AKG C414. Evolución a lo largo de los años

Mucho fueron las series lanzadas del AKG C414, en su evolución a lo largo de los años, destacando entre ellos por los tres tipos de cápsulas que se fueron usando. (Todas, por supuesto con una calidad de sonido distinta). El tipo de cápsula original del micrófono C12 vintage es de donde deriva toda la serie del AKG C414, que por su altísimo costo de fabricación, dejó de fabricarse pasando a la versión de Nylon como veremos después. Los micrófonos que aún conservan estas cápsulas son los modelos C12 vintage, Telefunken Ela M 250 y 251, C 12a, C412 y C414.

Estos micrófono tienen mas de 40 años y son bastante difícil hoy día de conseguir con cápsulas originales y en buenas condiciones.

AKG C 414

El segundo tipo de cápsula, tenía una respuesta en frecuencia especialmente plana y estaba pensado sobre todo para que fueran caballos de batalla en todo tipos de grabaciones. Entre estos micrófonos se encontraban los modelos C414-EB, C 414-B P48, C 414- B TL, C 414 B ULS y por ultimo el C 414 b-XLS.

A mediados de la década de 1980, AKG introdujo un sustituto de su cápsula CK 12 original. (llamaba la atención que aunque usan el mismo nombre nadie fuera de la compañía consideraba que realmente fueran similar). Se puede distinguir frente al segundo tipo de cápsula, por su elevada respuesta en altas frecuencias. Los micrófonos fabricados con este tipo de cápsula, a menudo se usaba y se usan para tomas vocales. Los modelos eran C414 TL-II, el C-12 Vr y C414 B XL-II.

Fotos Markus Sauschlager

Arbol familiar

Para poder enfocar un poco mejor y visualizar esa evolución fijaros en la siguiente imagen.

Evolución C 414

El AKG C 414 evolucionó directamente del venerado micrófono de tubo AKG C12 vintage cuando lo compañía adopto un tubo mas pequeño con el modelo C 12A en (1962).

Añadió electrónica de estado sólido de peine C414 comb (1971).

Pasaron a tener conectores XLR con el C414 EB ( 1976 )

Circuitería de potencia fantasma optimizada en el modelo C 414 EB- P48 de (1980)

EL C414 B-ULS (1986) con mejoras en la electrónica interna y obteniendo una mayor sensibilidad.

En (1993) fue el modelo C414 B-TL II . Este modelo combinó la respuesta en frecuencia del C12 vintage con una etapa de salida sin transformador que garantizaba un nivel plano de respuesta en todas las frecuencias por debajo de 4 khz.

Los últimos modelos C414 ofrecen mas flexibilidad proporcionando un patron polar extra y conmutación electrónica para la selección de patrones , almohadillas y rolloff

Un poco mas de historia de los C414 y su evolución

El C414 comb y el C414EB de 1971 y 1976 respectivamente, contenían la famosa «cápsula de latón CK12» que desarrolló la compañía originalmente para el micrófono de tubo C12 vintage.

El AKG C414 comb venía con un soporte giratorio y un cable fijo. Después el AKG C414 EB fue la primera versión en incorporar un conector XLR que comenzó a establecerse como un conector estándar en los Estados Unidos.

El AKG C 414 EB-P48 fue el primer modelo regular con un acabado en cromo negro. Fueron personalizados con carcasa negra por los constantes problemas con los focos de luz en televisión. El C414 EB-P48 funcionaba únicamente con alimentación fantasma de 48V. Ya incluía este modelo la cápsula Nylon CK12 (a menudo llamada erróneamente «Teflon CK12»).

Esta cápsula reemplazó a la costosa cápsula Brass CK12 de Latón ya a fines de la década de 1970 durante la producción del C414EB original. Todos los modelos C414 posteriores vinieron con las cápsulas de nylon.

MEDIADOS DE LOS 80

A mediados de la década de 1980 se introdujo el AKG C414B-ULS. Tenía una electrónica diferente, técnicamente más actualizada y con mejores especificaciones (mayor sensibilidad, menos ruido propio, etc.). Hubo una pequeña versión de una versión sin transformador: el C414B-TL.

A mediados de los 90 se introdujo el C414B-TLII. Originalmente, esto era solo una prueba de mercado puesto que AKG estaba a punto de comercializar su micrófono de tubo «The Tube» con una nueva versión del Nylon CK12 para que se parezca más al sonido del legendario micrófono C12. 

El C414B-TLII fue equipado con esta cápsula modificada para examinar cómo era aceptado por el mercado. Resultó ser un gran éxito y las cifras de ventas superaron rápidamente a las de el original C414B-TL. Así que la cápsula también se usó en el modelo de tubo, que luego pasó a ser llamado «C12 VR«.

Nuevos generación a partir del 2000

En 2004, se presentó la nueva generación de C414: el C414B-XLS y el C414B-XLII. 

Reemplazando a sus respectivos antepasados, estos micrófonos tienen especificaciones mejoradas, una suspensión de cápsula elástica muy efectiva e interruptores electrónicos para todas las funciones (control de patrones, atenuación y filtros de corte bajo).

AKG GmbH Vienna

AKG GmbH Vienna fue cerrada para siempre en el verano de 2017 por Harman International Company. Harman continuaba utilizando la marca «AKG» para vender copias de los productos originales de AKG que ahora se producen en China, Hungría, etc. Desde que Harman despidió a los ingenieros empleados de AKG austriacos, no se esperado un mayor desarrollo en la línea de micrófonos C414.

De todos modos, las antiguas personas de AKG ahora se reúnen en la recién fundada «Austrian Audio GmbH» en Viena y continúan llevando el legado de AKG hacia al futuro.

En 2019 se presentó un nuevo micrófono relacionado con C414: el Austrian Audio OC818.
El OC818 presenta una versión de alta calidad de nuevo diseño de la cápsula CK12, llamada CKR12. El CKR12 es un pariente mucho más cercano acústicamente a la cápsula original de latón AKG CK12 y definitivamente es un gran paso adelante en calidad por encima del Nylon CK12. Tiene un gran equilibrio sonoro y un sonido casi listo para mezclar, mucho más útil que sus predecesores de Nylon de las últimas décadas. No suena tan elegante como el CK12 de latón de los 70 pero tiene el mismo peso y claridad.

Austrian Audio


El OC818 es el primer micrófono que se puede controlar de forma totalmente remota a través de Bluetooth, y cuenta con una salida independiente para cada lado de la cápsula (frontal y posterior).
Estas características brindan una libertad creativa sin precedentes y demuestran que el espíritu innovador de Austria en el diseño de micrófonos sigue vivo.

Para terminar

El diseño de la carcasa del AKG C414 y la cápsula de latón CK12 original son desarrollos del ingeniero de AKG, Konrad Wolf. La primera versión C414 comb con cápsula de latón CK12, es considerada por muchos ingenieros experimentados como el modelo C414 con mejor sonido, seguido de cerca por el C414EB dentro de la serie AKG 414. Lo difícil, como hablábamos antes, encontrarlo bien mantenidos y en un estado optimo.

Espero que hayas disfrutado del articulo tanto como yo lo hice para encontrar toda la información.

¡ Hasta la próxima !

Fuente = Markus Sauschlager y Gearslutz

Estructura de ganancia adecuada

Es muy importante en nuestras mezclas y grabaciones establecer una buena estructura de ganancia. Cada equipo analógico o plugins que usemos se benefician en su conjunto final. Principalmente una de las cosas que debemos evitar es tanto la distorsión como el exceso de ruido de fondo. Ambos, enemigos directos si queremos lograr claridad, profundidad y sobre todo dinámica en nuestras mezclas y grabaciones.

Una de las cosas que también tenemos que pararnos a pensar, es en que tipo de entorno trabajamos. Con esto quiero decir,

  • ¿Trabajamos de forma ITB (in the box) exclusivamente?
  • ¿Trabajamos de forma híbrida usando puntos de inserción de equipo analógico con nuestras interfaces?
  • ¿Directamente trabajamos en una mesa analógica usado nuestro DAW solo como grabador digital a disco duro?

Esta es la principal pregunta que nos debemos hacer para que podamos descifrar la estructura de ganancia correcta que necesitaremos en nuestro camino a un buen trabajo.

¿Que es realmente la estructura de ganancia?

 Es el proceso de asegurarse, que tenemos un nivel apropiado de señal de audio en cada uno de los puntos de recorrido de la señal. Un buena estructura de ganancia significa que desde la primera etapa de la ruta de señal, hasta la última, ha sido cuidada. Con esto quiero decir, desde el paso donde comienza la fuente en instrumentos o voz, micrófonos, preamplificadores hasta por último llegar al bus master estéreo final.

Para grabación…

Siempre debemos asegurarnos de que todo lo que grabemos tenga el nivel de ganancia correcta. Por ejemplo, si nuestras grabaciones son demasiados fuertes o demasiados suaves, seguramente nos toparemos con problemas mas adelante. Así que antes de grabar, debemos pararnos a configurar nuestro preamplificador de forma correcta ante la fuente que vayamos a grabar.

Normalmente, en mi caso, busco que la ganancia en el medidor de pro tools oscile alrededor de -18 a -12 dBFS. Si grabas el sonido con esta estructura de ganancia, no deberías tener nunca problemas. Ni con plugins, ni con sumas digitales en tu bus de mezcla. 

Un truco, a la hora de medir la estructura de ganancia en la grabación, es tener en cuenta que los músicos no tocarán con la misma fuerza mientras graban. Seguramente emplearán muchos más fruto de la tensión. Debemos tener esto en cuenta a la hora de elegir nuestro nivel adecuado en el momento de ajustar nuestra estructura de ganancia.

para mezcla…

Uno de los pasos que normalmente hago antes de comenzar a mezclar, es insertar en cada canal de mi mezcla un plugins de ganancia. Por ejemplo el gain de pro tools . Lo situo en la parte superior de mi cadena de plugins. Luego voy a mi bus estéreo y pongo un medidor VU. Después, comienzo pista por pista escuchando cada instrumento o voz en solo. Por lo general, debemos hacerlo siempre en la sección de la canción donde cada instrumento o voz suenen mas fuerte.

Por último, verifico y soluciono cualquier cosa que generalmente esté por encima de 0 dB en el medidor de VU insertado en mi Mix bus. Es una tarea tediosa cuando tenemos muchas pistas pero necesaria. Debes tener en cuenta que la mayoría de las personas graban sus instrumentos con demasiada fuerza en sus home-studios y por eso, debes hacerlo por tu bien.

Podrá sonarte algo contradictorio pero las grabaciones que han sido grabadas demasiado fuerte, siempre suenan al final con una sensación de nivel más floja. Sé que puede sonar ridículo pero es así. Me ha ocurrido en muchas ocasiones.

Cuando nos llegan canciones con señales extremadamente altas, tenemos por lo general, menos margen para trabajar. No podremos de echo ni aumentar volumen, ni procesar de forma normal porque a la mínima tendremos problemas con distorsiones desagradables.

¡Grabar y mezclar con una estructura de ganancia adecuada es clave en todo!

El HEADROOM

El nivel máximo que puede tolerar una mezcla digital es de 0dB Full Scale. Esto no es lo mismo al 0 dB de las mesas analógicas, donde normalmente al mezclar, se rebasa de forma intencionada para alcanzar ese punto dulce que nos brinda lo analógico cuando lo empujamos.

Todo el nivel que la mesa de mezcla analógica pueda tolerar por encima del 0 dB hasta la distorsión se llama Headroom.  

Este principio de las consolas analógicas clásicas, se puede aplicar en la mezcla ITB. Siguiendo algunos principios de ajustes de niveles óptimos de estructura de ganancia por supuesto. Podríamos lograrlo tanto en grabación como en mezcla.

Bob Katz y el sistema k-20

En mezcla, en lo que respecta a niveles nominales, existe un conocido sistema llamado  K-20 sugerido por el famoso y prestigioso ingeniero de mastering Bob Katz. Consiste en el uso de un medidor (RMS promedio) en el que el 0 dB está calibrado para caer a 20 dbs menos que el 0 dB digital o Full scale. Por lo tanto cuando la señal marque 0 dB, en realidad está a -20 dBs. También como podemos ver en la gráfica de a continuación existe el sistema K-14 y k-12.

Además si estamos trabajando con el nivel de línea de salida profesional (+4 dBu), vamos a tener que cuando la señal esté en -20 dB estaremos en los +4 dBu. Igual al  0 Vu nivel nominal operativo de mesas analógicas, ecualizadores, compresores, etc

Entonces, como hemos hablado, el sistema K que implantó Bob Katz consta de una referencia de nivel. Se usa en un nivel estandarizado que corresponde, a la zona en la que los oídos son más «planos» en respuesta en frecuencia.

La idea final consiste en ajustar la estructura de ganancia de cada canal en la mezcla para que las señales RMS caigan en K-20 del medidor. Según nuestro ajuste también podríamos querer usar K-14 O K-12. De esta manera, cuando sumemos todas las señales de la mezcla, mantendremos el margen de Headroom suficiente en todo momento, produciendo mezclas mucho mas consistentes y que no estarán sobre comprimidas.

eNTORNO HíbridO analógico-digital

Hoy día muchas personas aún les gusta incorporar equipos analógicos externos en sus configuración DAW. Ya sea a través de sumadores o con insertos de equipos analógicos a través de puntos de inserción en sus interfaces. 

Por ejemplo, yo a menudo uso compresores hardware insertados en canales individuales en mis mezclas en Pro tools. En tales escenarios, trato cada canal de manera similar a como lo haría con mi bus de mezcla estéreo cuidando los niveles. Pero no solo eso, sino también debo tener en cuenta como está enrutado a través de mis convertidores DA y AD.

Una cosa que debes saber es que los medidores de pico de nuestro DAW no captarán ‘picos entre muestras’, donde la forma de onda reconstruida verdadera puede alcanzar 3dB o más por encima de 0dBFS. Si solo usamos el proyecto con nuestra propia interfaz, no es un problema porque deberíamos poder escuchar un problema si lo hubiera. Pero imagina que compartimos nuestro proyecto Pro tools con algún compañero de banda o con cualquier otra persona…

Estudio La Joya

Suma analógica

La mayoría de los convertidores profesionales están diseñados para producir +24dBu para una señal 0dBFS. Este es el nivel de corte de la mayoría de los equipos analógicos. Para aquellos que mezclan con niveles altos de mezcla, alrededor de -6dBFS promedio por ejemplo, deben saber esto. El equipo manejará señales que están alrededor de 18dBs más caliente de lo que estaba destinado a hacer frente. Por lo que a menudo sonarán esos equipos mucho más duros, frágiles y tensos. 

Mantener un margen de espacio libre de 20dB en el DAW evita ese problema y no comprometerá el ruido de fondo digital. Todavía sería 95dB más bajo. En otras palabras, está más o menos alineado con el ruido de fondo analógico. Sin embargo, tengamos en cuenta que existe un riesgo inherente al trabajar así.

Si la cadena de monitoreo analógico de nuestro DAW está configurada para señales con un promedio de alrededor de –20dBFS, debemos tener cuidado con nuestros oídos si reproducimos una pista masterizada con un pico de 0dBFS. 

Por esta razón, es muy recomendable tener siempre un controlador de monitores de buena calidad en nuestro estudio.

Establecer faders de manera optima

Los faders en nuestro DAW están diseñados para tener una mayor ‘resolución’ alrededor de la posición ¨ganancia de unidad¨. (Posición predeterminada de los fader en cualquier DAW ). Los pequeños movimientos de cada fader en esta zona de 0 producen pequeños cambios de ganancia. Mientras, en otras partes de todo el recorrido, pequeños movimientos de fader producen mayores cambios de dbs de ganancia.

Por eso si mezclamos automatizando nuestros faders, el objetivo inicial (en mi opinión) debería ser el de trabajar hacia un equilibrio de mezcla estática. Todos los faders deben estar alrededor de la posición de ganancia de unidad. Esto nos dará un mayor control cuando necesitemos ajustar a medida que avanza la mezcla.

Para hacerlo, descubrí un truco que te comparto. Se trata de que cuando comencemos a establecer los niveles de entrada, lo hagamos con todos los faders alrededor de -6dB. ¿Por qué -6dB? A medida que avanza la mezcla, a menudo tendremos que automatizar alguna pista aumentado su ganancia. Lo que significa que cuando apliquemos esos pequeños aumentos, nuestro faders aún estarán justo en la zona donde son más controlables. 

Para terminar

Comprender cómo administrar la estructura de ganancia podría marcar una gran diferencia en la calidad de nuestros trabajos en el estudio. Evitar estos errores fundamentales por desconocimiento al principio de nuestras carreras, nos ahorrará innumerables momentos de frustración y de dolores de cabeza a medida que agarramos experiencia con los años.

Espero que este articulo te haya sido de utilidad

¡Hasta la próxima!  

Fuente: 7 notas de estudio y Sound the Sound

Micrófonos vintage. 4 pilares históricos de la grabación

Hace algo así como dos semanas en pleno confinamiento, me senté a leer una entrevista. El protagonista, uno de los ingenieros más exitosos de la actualidad Rafa Sardina. Me llamó mucho la atención como hablaba sobre los micrófonos vintage. Como esos micrófonos vintage se habían ganado un sitio en la industria a lo largo de tantos años. Tanto por su carácter como por su estilo definido. Hazte la idea, que estos micrófonos vintage perfectamente pueden tener la misma edad que tus padres o incluso tus abuelos.

En Confinamiento

Como decía entre otras cosas, Rafa hablaba de un tema en el que estaba muy interesado. Micrófonos vintage. El comentaba como ciertos micrófonos podrían sonar horrible en una aplicación determinada y en cambio en algo concreto ofrecían algo muy único y especial. Eso me hizo pensar lo fundamental que era para mí conocer en profundidad los micrófonos vintage y su historia.

Hoy en día existen muchas emulaciones de estos clásicos accesibles. Muchas de ellas, con una gran calidad de construcción e incluso de sonido. Pero, ¿Como puedo valorar la calidad de construcción de esas emulaciones? ¿Como lo puedo valorar sónicamente frente a una versión original? ¿Como puedo saber que tan cercan suenan uno de otro sin saber realmente como suena un micrófono vintage bien mantenido?

La realidad es que me tomé un tiempo en investigar varios de los micrófonos en lo que estaba interesado. Así poder valorar, con mayor criterio, una emulación o incluso una unidad original si alguna vez podía comprarme. Por eso con mucho gusto te traigo una descripción detallada de 4 de los pilares históricos de la grabación. 4 micrófonos vintage que han sobrevivido entre nosotros a lo largo de tantos años por un motivo.

Akg C12

Uno de los micrófonos vintage más reconocidos de la historia es el AKG C12 original. Introducido en 1953 permanece en producción durante una década hasta 1963. Su cápsula de diafragma doble con terminación de borde CK12 a menudo se afirma que es la mejor cápsula de micrófono de condensador jamás diseñada. En realidad funciona de una manera diferente al diseño basado en Neumann M7. (El sistema AKG se basa en un diseño de resonador mientras que las cápsulas de Neumann emplean un concepto «aperiódico»). 

De hecho, la cápsula CK12 evolucionó bastante a lo largo de los años. Evolucionó con diferentes materiales de diafragma (styroflex o mylar) y espesores (10, 9 o 6 micras). Además, sus dimensiones fueron cambiando en la cámara de la placa posterior. Esto según he podido leer fue para aumentar la sensibilidad consiguiendo como efecto secundario una mayor respuesta de HF. Sin intención se dice, se convirtió en una característica clave del sonido C12.

Este micrófono vintage también se construyó con diferentes transformadores de salida a lo largo de los años. Aunque siempre empleó una válvula 6072 de doble triodo como convertidor de impedancia. En consecuencia, probablemente haya habido más variaciones del AKG C12 que cualquier otro micrófono de producción vintage.

Sin embargo, la cápsula CK12 pasó a formar la base del clásico micrófono C414. Desde entonces ha sido inspirado en el diseño de muchas de las cápsulas de condensador de diafragma grande de AKG. Un micrófono C12 original en buen estado hoy puede costar alrededor de 12.000 Euros.

CARACTERISTICAS DEL AKG C12

Uno de los aspectos únicos del C12 en aquel entonces, era su hasta nueve opciones de patrones polares. Conmutables en lugar de solo dos o tres. Sin embargo, el patrón no se pudo seleccionar desde el mismo micrófono. Se conectaba una unidad de potencia a medida (llamada N12). También conectaba a otro cable multinúcleo que iba a una caja de control. Esta caja de control remoto dedicada, fue llamada S12 donde proporcionaba la conexión de salida de audio. Un gran interruptor giratorio en la caja S12, seleccionaba el patrón polar deseado. Con lo que permitía tomar decisiones y audicionarlas desde la sala de control por primera vez.

REEDICION AKG C12VR

AKG lanzó una versión de reedición del C12 en 1994, llamada C12VR. Sin embargo, este nuevo modelo empleaba una válvula 6072 para el convertidor de impedancia. Tanto la construcción de la cápsula como los circuitos electrónicos eran significativamente diferentes y también por lo tanto, lo era el carácter del sonido.

conexión Telefunken-AKG

Curiosamente, hubo una conexión histórica entre el AKG C12 y el Neumann U47. A finales de la década de 1950, Neumann gestionó la distribución mundial de sus propios micrófonos. Dejó a Telefunken sin el enormemente exitoso U47 como su micrófono de condensador insignia. En contragolpe, Telefunken encargó a AKG que produjera una versión a medida del C12, pero con un selector de patrón polar más simplificado en el micrófono.

El resultado fue el Telefunken ELA M 250E. Se presentó con opciones de patrón cardioide y omnidireccional y se le incorporó un cuerpo ligeramente más gordo que el C12 original. Esto se hizo con la intención de acomodar la conmutación y los circuitos adicionales

El circuito simplificado, la construcción interna, el tamaño de la rejilla, contribuyó a un carácter de sonido diferente. En comparación con el AKG C12 original.

Aún así , era y es un micrófono excelente por derecho propio. Una variante posterior llamada ELA M 251E se hizo muy popular y conocido en Estados Unidos. Esta como característica principal, tenía una tercera opción de patrón polar en forma de ocho. 

Siemens comercializó versiones OEM de ELA M 250 y 251, llamadas SM203 y SM204, en Europa.

Neumann u47

El U47 fue el primer de los micrófonos vintage de condensador lanzado por Neumann. Después de la reubicación de la compañía en Berlín después de la Segunda Guerra Mundial en 1947. Al igual que con muchos otros micrófonos Neumann, su número de modelo deriva del año de su concepción. Aunque no fue oficialmente lanzado hasta 1949. Hoy en día, los U47 en buenas condiciones pueden cambiar de manos por más de 15,000 Euros.

Como el primer micrófono de condensador de patrón conmutable disponible comercialmente del mundo, el U47 fue un producto innovador. Aunque originalmente utilizó la misma cápsula M7 que fue desarrollada para el micrófono CMV3 anterior a la guerra de Neumann. Un diseño de doble diafragma con terminación central con diafragmas de PVC, utilizó la cápsula de una manera nueva y revolucionaria. Mientras que el diafragma posterior se dejó desconectado en el CMV3, otorgando un patrón polar cardioide fijo. Un interruptor justo debajo de la rejilla del U47 permitió que el diafragma posterior también se polarizara. Esto permitío al usuario cambiar entre un patrón polar cardioide o omnidireccional.

U47 VINTAGE

A partir de 1956, la cápsula se rediseñó para usar diafragmas de poliéster más estables. En consecuencia, se le cambió el nombre a K47 / 49. Aún en ese entonces, todavía era fundamentalmente muy similar a la cápsula M7 original. Específicamente, era un diseño de una pieza con un electrodo medio compartido. Un enfoque que dificultaba la coincidencia de la tensión de los diafragmas delantero y trasero. Por lo tanto el patrón omni era bastante variable entre los modelos de producción. 

U48

Un micrófono hermano llamado U48 se lanzó a mediados de la década de 1950, ofreciendo al usuario una opción diferente de patrones polares. Cardioide o figura de ocho. Este último logrado restando la salida del diafragma trasero de la del frente.

El convertidor de impedancia del micrófono se construyó alrededor de una válvula de pentodo VF14 de Telefunken. Funcionaba como un Triodo pero a finales de la década de 1950 Neumann eran los únicos clientes restantes para este diseño en particular. Por ello, Telefunken dejó de producir. 

Naturalmente, Neumann buscó una válvula de reemplazo adecuada y lanzó el modelo U47N en 1962 con una válvula Nuvistor. Aunque el carácter del sonido no era el mismo y el U47 finalmente se retiró en 1965 reemplazado oficialmente por el modelo U67.

CAMBIO DE NOMBRE

A lo largo de la década de 1950, Telefunken se encargó de la distribución mundial de micrófonos Neumann. A la compañía también se le permitió cambiar el nombre del micrófono en los EE. UU. Como ‘Tele 47’, y fue de esta forma que el U47 usurpó rápidamente los micrófonos de cinta de RCA como estándar de estudio. Es por eso que uno de los artistas más conocidos de la época, Frank Sinatra, a menudo se refería a cantar con su micrófono ‘Telly’. Es decir, el Neumann U47.

En 1969 se introdujo una versión de estado sólido del U47, que usaba exactamente la misma cápsula K47 / 49, llamada U47 FET. Tenía muchas cualidades excelentes y se convirtió en un micrófono icónico por derecho propio. Pero tenía un carácter de sonido diferente al de la válvula original U47.

Neumann u67

Cuando se advirtió sobre la inminente obsolescencia de la válvula Telefunken VF14, Neumann se propuso desarrollar un nuevo micrófono de condensador. Querría reemplazar el U47. A partir de una hoja de papel limpia, los ingenieros de la compañía aprovecharon la oportunidad para introducir varias mejoras de ingeniería significativas. La evolución más obvia fue la forma del micrófono. Fue presentando el icónico cuerpo cónico y la rejilla con forma de cincel. Había que atraer de nuevo a un mercado en años 60 mucho más consciente al estilo.

U67

Rediseño de rejilla

Uno de los cambios más importantes fue rediseñar la rejilla de la cápsula. Se construyó dos mitades independientes y autónomas que luego podrían atornillarse una a la otra. Esta forma de ensamblaje, no solo era mucho más simple. También hizo que fuera mucho más fácil hacer coincidir con precisión las tensiones del diafragma en un lote de cápsulas. La cápsula resultante de doble diafragma fue bautizada como K870 / 67 usando diafragmas de lámina de poliéster pulverizados en oro.

 ¡Este diseño innovador se ha convertido en la cápsula más copiada del mundo hoy!

El circuito de conversión de impedancia también era sustancialmente más avanzado que el del U47. Basado en un pentodo Telefunken EF86. Estaba conectado nuevamente como un triodo. Un devanado terciario en el transformador de salida proporcionó retroalimentación negativa para mejorar la distorsión. Se implementó una caída brusca por debajo de 30Hz en el circuito de la red para ayudar a prevenir sobrecargas de baja frecuencia.

Incorporación de patrones polares

Los ingenieros de Neumann incorporaron la capacidad de seleccionar patrones polares cardioides, omnidireccionales o fig-8 a través de un interruptor justo debajo de la rejilla. Dos interruptores en la parte trasera, permitieron una almohadilla de 10dB y un filtro de paso alto. Estas mejoras fueron necesarias debido a la creciente popularidad de las técnicas de micrófono cercano. Se tenía que evitar sobrecargas y controlar el efecto de proximidad.

U67

Desde que este micrófono completamente nuevo fue diseñado e introducido en 1960, el primer lote de producción se lanzó como el U60. Sin embargo, los distribuidores estadounidenses de Neumann en este momento, persuadieron a Neumann para cambiar el nombre del modelo al U67. Estrategia basada en capitalizar el gran éxito y popularidad de su predecesor, el U47. 

El micrófono U67 permaneció en producción desde 1960 hasta 1971, y hubo una nueva edición de edición limitada en 1993. Los micrófonos U67 originales en las mejores condiciones pueden cambiar de manos hoy por hasta 12.000 Euros.

El u67 a U87

En 1967 se introdujo un reemplazo de estado sólido para el U67. Este nuevo micrófono fue bautizado como U87. Se ha convertido posiblemente en el más conocido de todos los micrófonos de Neumann. De hecho, el U87 fue uno de los primeros micrófonos con alimentación fantasma introducidos por Neumann. El voltaje de funcionamiento relativamente bajo que esto requería requería una construcción de cápsula ligeramente diferente, conocida como K87

Bob Dylan – U67

Sin embargo, al año siguiente fue presentado el llamado u77. Hermano directo de la unidad u87. Funcionaba con un sistema de alimentación AB de 12 V. Por lo tanto, necesitaba un convertidor CC-CC para generar un voltaje de polarización de cápsula suficientemente alto. Lo que permitía el uso de la cápsula K870 / 67 original del U67.

Cuando el U87 fue rediseñado en 1986, se retiró la sección de la batería interna del diseño original. Se incorporó un convertidor DC-DC que permitió que el modelo U87 Ai actual que hoy conocemos volviera a usar también la cápsula K870 / 67.

Sony C800G

Otro de los micrófonos vintage de condensador de válvula fue el Sony C800g. Se introdujo en 1992 y puede llegar a costar alrededor de 9000 euros. El objetivo del diseño de este micrófono era crear ‘el micrófono vocal definitivo’ con la calidad de sonido más alta posible. Tiene algo de un carácter sonoro único que es extremadamente abierto y airead sin llegar a sonar áspero o enfatizando por la sibilancia. El patrón polar, se puede seleccionar entre omni y cardioide mediante un interruptor en el cuerpo del micrófono.

El circuito de conversión de impedancia está construido alrededor de una válvula de pentodo 6AU6A. Una novedad respecto a antiguos micrófonos vintage, es que el Sony C800g es el único en presentar un sistema de enfriamiento termoeléctrico incorporado. Eso explica la gran proyección en su forma hacia atrás con el disipador térmico. Basado en el principio de Peltier, este sistema de enfriamiento no tiene partes móviles ni líquido. 

Un material semiconductor se intercala entre dos placas de metal. Cuando se aplica un voltaje de CC a través del material, se acumula un diferencial de temperatura entre las dos placas. Una placa está conectada al disipador térmico externo y permanece a temperatura ambiente. Lo que obliga a la otra placa, a enfriarse. Esto era de tremenda asistencia para ayudar a reducir el ruido térmico de los circuitos electrónicos. El cuerpo de aluminio de dos partes, está diseñado para minimizar la conducción de ruido mecánico a la cápsula.

Para terminar

Como ves conocer un poco de la historia de estos micrófonos vintage, te dará lugar a tener un mayor conocimiento sobre ellos y sobre sus usos. Yo disfruté muchísimo buscando toda la información que encontré. Estamos antes pilares históricos que siguen siendo las principales unidades existentes en los mejores estudios de grabación de todo el mundo.

Te comparto unas experiencias del uso de estos micrófonos en palabras de Michel Martin

Para mi, dentro de los micros de válvulas vintage añadiría el Neumann M49 y Neumann M50. De todos los mencionados me quedaría con estos 5:

Telefunken ELA M 251, U67, U47 con (M7 y VF14), Neumann M49 y el AKG C12.

Los más versátiles históricamente han sido el ELA M251, el U67 y el U47 con esa configuración y con una cierta modificación (algo más de voltaje en la válvula para que tenga más compresión y más grano). Para voces con más punch en frecuencias medias funciona muy bien. Luego el C12 lo utilizaba para voces donde se requería más brillo y un sonido más abierto en agudos. El clásico M49 también lo usábamos frecuentemente donde buscábamos más cuerpo por su particular Low End. Mucho más que ninguno de los otros micrófono mencionados.

Además añadiría en una lista de micros vintage, algunos micros de cinta dentro del abanico de posibilidades como los RCA BX44 y DX77 con los que he trabajado mucho en los estudios RCA durante los 90. Añadiría a esta lista de micrófonos vintage los dinámicos EV R20 y el Shure SM7.

Michel Martin

Aunque en mi opinión sus precios son desorbitados, son piezas de museos con una gigantesca historia detrás. Lo más importante siempre, que hayan sido bien mantenidos. Solo así podrás disfrutar de una verdadera Joya en tu estudio

¡Hasta la próxima!

Fuente de datos – revista Sound the Sound

LUNA. El Nuevo DAW de Universal Audio

Luna es el nuevo sistema de grabación presentado por la compañía UniversaL Audio en esta ultima edición de el NAMM 2020 en Los Ángeles ( California). Toda una sorpresa para el sector del audio. Nueva propuesta que nos traen la gente de UAD. Pero, ¿que es realmente Luna? ¿para que tipo de personas está orientado? ¿Debería cambiar de DAW en la actualidad? Es un buen día para que hablemos un poco mas de ello!

Luna Recording System

Luna es un DAW (Estación de trabajo de audio digital) que podrán utilizar aquellos que poseen en sus estudios una interfaces de Universal Audio. Ya sea que poseas cualquiera, de sus versiones de la gama UAD Apollo Twin y Apollo ( solo para Mac ), podrás hacer uso de forma gratuita de LUNA. Actualmente aún no ha sido lanzada, aunque en su web, ya anuncia la compañía que estará disponible en la primavera de 2020.

Esta estrecha integración entre las interfaces Thunderbolt de Universal Audio y el nuevo software, estoy seguro que brindará a los usuarios una experiencia de grabación, mezcla y producción excelente. Con una latencia casi de 0 y un flujo de trabajo de modelado analógico

¿Será una buena opción para mí?

Esta es la gran pregunta que nos hacemos todos los usuarios que cuentan con una interface de Universal Audio actualmente. Yo en mi opinión pienso que hay que tener paciencia. Es muy posible que LUNA no sea tan avanzado como los Daw ya existentes ( Pro tools, Cubase, Logic, Studio One). Aunque realmente en mi interior, sabiendo de lo que es capaz Universal Audio, doy un boto de confianza en las características principales de la suma en mesa de mezclas y la suma en Cinta Analógica virtual a través de sus plugins DSP. Además, contará con algunos famosos instrumentos de forma virtual que seguro que sorprenden. El que como repito, sea de forma gratuita ( usuarios de Interfaces UAD ) es algo, que hace que cuente los minutos para que llegue la primavera.

Lo malo para muchos, es que LUNA no admite superficies de control externas. Es decir, si trabajas con tu controlador en tu DAW actual con protocolo EUCON, Mackie Control o HUI, lamento decirte que no lo podrás utilizar. Esto es un problema para mucha gente y me imagino ( y espero ) que con el tiempo lo puedan solucionar.

¿Que pasa para usuarios que no tenga Interface de Universal Audio?

Según he podido informarme en un foro americano, UAD menciona que funcionará con un iLok para usuarios que no tengan interface de audio de Universal Audio. Esto me hace pensar que lo podrás comprar o puede que te sirva de gancho para poder cambiar tu interface y pasar a una de UAD.

Teniendo en cuenta todo, podemos hacer un balance general de LUNA diciendo que a favor tiene Integración perfecta con hardware UAD, integración virtual de suma en mesa analógica y suma en cinta analógica, nuevos instrumentos virtuales geniales y sobre todo que es GRATIS para propietarios de una interface de Universal Audio.

Por el contra, la no integración con controladoras DAW con protocolos EUCON, Mackie o Hui, que solo sea para Mac ( de momento ) y que sus características, previsiblemente no serán tan avanzadas como los DAW actuales…

Aunque realmente puedo romper una lanza a su favor. No son muchos los años que han pasado desde que apareció en el mercado STUDIO ONE. Al principio, era un DAW muy simple que con el tiempo, se fue desarrollando hasta alcanzar a ser un DAW en miles de estudios de todo el mundo. Con lo que, con este pre-texto se debe tener confianza en lo que trae a la mesa Universal Audio. Por ello son una compañía desde hace años muy innovadora.

No estará disponible hasta la primavera del 2020. Con lo que toca esperar y celebrar esta nueva iniciativa de los chicos de UAD.

Solid state logic 2 & 2+. Calidad SSL a bajo coste

Por primera vez en la historia Solid State Logic presenta sus nuevas interfaces de audio en el mercado. Lanzan dos modelos el SSL 2 y el SSL2 + en las cuales se están exhibiendo en estos días en el NAMM 2020 en Los Angeles (California). Una de las cosas más emocionantes de estas interfaces es la capacidad de obtener la misma calidad de sonido de las legendarias mesas analógicas SSL 4000 clásicas. Aunque si esto es sorprendente, lo es más su bajo coste.

SSL 2+

¿Que Diferencias hay entre SSL 2 y SSL 2+?

Las diferencias principalmente entre los dos modelos SSL 2 y SSL 2+ es que SSL 2 admite 2 entradas y 2 salidas. Mientras, el modelo SSL 2+ presenta 2 entradas y 4 salidas. 

Además, el SSL 2+ viene con 2 salidas de auriculares en lugar de 1 lo que la hace más completa y versátil. Ambas interfaces están alimentadas por el cable de conectividad USB tipo C. Añadir que el modelo SSL 2+ también incorpora puertos de entrada y salida MIDI.

Panel Frontal y trasero

En el panel superior de las dos interfaces (SSL 2 y SSL 2+) encontrarás 2 secciones de canales en la parte izquierda. Aquí puedes cambiar la señal entre + 48V (phantom) para micrófonos de condensador. También entrada de instrumento Hi-Z y niveles de linea. Justo debajo de eso, hay botones de ganancia para cada canal, así como LED de 5 segmentos para representar la intensidad de la señal que entra. En la parte inferior está la joya de la corona. Los interruptores 4k para colorear la señal armónicamente con el sonido legendario de las mesas de mezclas clásicas de la serie SSL 4000.

En los controles de monitoreo lo primero que ves es la gran perilla que controla el nivel de los monitores. Tiene el mismo tamaño que el de las mesas reales.  Además de esa perilla, encontrarás otra para auriculares en el modelo SSL 2 y dos HP (“ Phone A” y Phone B ”) en la interfaz de audio SSL 2+.  Con la perilla Phones B también puedes controlar los niveles de salida 3 y 4 con el interruptor encendido «3 y 4».

En la parte trasera, el SSL cuentan con 2 entradas de preamplificador de micrófono / línea / Hi-Z de muy alta calidad. 

En la parte superior de la sección derecha, también hay una perilla Monitor Mix que controla el equilibrio entre las entradas y la mezcla. Para monitorizar la señal en mono o estéreo, también está disponible un interruptor estéreo.

En SSL 2, hay dos salidas de monitor TRS de 1/4 ″, así como una única salida HP. 

El SSL 2+, hay dos salidas HP y 4 salidas no balanceadas RCA, junto con dos salidas de monitor TRS de 1/4 ″. SSL 2+ también incluye dos puertos de entrada y salida MIDI de 5 pines. 

Ambas interfaces incorporan el mismo puerto USB Tipo-C 2.0 para su conectividad.

SSL 2 & SSL 2+

Ganancia, rango dinámico, respuesta de frecuencia, frecuencia de muestreo y profundidad de bits

Los preamplificadores de las nuevas interfaces de audio SSL no introducen ningún tipo ruido. Cuentan además con un rango de ganancia excepcional de hasta 62dB. En términos de respuesta de frecuencia, sorprende el nivel de precisión en todo el espectro. Las salidas de monitores de la SSL 2 y SSL 2+ admiten hasta 112dBA de rango dinámico. Las salidas de auriculares también ofrecen un rango casi similar llegando a 111dB. Mientras, las entradas ofrecen hasta 110.5dB de rango dinámico. Si tenemos en cuenta que el soporte en frecuencia de muestreo que nos brinda es de hasta 192 kHz a 24 bits, nos da un motivo mayor para saber que se convertirá en un standard de los home-studio en muy poco tiempo.

Modo analógico SSL 4K

Solo necesitas presionar el interruptor 4k para obtener la esencia de las mesas clásicas analógicas (SSL 4000). Esta opción presente en las interfaces de audio SSL 2 y SSL 2+ son la joya de la corona de esta interface.  Mejora maravillosamente la presencia de la señal de audio. Agrega armónicos ricos al sonido ya sea que esté en el modo + 48V, línea o Hi-Z. Este modo analógico del 4k lo puedes aprovechar en ambos canales para señales mono y estéreo.

Mi opinión personal

No cabe duda que SSL está a la orden del día ofreciendo productos de calidad a un costo relativamente bajo para la calidad que ofrece. Se está adaptando muy bien a los tiempos actuales donde el boom de los home-studio no deja de crecer. Para mi opinión personal es una apuesta segura estas nuevas interfaces de audio SSL 2 y SSL 2+ de Solid State Logic. Teniendo en cuenta ademas de que incluye una amplia colección de complementos digitales de primer nivel. Plugins nativos de SSL como Vocalstrip 2 y Drumstrip. DAW como Pro Tools First y Ableton Live Lite que también se incluyen con la compra de estas interfaces. Y eso no es todo, también obtienes las claves híbridas de Native Instruments, Komplete Start y muestras de 1.5GB de Loopcloud para comenzar a trabajar de inmediato.

Desde luego un nuevo acierto para mi de la compañía. Calidad de primera a un bajo precio.

¡ Nos vemos pronto !

PSI Audio A23-m. EL Mejor Monitor de Estudio

Hoy quiero hablar de PSI Audio A23-M. Tener un buen par de monitores de estudio es indispensable junto a una buena acústica en tu entorno para lograr una buena mezcla. De nada te va a servir, como dice el dicho popular ¨comenzar la casa por el tejado¨ comprando equipos caros y mesas de mezclas caras, ni nada por el estilo. Lo primordial en tu entorno de trabajo debe ser la acústica de tu sala mas el sistema de monitores. Por lo que hoy quiero enseñarte el porque pienso que los nuevos PSI AUDIO A23 son el mejor sistema de monitores de estudio del mercado actualmente. Quizás la mejor decisión que puedas tomar a la hora de elegir .

los Mejores monitores del mercado. psi audio a23-m

Todos los ingenieros de audio han buscado desde siempre en sus escuchas algo muy simple. Una herramienta de trabajo que diga la verdad. Que suenen precisos. Suenen bien y cristalinos. Que sea real lo que transmite. Que haga sentirte seguro que si suena bien por ahí, sonará bien en todos los lados donde se escuche tu mezcla. También en el caso de que suenen mal o raro algún elemento sea porque no está bien. Yo te aseguro que estos son lo suficientemente reveladores para hacerte saber donde está el problema o los problemas a resolver. Esto es precisamente lo mejor a destacar en los Psi Audio A23-m.

PSI AUDIO A23-m

estreneno en el namm 2019

En el NAMM Show del año pasado en Anaheim (EE. UU) PSI Audio presentaba el nuevo monitor de tres vías A23-M. Un sistema que vive en mitad de sus hermanos mayores y pequeños. Los modelos A21M y A25M.

La primera novedad es el nuevo controlador de rango medio desarrollado y fabricado por PSI AUDIO en su fabrica de Suiza. Con ello han logrado llegar a un nivel superior. Una reproducción acústica absolutamente precisa. El deflector con tweeter y controlador del rango medio puede girarse en posicionamiento horizontal o vertical. Con ello se puede optimizar su configuración según el tipo de sala que tengas.

Utiliza la tecnología que ha echo a Psi Audio convertirse en uno de los mejores fabricantes del mundo en sistemas de monitores, Entre las característica en ellos están

  • La impendancia de salida adaptiva
  • La respuesta de fase compensada
  • 100% analógicos
  • Amplificadores Clase G / H
  • Calibración individual

La impedancia de salida adaptativa (AOI) controla el movimiento de la membrana en relación con la señal entrante. Esto permite que la reproducción sonora sea excepcionalmente precisa. 

La Respuesta de fase compensada (RCP) asegura de que todos los elementos espectrales de la señal entrante estén alineados en el tiempo. Así te aseguras que no pueda producirse una alteración no deseada del algún elemento de la fuente. 

Cabe destacar que toda esta tecnología es 100% analógica, al igual que los amplificadores de clase G / H que combinan las ventajas de clase AB con una menor distorsión y una mayor eficiencia. 

Psi Audio A23-m

¿Por qué me hice con una pareja de ellos?

Hablando con compañeros del sector, siempre ha salido los comentarios sobre su precio,. Y llevaban toda razón. La inversión por una pareja de ellos puede ser perfectamente casi la misma que la compra de un coche nuevo. Lo único es que debes saber que un coche (a no ser que seas taxista) solamente va a quitarte dinero de tu bolsillo con su mantenimiento. Una pareja de monitores de estas características, va a hacer que te sea mas fácil conseguir mejores resultados en tus trabajos. Con lo que eso te proporcionará mas clientes .Eso te hará tener un mejor flujo de ingresos y por ello tu negocio irá mejor.

Aún así, te sugiero siempre que los pruebes y los escuches. Solamente así entenderás su costo. Yo lo hice hasta en 3 ocasiones para poder decidirme por su alto valor. Aunque prácticamente en la primera prueba me di cuenta que los querría. Que no iba a encontrar, por mucho que buscara, nada que fuera mejor.

Son los monitores de estudio mas perfectos que existen en la actualidad en el mercado.

Otra cosa y por lo que me declaro fan absoluto de PSI Audio es que cualquiera de los monitores de su linea suenan muy bien y muy parecidos entre ellos. Yo comencé con los pequeños PSI Audio A14M. Me sorprendieron la primera vez que los escuché. Fue en PKO STUDIOS de Madrid.

En resumen

No puedo recomendarte nada mejor si tienes un pequeño home-studio. Cuando los ves por primera vez, te llaman la atención por lo pequeños que son. Luego cuando los escuchas, no te puedes creer lo bien que rinden en todas las frecuencias y como suenan pese a su tamaño. Y es que Psi Audio utiliza la misma tecnología en toda su linea de monitores.

Psi Audio A14m

Si quieres dar un paso importante en tu estudio en lo que se refiere a monitores, hazte un favor y busca la forma de escucharlos antes de tomar una decisión de compra. Yo lo hice y aquí estoy, con mis pequeños A14m y mis nuevos Psi Audio A23m mas feliz que nunca

¡ Hasta pronto !

Controladores para el Daw

Si hacemos un análisis en la actualidad vemos que cada vez es mas difícil encontrar grandes estudios con mesas analógicas gigantes. El gran costo de mantenimiento, la alta facturación de luz, el gran espacio que necesita son factores que no todos podemos alcanzar. Es por eso que la tecnología nos brinda otro tipo de opciones más económicas y para muchos igual de válidas para sus mezclas. Hace varios llegaron los DAW que fueron una revolución dentro del mundo de los estudios. Aún así las compañías de audio se dieron cuenta que los ingenieros no se sentían cómodos mezclando con un teclado y un ratón. Ellos extrañaban el poder manipular los faders manualmente dando una sensación mas real a lo que sentían cuando mezclaban en mesas analógicas. Es por eso que nacieron los controladores Daw que te permitían tener una sensación mas cercana a lo que era mezclar en una mesa de mezclas real. Con ello te traigo hoy mi opinión sobre varios controladores para el Daw  que disponemos en la actualidad.

PreSonus FaderPort

PreSonus FaderPort

Otro de los mejores controladores para el daw, si estás buscando un controlador de mejor calidad y a la vez un poco más sencillo, el PreSonus
FaderPort puede ser una excelente opción.

El controlador incluye:
  • Barra de transporte completa para grabación
  • 1 fader motorizado
  • Automatización motorizada sencilla o en grupo
  • Control de paneo y botón de mute, solo, y activar grabación
  • Botones para cambiar rápidamente entre ventanas
  • Conexión USB con comunicación MIDI con los DAW
 Desventajas

La principal desventaja es que es un solo fader, lo que te permite menos manipulación de pistas y quizás no te puedas encontrar cómodo. Otra desventaja es que es conexión USB con comunicación MIDI lo que hace que la respuesta pueda tener un poco de latencia.

Compatibilidad:

Es compatible tanto en sistemas operativos Mac como en sistemas operativos Windows. Además cuenta con comunicación para los principales Daw como Pro Tools, Cubase, Nuendo y Logic.

Precio: 155 Euros 

 

Avid Artist Mix

Avid Artist Mix

Este es el controlador favorito para muchísimos usuarios que he visto en home-studios e incluso estudios de proyectos.  Quizá sea porque tiene una excelente relación calidad-precio y una 
compatibilidad con Pro Tools extraordinaria. Tuve la ocasión de poder probarlo una vez en profundidad y para mi gusto se acercaba mucho a la sensación de una mesa analógica real. Definitivamente creo que es uno de los mejores controladores disponibles para el DAW.

Sus características principales son:
  • Faders motorizados y sensibles al tacto 8
  •  Potenciadores sensibles al tacto 8 
  • Monitores digitales de LED 8 
  • Protocolo de EUCON con conexión de alta velocidad
  • Solo, Mute, y Habilitación de grabación por canal
  • Barra de transporte completa
  • Capacidad para manipular diferentes parámetros de plugins
  • Cambio rápido entre ventanas de edición y mezcla

Las ventajas:

El tener disponibles 8 faders motorizados sensibles al tacto hace que el Artist Mix tenga la misma sensación en los faders que el de una consola real. Esto te permite manipular varias pistas a la vez, incluso en la automatización. Además que siempre puedes ampliarla poco a poco con lo que es un plus para los que no pueden hacer la inversión. La conexión EUCON es sin duda alguna la más rápida y eficiente porque es a través de Ethernet, lo que permite una respuesta entre controlador y daw muy eficiente. 

Las desventajas:

La manipulación parámetros de los plugins a través de los potenciadores no es muy buena.En este caso es muchísimo más rápido trabajar con el ratón. La mayoría de gente aun así usan la  Artist Mix balancear niveles, paneos, solos, y automatización.

Compatibilidad:

Mac OSX y Windows y se comunica con Pro Tools 10/11, Logic Pro X, Sonar, Digital Performer, Cubase, Nuendo

Precio: 987 Euros 

 

Softube Console 1 MKII

Softube Console 1 MKII

Seguramente alguna vez soñaste tener el sonido de algunas de las mejores mesa analógicas del mundo. Seamos realistas y despertemos por un momento del sueño. Así de fácil no lo vamos a a conseguir pero es cierto que este controlador en concreto te ofrece un modelado analógico  emulando el sonido de las principales mesas de mezclas analógicas. 

Sus características:

  • Modelado analógico de EQ/Compresión/Saturación a través de un plugin con un controlador físico.
  • Emula el sonido de diferentes consolas cómo: SSL 4000E, SSL 9000, Consolas Neve y Summit Grand Audio
  • El controlador te permite visualizar cada uno de los parámetros afectados
  • Cada parámetro del plugin es manipulable a través del controlador
  • El controlador te permite contro sobre ganancia de entrada, volumen, pan, mute, y solo para cada canal
  • Conexión a través de USB

Su ventaja principal:

El poder emular el sonido de diferentes consolas analógicas a través de un solo plugin. Consume pocos recursos para el Pc/Mac y  permite manipular los parámetros tal cómo si tuvieras la consola frente a ti.

Las desventajas:

Este controlador no es tan común cómo los demás. Es bastante más complejo y necesitaras de más tiempo para hacerte con él. En vez de tener faders cómo los de una consola, tienes solamente potenciadores. Estos te permiten manipular todos los parámetros dentro del plugin específico incluido pero a la hora de usar automatización es bastante complicado. La posibilidad de poder usar  varias pistas a la vez también se vuelve una tarea mucho mas complicada. 

Compatibilidad:

Este controlador es compatible tanto con sistemas operativos Mac y Windows y  con cualquier DAW que soporte formatos: AAX, AU, VST, VST3, y UAD.

Precio: 499 Euros

Slate Raven MTi2

Slate Raven MTi2

Puedo decir que en los últimos tiempos es uno de los controladores que mas me ha sorprendido. Ya sabemos que Steven Slate es una de esas mentes innovadoras que no deja de sorprendernos por su gran calidad. Hablamos del controlador digital de Slate.

Sus características principales:

  • Monitor LED de 27 pulgadas
  • 100% sensible al tacto para manipular todo dentro de tu DAW
  • Resolución HD 1920X1080
  • Baja en consumo eléctrico
  • Acceso táctil a funciones cómo: Solo, Mute, Volumen, Paneo, Envíos, Insertos, Edición y más.
  • Herramienta Raven con: Barra de transporte, selección de ventana de edición/mezcla, zoom, click, etcétera
  • Raven Batch Command con más de 1000 comandos disponibles de forma automática para un trabajo más eficiente

La ventaja principal:

Controlador único en el mercado. Es vanguardista en su categoría por el hecho de ser todo completamente táctil a traves de la pantalla. 

Las desventajas:

La única posible desventaja que al no ver nada físico te puedas sentir algo extraño. Desde puede ser que no te hagas a ella con lo que recomiendo siempre poder probarla antes. 

Compatibilidad:

Soporta Ableton Live, Cubase/Nuendo, Digital Performer, Logic Pro X, Pro Tools 10-12, y Studio One v3 en Mac y Pro Tools 10-12 en PC.

Precio: 1099 Euros 

 

Avid S3

Avid S3

La Avid S3 es la más reciente actualización de la Artist Mix con algunas actualizaciones
importantes, por lo que definitivamente es uno de los mejores controladores para el DAW del momento.

Sus características son:

  • Conexión a través de EUCON para una comunicación rápida
  • Funciona también cómo interfaz
  • Diseño compacto y ergonómico
  • Personaliza hasta 12 diferentes controles para tu propio flujo de trabajo
  • Controla hasta 16 atenuadores a la misma vez
  • 32 potenciadores para manipular diferentes parámetros

Ventaja principal:

Para mi gusto es que tienes disponibles 16  faders a la misma vez y que puede funcionar cómo interfaz. 

Las desventajas:

Tiene un precio muy alto para mi gusto. No innovaron demasiado su funciones respecto a la versión anterior y su precio es mucho mas elevado.

Compatibilidad:

Mac OSX con DAWs como: Pro Tools, Cubase, Logic, Media Composer y otros.

Precio: 4899 Euros 

 

Para terminar 

Al final los mejores controladores son los que te permiten mejorar tu flujo de trabajo. Lógicamente también el presupuesto con el que cuentes. Lo que si te puedo decir antes de que hagas la compra es que tengas la opción de probarlos. Somos diferentes y es posible que en lo que uno se encuentre cómodo, otro no lo esté. A modo de como va la industria, cada día es una alternativa mas seria lo que los controladores nos ofrece. 

Que tengas un feliz dia. 

Producción de Tomas Vocales Top

Después de haberme ausentado algunos dias retomo con mas fuerza que nunca hablando de un tema de los más importantes dentro de la Producción Musical. Uno de los trabajos mas importante para todo productor es llevar una correcta dirección de la grabación de las voces. Reconozcamos que 9 de 10 veces suele ser el instrumento mas importante dentro de una producción de músical. Muchas veces nos centramos demasiado en otros aspectos de la producción, edición o mezcla que nos hace perder el enfoque del elemento principal. El momento de grabar las voces y cual es la forma adecuada en cada ocasión. Es por eso que hoy te traigo algunos tips que te ayudará a tener unas tomas vocales increíbles y dignas de cualquier producción de miles de euros/dólares. Sin más os dejo con el tema de hoy Producción de Tomas Vocales Top. 

Sergio Dalma y Chenoa
Sergio Dalma & Chenoa Recording

La Voz. Lo más importante

Como antes hablábamos, lo mas normal en las canciones que escuchamos todos los dias en la radio y televisión es que la voz en esa producción sea el elemento principal. La letra es un elemento muy importante debido que es la parte que traduce el mensaje de la canción. En ella se basa toda la producción musical en la que estamos trabajando. Las voces y la letra tienden a hacer que el oyente recuerde la canción un dia y otro. Por eso es que el productor debe centrarse siempre y poner mas atención que nunca en la voz. Hablemos de varios trucos que he ido coguiendo de grandes productores que hacen que sus producciones musicales cuenten con un toque totalmente profesional en los distintos track de voces.

Preparar al Vocalista

  • Hora de grabar: Antes de entrar a grabar, el cantante debe de estar preparado física y mentalmente para dar lo mejor de sí mismo. Mi recomendación siempre es que mejor estas tomas hacerlas por la tarde o noche. La voz no está por la mañanas igual además de que las cuerdas vocales no estarán en su total plenitud.
  • Cuidados de Garganta: Siempre debes estar atento al cantante recomendándole que se hidrate bien sus cuerdas vocales. Una de mis recomendaciones es beber un poco de zumo de limón natural con miel.
  • El Calentamiento: El cantante debe siempre calentar la voz por lo menos durante 15-20 minutos seguidos. Yo suelo hacer que mientras están calentando voy probando micrófonos y preamplificadores en su voz. Esto es fundamental si queremos tener una toma con una interpretación de total garantias.

La Emoción

Esto es el trabajo mas duro para cualquier productor en una producción de voces. Por eso creo que este es el punto de mas importancia en el que te tienes que parar. La letra como deciamos es la parte protagonista de la canción. El cantante tiene que transmitir con lo que canta y hacer que el oyente se sienta atrapado. Tenemos que hacer ver el cantante que una cosa es cantar y otra muy distinta es interpretar.

El éxito de  la toma vocal será el fruto al 50 % de los dos.

Algunos tipos de Ejemplos:

Si estamos grabando un tipo de canción un sentimiento triste, tenemos que saber que habrá partes en la canción donde el vocalista tendrá que cantar de manera muy sutil e intima. La canción de ¨Hello¨  de Adele es uno de los mejores ejemplos que te puedo poner.

Cuando grabas una canción mas nostálgica es posible que una de las partes el cantante pueda exagerar un poco la voz. Un ejemplo que se me viene a la cabeza es Bohemian Rhapsody del mítico grupo Queen.

si la canción quiere transmitir un sentimiento de reclamo o libertad puede cantarse con tonos mas agresivos en ciertas partes. Esto le ocurre a un canción de Luis Fonsi que se llama ¨ Corazón en la maleta¨

De todo esto nos debemos llevar que la voz nunca debe ser plana para que tengamos una producción de voces profesional. A veces tendrá que cantar mas sutil, a veces mas agresivo etc. Lo importante es darle lo que necesita  a cada parte de la canción con su interpretación.

recording de voces
Fico Azurmendi tracking de voces

Espacio Apto para Grabar

Este es un consejo para producir mejores vocales bastante simple. Una sala preparada para grabar voces. Dicen que cualquier sitio puede ser bueno para grabar voces pero no es así. Es cierto que es más fácil pero no cualquier lugar vale. Esto además no lo digo yo, lo dice uno de mis ídolos como es Rafa Sardina en una masterclass que hizo en Colombia.

Uno de los aspectos a tener en cuenta puede ser sobre todo la iluminación. Tener un lugar acogedor y bien tratado acústicamente es fundamental para un registro de voz optimo. Por eso antes de grabar preocúpate por todo ello. Que el cantante se encuentre cómodo e íntimo es muy importante para que el pueda dar lo mejor de si.

Cuidar la estructura de la Canción

Como productor, hay ciertas cosas en las que tenemos que poner muchísima atención a la hora de que el cantante esté grabando. Estas pueden ser : la intención, afinación y tiempo.

No podemos descuidar estos detalles por solo concentrarnos en darle emoción a la letra. Cuanto menos edición o corrección de afinación tengamos que hacer mejor producción nos saldrá. Tenemos que recordar que somos humanos e imperfectos. Por eso tenemos que conseguir que el cantante cante bien de tiempo y afinación para luego no abusar de elementos tecnológicos que hagan perder la naturalidad de la producción.

sebastian krys
Sebastian Krys

Menos es Más

Muchos productores he visto que graban muchísimas tomas de voz. Como 40 tomas u así. Luego hace un gran compilado de voces para escoger la mejor parte de cada una de ellas. No existe un método más certero para escoger lo mejor de cada voz, pero estudiando una Masterclass que hice con el gran Sebastian Krys ( ganador de 13 Grammys ) me dí cuenta que debemos ponernos limites de tomas. Esto hace que seamos mas productivos y que al final consigamos mas calidad en nuestras tomas. Este compromiso en la forma de trabajar es cierto que ha mejorado mucho mi técnica en los últimos años.

Otra cosa sería… que el cantante no fuera un buen cantante y no tuviera la canción lo suficientemente preparada. Esto hará que la sesión sea una perdida de tiempo en el que será imposible trabajar de manera adecuada. Esto no es nuestra culpa y si es una responsabilidad del cantante. No podemos arreglar algo que viene mal desde el principio.

Seguramente con estos consejos que te he compartido,  te ayudarán a que tus producciones sean aun mejores de lo que puedan ser a dia de hoy.  Agradecerte la lectura de este articulo y cualquier consulta que quieras hacerme estaré encantado de poder responderte.

Que pases una buena semana.

Problemas más Comunes en una Producción Amateur

En la actualidad es muy normal encontrarnos muchos Home-studios con algunos problemas comunes en lo que se pueden hacer ¨ buenas grabaciones ¨. El resultado  no será totalmente profesional pero haciendo las cosas bien, quizás podría servir. El problema que yo veo es que la facilidad de poder subir cosas al alcance de un solo click a Internet ha desencadenado una total falta de compromiso con las producciones musicales. La necesidad que tenemos de alimentar nuestro ¨EGO¨ con like y Me gustas hacen que queramos compartir rápidamente con el mundo mucho contenido.  Descuidando con ellos muchos de los Problemas más comunes en una producción musical. 

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Falta de Organización y Estrategia

Quizás sea de los mayores problemas en los home-studios a la hora de afrontar una producción musical de garantías. Antiguamente los músicos tenían que practicar horas y horas para la hora de ir al estudio de grabación. Las horas de las grabaciones eran muy caras  y es por eso que para evitar una factura muy abultada a las horas, tenían que aprovechar bien el tiempo. Ahora ya eso muchas veces no es problema tan grande si el músico posee un home-studio. Lo que ocurre es que esto no ha encaminado a veces a tener una falta de organización mayor cosa que por ende al final consigamos una producción de no muy buena calidad y con problemas.

Es algo clave que desde el principio planteemos una buena estrategia. Saber perfectamente en que orden se va a hacer las cosa y llevar a cabo una buena organización de todo ello. De repente no puedes estar haciendo un recording de baterías para dos horas después ponerte a grabar voces y a los 3 días retomas de nuevo la grabación de baterías, etc. Construye tu producción con una buena columna vertebral desde el principio para no tener problemas después.

Poca Práctica o Estudio

Este es otro problemas que suele ocurrir muy a menudo. Si tu mismo eres el productor además del músico y trabajas para una banda, es necesario que tengas en cuenta que tu toma para que salga perfectamente bien necesita de mucha práctica antes de grabar. Solamente así podrás conseguir un resultado muy bueno en tu interpretación. A veces nos centramos mucho en si que micro uso, la posición de la sala, etc pero realmente no pensamos que si el músico no hace una interpretación perfectamente buena de nada servirá todo lo que hagamos.

Siempre ten en cuenta que si se va a grabar con un metrónomo la sensación va a ser totalmente diferente a tocar en vivo. En el estudio TODO se percibe de manera clara, no puede haber ningún fallo. No podemos pasar de mano a los problemas. 

Si los músicos no tienen la suficiente habilidad para interpretar esa canción perfectamente hará que el tiempo vuele y se alarge mas de lo previsto la sesión. Después se sentirán mas frustrados y la dinámica de la sesión irá a peor. Esto se vuelve un circulo vicioso que hace que al final nada salga bien, todo el mundo se enfade y se pierda el enfoque por completo.

Compromiso Sonoro

Si te paras a escuchar detenidamente las producciones musicales TOP del mercado, te aseguro que encontrarás miles de detalles. Todos estos detalles fueron escogidos de manera totalmente cuidadosa para construir la canción. Cuando empezamos en la producción musical tenemos la falsa idea de que todo se consigue en la mezcla. Totalmente esto es un error y está fuera de la realidad.

Siempre tenemos que comprometernos en obtener los mejores resultados sonoros desde el proceso de la grabación.

Da igual el género de música en el que estés trabajando al igual que da igual si tus sonidos son elementos acústicos o instrumentos musicales. No conformarse con el primer sonido que obtengas te hará siempre de ser mejor en lo que haces. Busca siempre al 100 % el sonido que tengas en la cabeza. Esto hará que todos los procesos posteriores sean mucho mas sencillos consiguiendo mejores resultados.

Casino Lake House Recording Studio

Mala o falta de Interpretación

De todos los problemas que pueda tener una sesión de recording en un estudio, esta puede ser las mas importante. Si tu objetivo es conseguir resultados sin vida, mejor dedícate a otra cosa porque esto es la CLAVE de la la emoción que produce la música. Esto no se puede corregir ni con melodyne, ni con Autotune, etc. Como productores tenemos que exigir a los artistas para conseguir esa interpretación con emoción.

La emoción se transfiere facilmente al oyente a través de la propia canción. No se debe forzar ya que se identifica fácilmente obteniendo el resultado adverso.

No nos debemos conformar como hablaba antes con obtener una buena calidad de sonido. También siempre cuidar la interpretación y sea las mas adecuada para la canción.

En el caso del vocalista, que realmente consigamos que nos emociones las palabras que están cantando. Un ejemplo de las canciones con mas cantidad de emoción en la voz que mas me gustan puede ser Hello de Adele o quizás la actual El Patio de Pablo López.

Interpretación para conseguir emoción por encima de todo

Poner limites de tiempo y números de tomas

Realmente una vez escuché decir que los humanos trabajamos de forma mas efectiva cuando lo hacemos bajo presión de tiempo. Quizás no todos los casos sean así pero desde luego en mi caso si es verdad que se cumple. Siempre me lo tomo como un reto cuando creo que algo no lo voy a conseguir por falta de tiempo y al final siempre lo consigo. Esto ademas no solamente me sucede en la producción musical sino en todo en la vida.

Ponernos límites siempre nos hace ser mas efectivos para cumplir con nuestros objetivos.

Todo el que tiene un home-studio sabe perfectamente de las horas que ha desaprovechado (Incluido Yo). Pensamos que tenemos todo el tiempo del mundo puesto que la horas no cuentan y eso hace que seamos muy poco productivos. 

Siempre ponernos límites reales, de nada sirve situaciones que no vamos a poder cumplir.

Al final del todo creo que la clave es saber buscar la forma de que seamos mas efectivos y mejores en lo que hacemos. Estoy seguro que con estos puntos vas a mejorar tu disciplina técnica y musical. A mi me ayuda cada día a intentar ser mejor. Ponlo a prueba y me cuentas que tal te ha ido.

Feliz inicio de semana

Crecer como Ingeniero o Productor Musical

Un Ingeniero o productor es alguien que le apasiona y ama profundamente la música. Uno se podría preguntar: Me gustaría ser Productor musical o Ingeniero de audio. ¿Que debería hacer? ¿Por donde debería empezar? Si realmente quieres ir en serio y tomas la pregunta con la suficiente importancia, deberás saber que para crecer como Ingeniero o Productor lo primero es tener los conceptos sólidos. Los tiempos ya no son como antes y el modelo de negocio en la industria musical ha cambiado mucho. Todo a tener en cuenta por los presupuestos que hoy podemos tener y por la caída tan grande que ha habido con la venta de discos físicos en los últimos años.

Esto hace que des afortunadamente dedicarse plenamente a la industria musical sea algo bastante difícil aunque eso si, no imposible. La clave está en aprovechar siempre las oportunidades que se presentan de manera satisfactoria y observar detenidamente la necesidades que el cliente o músico potencial puede tener. Por eso hoy te quiero compartir mi punto de vista ante todo esto trayéndote Crecer como Ingeniero o Productor Musical.

joe chiccarelli
Joe Chiccarelli

Saber que significa éxito para ti

El significado de la palabra éxito puede ser muy diferente para cada uno. Es por eso que antes de comenzar a dar el primer paso debemos imaginarnos en la cabeza que es lo que queremos conseguir. ¿ Por qué ? Porque para conseguir un objetivo tenemos que tener 100 % el enfoque en ello. Tenemos que tener claro a que dirección vamos a ir y saber siempre donde estuvo en punto de partida tanto en los buenos como en los malos momentos. Esto amigo mio es la clave para crecer.

Volviendo a la definición de éxito, quizás conseguir ese ¨éxito¨ pueda ser para ti vivir de la música. Aunque ahora demos el siguiente paso, ¿ Vivir de la música como músico ? ¿ Compositor ? ¿ interprete ? ¿ Productor ? o incluso ¿ Ingeniero de mezcla ?

Ya ves que existen diferentes posibilidades y cuanto mas claro tengas tu concepto siendo realista, más fácil será tu camino.

Exige a tu trabajo cada día más

Si es difícil entrar de manera triunfal en la industria musical, lo es mas si no entregas excelentes y mejores trabajos cada día.  Para ello debes empezar obteniendo buena formación y obteniendo presupuesto para comprar buenos equipos de buena calidad. Eso son los primeros pasos para crecer como Ingeniero o Productor. Aunque entiendo una cosa que sucede a menudo. ¿Como obtengo esos presupuestos? Primeramente tendrás que hacer trabajos con un bajo coste de precio para poder poco a poco ir cogiendo experiencia e ingresos. Lo mas recomendable sobre todo al principio es que busques un trabajo que te asegure un ingreso estable. Quizás no es relacionado con la música pero te ayudará a tener dinero para hacer crecer tu equipo y poder comenzar con tu carrera musical.

Haz crecer tu equipo de trabajo

Seguramente por tu zona haya alguna persona que esté pensando como tú. La música siempre ha sido triunfal cuando se ha trabajado en equipo y eso debes aprovecharlo. Asociarte con los mejores productores, ingenieros, responsables de marketing, músicos te ayudará a crecer y a poner  a prueba tus habilidades, conocimiento y experiencia.

Siempre aliarte con inteligencia y esforzarte para entregar el mejor trabajo posible. Si esa es la filosofía de ese equipo de trabajo hará que no paréis de crecer. Nunca se sabe en que manos puede caer un trabajo y de un día a otro puede que te cambie la vida si ese trabajo fue muy bueno y cayó en las manos adecuadas.

recording studio
Washroom Recording Studio

Relacionarse

Este es totalmente un mundo de relaciones. Si te dedicas solamente a desarrollar tus técnicas y no sales al mundo real a que te conozcan, ten por seguro que no vas a crecer. Tenemos que quitarnos el miedo y dar a conocer nuestros trabajos. Si eres un buen músico, quizás sea buena idea buscar una banda. Si eres productor, quizás es buena idea ir a locales de ensayo en busca de talentos musicales, ir a conciertos de música en vivo, etc.

También puede tener una pagina fans en Facebook, una pagina web o incluso un blog. Todo esto créeme que te ayudará a ir labrando camino en el área de la industria musical.

Jesús Cayuela, un productor reconocido de España, me dijo una vez que lo importante siempre es crear oportunidades cuando no las tienes. Eso solo se hace saliendo a relacionarte ahí fuera.

Sé Constante

La constancia es la clave para no dejar nunca de crecer. Esta es la que hará la diferencia entra la persona que lo intenta y quién lo consigue. Nadie consigue el éxito de la noche a la mañana. Todo tiene un proceso largo de trabajo y sacrificio. Leí una vez que para ser realmente conseguir hacerse un maestro en una disciplina, era necesario superar las 10000 horas de trabajo.

Es por eso que cada día tenemos que tener el enfoque claro de lo que queremos conseguir. Existe un dicho en España que dice que los platos cocinados a fuego lento tienen mejor sabor…

Ser el Mejor en lo que Hagas

Entrar de manera triunfal en la industria musical como hemos hablado es algo difícil. No imposible. Tenemos que invertir muchas horas para mejorar. Nadie nace sabiendo. En contra de lo que la gente cree, la gente consigue éxito en sus carreras por todo el esfuerzo y trabajo que le puso detrás. El dinero y los contactos te pueden hacer llegar… pero te aseguro que no mantenerte. Necesitas tener una buena formación desarrollada y establecida.

Mantente siempre activo y con ganas de mejorar. Sé contante, ponte en el lugar adecuado y rodéate de gente que admiras por lo que consiguieron. Te prometo que todo se consigue… si lo queremos de verdad.

Que tengas un buen domingo de pascua.