KHz, puede hacer que corte claramente un una mezcla de mucha densidad.

También se usa constantemente EQ en el Mix Bus siempre de manera muy ligera. Sobre todo cuando la mezcla está terminada o mientras está apunto de terminar. Yo en muchas ocasiones también he empezado la mezcla trabajando desde el principio con un Eq insertado en el Mix bus. Siempre busco filtrar todo lo por debajo de 20 a 25 hz y dar algo de aire sobre la zona de los 18 khz. 

Un plugins fantástico que te recomiendo es el  FabFilter Pro Q3. Es un Eq muy trasparente que desde luego se ha convertido en uno de mis favoritos.  Como todo cuidado siempre. La EQ aditiva puede ser abusada y no siempre es necesaria en cada instrumento.

Procesar Tus Retornos De Efectos

Haz insertado tu reverb favorito o delay en tu Aux pero parece que está ensuciando tu mezcla en vez de hacerla más musical. Este es un buen momento para pensar en procesar tus retornos de efectos con ecualización o incluso compresión.

Un poco de compresión puede ser clave para asegurarte el delay o la reverb se mantenga “en línea” siendo más consistente y fácil de posicionar en la mezcla.

Si estás trabajando en una mezcla de mucha densidad, ecualizar tu retorno de reverb puede ser muy útil si tu reverb también es poco opaca. Aplicar filtros de paso alto o quitar un poco de las frecuencias bajas puede ayudar a hacer la reverb más delgada posicionándola de mejor manera en el contexto de toda la mezcla. 

Las posibilidades son ilimitadas. Solo utiliza tu imaginación e intenta nuevas maneras creativas para procesar tus efectos. 

Distorsión o Saturación

Muchas veces cuando escuchamos la palabra “Distorsión” pensamos en sucio y entonces nos preguntamos ¿Cómo puede esto ayudarme en una mezcla para que suene clara?

Tenemos que saber que cuando utilizamos distorsión, lo hacemos en pequeñas cantidades.  Agregamos algo al sonido que no existía antes alterando su timbre.

La Saturación o Distorsión son un excelente inicio para empezar a separar por ejemplo el bombo del bajo.

La zona del espectro de frecuencias medias, es donde nuestros oídos son más sensibles a la escucha. Entonces, si un sonido puede estar más enfocado en el rango de medias frecuencias, nuestros oídos serán capaces de escucharlo aún mejor dentro de la mezcla. Es la maravilla de la saturación en las señales.

Traer hacia adelante los medios no es la única cosa que la distorsión o saturación hace. También agregará un poco de compresión (nivelará los picos). También nos puede ayudar a que algo suene más lleno o con mas densidad.

Reemplazo con SampleS DE Bombo y Caja

Podemos hacer lo mejor posible para utilizar lo sonidos que nos han dado. Aunque en ocasiones no podemos hacer un milagro sonoro con una pista mal grabada. En este punto tenemos que trabajar con remplazo de sonidos con ayuda de samples.

Quizá necesitamos un bombo grande que empuje la batería o una caja con mas pegada. Muchas veces es mejor esta decisión, que aumentar demasiado las frecuencias bajas de un bombo malo.

Otra razón por la que se mezcla con samples, es porque el bombo y la caja no están funcionando de manera correcta en frecuencias medias. Quizá te dieron un bombo que son puras frecuencias muy bajas y jamás vas a lograr obtener un snap propio en medias.

Es muy importante asegurarte de que el bombo que utilizas del sampler esté dentro de la vibra de la canción.

También hay veces que remplazar samples es la única opción porque el sonido original no funciona con el arreglo o porque el sonido original no es de la mejor calidad. Tener un mejor sonido puede marcar la diferencia para que suene una mezcla mucho mas clara.

Para terminar

Una de las partes que tienes que sumar a los conceptos para obtener claridad en tus mezclas, es el apartado emocional. Realmente nos centramos mucho en el aspecto técnico pero no podemos olvidar que la clave de la música está en el aspecto emocional. 

Después de que tomes estos tips, estoy seguro que conseguirás una mejor claridad en tus mezclas. Son trucos sencillos que yo tomé como un hábito en mis mezclas.

¡Haz tu lo mismo y me cuentas que tal te fueron! 

 
Inspirado en un texto de Justin Smith

Cierra los Ojos y Abre tus Oidos en tus Mezclas

Cierra una semana donde he estado haciendo sobre todo mucha mezcla. El otro día tomándome un pequeño descanso para los oídos, reflexionaba que hoy en día el poder grabar en un DAW nos ha permitido un sin fin de ventajas. Con ello hemos logrado maravillas con la música. Rara vez alguien se ha quejado a no ser que haya mencionado la típica discusión del tópico que si lo analógico suena mejor que lo digital. Sinceramente pienso que las dos tienes sus post y sus contras. También pienso que son dos filosofías distintas donde pueden llegar a un mismo punto.

Uno de los problemas reales de poder trabar con nuestro MAC/PC haciendo música es la pantalla que normalmente tenemos enfrente nuestra. Tendemos a mezclar con nuestros ojos y no con nuestros oídos. Podemos ver si la mezcla parece buena viendo su curva pero dejamos de escuchar lo que realmente está pasando. Por desgracia es muy común que nuestro cerebro muchas veces se deje dominar por lo visual en vez de por lo auditivo.

Es por eso que hoy nos paramos en este post que he nombrado Cierra los Ojos y Abre Tus Oídos.

mezclar con los ojos cerrados
Mixer

Todo se ve bien en la pantalla

Realmente mi experiencia en la industria musical apenas unos cuantos años. Lo que si es que desde el minuto 0 he estado expuesto a trabajar en un ordenador ya sea con Pro tools, Logic, Cubase etc. Aun en estudios grandes donde tuve la ocasión de poder visitar, también veía como aun teniendo mesas de mezcla analógicas de alta gama también tenian una pantalla de ordenador. Ha veces a un lado de la mesa y a veces entre los monitores del estudio.

El problema viene cuando nos preguntamos ¿que tenemos que “ver” o “buscar” en una mezcla?

  • Nuestros niveles están picando en el rojo? medianamente cerca del rojo?
  • Como es la compresión? Parece que es  poca? Quizás demasiada y está matando la dinámica?
  • Como son las ondas de audio en la ventana de edición?
  • Están alineados nuestros instrumentos exactamente con el tiempo?
  • Nuestra curva de ecualización parece poca pronunciada? O es demasiado?

El problema aquí es que nos dejamos guiar por lo visual claramente. En realidad esto no te ayuda. Solamente hace que tu subconsciente te traicione y te haga escuchar cosas que tal vez no están ahí. Te propongo una solución! Mezcla con los ojos cerrados!

¿Como lo hago?

Seguramente te estarás preguntando ¿Como voy a hacer una mezclar con los ojos cerrados si para usar mi DAW necesito estar viendo la pantalla?

La respuesta es sencilla. Cuando nuestro cerebro se centra más en un sentido ( como el visual ) los otros sentidos no los usamos a nuestro máximo potencial. Te pongo un ejemplo bastante sencillo donde entenderás el concepto.

Imagínate a una persona que nació ciega. Realmente ese sentido no lo tiene desarrollado. Por lo tanto su sentido auditivo esta muchísimo más desarrollado que el de  una persona que tiene ambos sentidos disponibles. ¿Esto por que es? Es porque el cerebro tiene que hacer funcionar a los dos no centrándose en un solo sentido.

Entonces, si cerramos los ojos es como si por un momento nos volviéramos ciegos y concentráramos todo nuestro potencial en el sentido auditivo. Esa es la técnica.

Obviamente necesitamos ver la pantalla para hacer que las cosas funcionen dentro de nuestro DAW pero creo que la mezcla tiene muchos momentos donde nos tenemos que parar a a escuchar. ese preciso momento es el idóneo para cerrar los ojos y centrar toda la atención en nuestros oídos.

  1. Empieza a subir los faders y escucha. Que escuchas?
  2. Empieza a ajustar los volúmenes y los  paneo. Cierra ahora los ojos y escucha con atención. ¿Hacia donde va la mezcla?
  3. Cuando hagas ajustes en la compresión o ecualización cierra los ojos y escucha. ¿El sonido es lo que buscabas?  ¿necesitas hacer más ajustes?

 

mezclar con los ojos cerrados
Mixer

Para terminar

La meta es intentar escuchar como el publico lo escucharía, sin ninguna clave visual. Consigue lograr que tu mezcla suene con los ojos cerrados. Lo mejor de todo esto es que tu mezcla estará en la realidad. La siguiente vez que te sientes a mezclar o cierra tus ojos o apaga la pantalla mientras escuchar las mezcla. Realmente trata de enfocar tu mente escuchando las pistas con atención. Ahora decide que necesita para que la mezcla suene bien. Seguramente te verás sorprendido por la cantidad de cosas que ha escuchado que antes eras incapaz teniendo toda tu atención en la pantalla.

Para el próximo día que vengan mis clientes a escuchar sus mezclas al estudio, apagaré la pantalla del Mac y quitaré las luces. Estoy seguro que su experiencia será mucho mejor.

Feliz fin de semana =)